Las guerras suelen contarse con números. Muertos, heridos, desplazados, viviendas destruidas. Cifras que aumentan cada día y que, por su magnitud, terminan resultando difíciles de asimilar. Pero cada número corresponde a una persona. Alguien con un nombre, una familia, una profesión y una vida que existía mucho antes de convertirse en noticia.

Esa es la premisa de ‘Vidas con nombre. Historias reales de Gaza y Cisjordania’, el primer libro de la periodista Almudena Ariza, ilustrado por Fermín Solís y publicado por Salamandra Graphic. Una obra de no ficción que reúne 35 testimonios reales recogidos durante la cobertura del conflicto palestino-israelí.

Los dos autores han pasado por BiblioKISS, el espacio dedicado a los libros de KISS FM, con Julián Garvín para acercarnos a un proyecto que propone mirar más allá de los titulares y recuperar las historias personales que corren el riesgo de desaparecer entre las noticias de cada día. 

De los informativos a las páginas de una novela gráfica

Durante más de dos años, Almudena Ariza ejerció como corresponsal de RTVE en Jerusalén, desde donde informó de las consecuencias de la ofensiva militar israelí sobre Gaza y de la situación en Cisjordania tras los ataques de Hamás del 7 de octubre de 2023.

Acostumbrada a trabajar en algunos de los escenarios más complejos del planeta, la periodista fue recopilando historias que difícilmente podían desarrollarse con toda su profundidad en una pieza de televisión. Testimonios de médicos, niños, familias, periodistas y voluntarios que reflejaban una realidad mucho más amplia que la que mostraban los balances diarios de víctimas.

De aquella experiencia nació la necesidad de construir un relato que permaneciera cuando los informativos dejaran de ocuparse de él.

El resultado es una crónica gráfica de 248 páginas que combina el relato periodístico de Ariza con las ilustraciones de Fermín Solís. Dos lenguajes diferentes puestos al servicio de una misma intención: devolver su identidad a quienes han sufrido las consecuencias de la guerra.

35 historias reales: los nombres que hay detrás de la tragedia

Entre los testimonios recogidos en ‘Vidas con nombre’ aparece Raúl Incertis, un médico valenciano que trabajó como voluntario en Gaza y que, a través de sus mensajes, fotografías y grabaciones, ayudó a Almudena Ariza a documentar lo que ocurría dentro de un territorio al que los periodistas internacionales no podían acceder libremente.

También está la historia de Rateb, un niño de nueve años que perdió una pierna y aprendió a caminar utilizando una tubería como apoyo. Su empeño por volver a jugar al fútbol retrata la resistencia de una infancia obligada a sobrevivir en circunstancias extremas.

Especialmente doloroso es el caso de Alaa al-Najjar, una médica palestina que perdió a nueve de sus hijos en un ataque contra su vivienda.

Y el de Yaqeen Hammad, una niña de once años que se había hecho conocida por compartir en redes sociales vídeos en los que repartía ayuda y trataba de llevar algo de alegría a otros pequeños desplazados. También ella murió durante la guerra.

Son cuatro de las 35 historias que atraviesan el libro. Relatos de pérdidas irreparables, pero también de solidaridad, resistencia y pequeños gestos cotidianos en medio de la destrucción.

Fermín Solís: dibujar el horror sin convertirlo en espectáculo

Una de las particularidades de ‘Vidas con nombre’ está en su lenguaje visual.

Fermín Solís, autor de obras como ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, transforma los testimonios recopilados por Almudena Ariza en escenas ilustradas que permiten al lector acercarse a los protagonistas de una manera distinta.

El dibujante ha adaptado su estilo habitual a las exigencias de una obra documental. Su trazo, reconocible por su expresividad y el uso del color, adquiere aquí un tono más contenido y realista.

La elección de la novela gráfica tampoco es casual. Frente a la crudeza de muchas de las imágenes que llegan desde Gaza, el dibujo ofrece otra forma de aproximarse a las historias sin renunciar a su gravedad.

No se trata de suavizar lo sucedido, sino de encontrar una manera de narrarlo que permita detenerse en los detalles, comprender las circunstancias y acompañar a sus protagonistas más allá del impacto inmediato de una fotografía.

Almudena Ariza y el periodismo de guerra: contar lo que otros no pueden ver

‘Vidas con nombre’ es también una reflexión sobre el oficio periodístico.

A lo largo de su trayectoria, Almudena Ariza ha informado desde Afganistán, Irak, Siria, Ucrania y otros escenarios de conflicto. Su experiencia en Gaza y Cisjordania añade una dificultad especialmente significativa: las restricciones de acceso a la Franja, que obligaron a numerosos corresponsales internacionales a depender del trabajo de periodistas locales, personal sanitario y organizaciones humanitarias.

Verificar testimonios, reconstruir acontecimientos y trasladar al público una realidad que no siempre puede observarse directamente plantea preguntas fundamentales sobre la responsabilidad de informar.

El libro aborda también la huella emocional que deja ese trabajo. Lo explica en la entrevista. Porque detrás de cada reportaje hay profesionales que conviven con el sufrimiento ajeno y que, una vez terminada la cobertura, deben encontrar la manera de procesar todo lo que han visto y escuchado.

La colaboración entre Ariza y Solís amplía así las posibilidades del relato periodístico. La información conserva su vocación documental, pero encuentra en el dibujo una herramienta para reconstruir escenas, aportar contexto y preservar testimonios.

‘Vidas con nombre’, una lectura contra el olvido

El libro llega a las librerías el 5 de noviembre de 2026 con una propuesta que trasciende el formato de la novela gráfica.

Sus páginas no pretenden ofrecer una explicación exhaustiva de uno de los conflictos más prolongados y complejos de nuestro tiempo. Su objetivo es acercarse a las personas que lo padecen, mostrar sus circunstancias y recordar que la vida cotidiana continúa incluso en los escenarios más devastadores.

La obra también plantea una cuestión que afecta directamente a nuestra manera de consumir información: ¿cuántas historias somos capaces de recordar cuando una tragedia se prolonga durante meses o años?

En tiempos de imágenes fugaces, noticias que se suceden sin descanso y cifras que amenazan con deshumanizar el sufrimiento, Almudena Ariza y Fermín Solís reivindican algo tan sencillo como necesario: detenerse, escuchar y recordar los nombres.

En BiblioKISS te invitamos a descubrir ‘Vidas con nombre’, una obra que demuestra que el periodismo también puede encontrar en las viñetas una forma de preservar la memoria.

Sobre los autores

Almudena Ariza (Madrid, 1963) es periodista y una de las corresponsales internacionales más reconocidas de España. Vinculada a RTVE, ha desarrollado durante más de tres décadas una intensa trayectoria informativa en escenarios de guerra, crisis humanitarias y acontecimientos de relevancia mundial. Ha sido corresponsal en Asia-Pacífico, Nueva York, París y Jerusalén, y actualmente desarrolla su labor en América Latina. ‘Vidas con nombre’ es su primer libro.

Fermín Solís (Madroñera, Cáceres, 1972) es historietista e ilustrador. Entre sus obras destacan ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, ‘Medea a la deriva’, ‘Elia’ y ‘Buñuel y los sueños del deseo’. Su trayectoria abarca la novela gráfica para adultos, la literatura infantil y la ilustración. Su obra ha alcanzado proyección internacional y ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos el Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Salamandra Graphic 2025 por su proyecto ‘Charles loves Josefa’.

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Puedes hacerte con el libro AQUÍ.

Y ya sabes que en KISS FM además de la mejor música te recomendamos las mejores lecturas en BiblioKISS. Julián Garvín ha charlado con los autores.

¿Cuántas palabras hacen falta para contar una emoción? A veces basta una frase. Una idea que parece sencilla y que, sin embargo, permanece en nuestra cabeza mucho después de haberla leído. Sobre esa capacidad de la poesía para decir mucho con muy poco se construye Atadillos, el libro que reúne los versos de Julio Santiago y las ilustraciones de Aurora Pintado.

Los dos autores han pasado por BiblioKISS para presentarnos una propuesta literaria difícil de encasillar. No es exactamente un poemario ilustrado ni una colección de dibujos acompañados de textos. Aquí las palabras y las imágenes comparten protagonismo y construyen una obra en la que cada página ofrece una pequeña historia abierta a la interpretación del lector.

Publicado por Cuadernos del Laberinto dentro de su colección Berbiquí, Atadillos reúne pensamientos sobre el amor, el deseo, la soledad, la belleza, la libertad y nuestra manera de entender el mundo. Todo ello a través de una escritura breve, directa y sugerente que encuentra en el trabajo gráfico de Aurora Pintado una segunda forma de expresión.

Un libro de poesía que también se puede mirar

Una de las particularidades de Atadillos es su manera de abordar la poesía visual. Julio Santiago prescinde de las grandes construcciones literarias para concentrar sus ideas en versos mínimos. Algunos funcionan casi como aforismos; otros plantean preguntas que el lector debe terminar de responder.

«La realidad es un sueño comunitario», escribe en uno de ellos. La frase, aparentemente simple, abre una reflexión sobre nuestra percepción de lo que nos rodea y sobre las certezas que compartimos sin cuestionarlas.

En otro momento, el poeta afirma: «Soy todas las personas que me han hecho ser quien soy». Una mirada a la identidad personal, a las relaciones humanas y a las huellas que los demás dejan en nosotros.

Las ilustraciones de Aurora Pintado no se limitan a reproducir esas ideas. Las interpretan y, en ocasiones, les proporcionan nuevos significados. Sus composiciones combinan figuras humanas, elementos de la naturaleza, símbolos y una caligrafía que se integra en el propio dibujo. El negro ocupa buena parte del espacio visual, mientras que el rojo, el amarillo o el turquesa introducen contrastes que refuerzan las emociones de cada escena.

El resultado es una lectura poco convencional. Hay páginas que se comprenden de inmediato y otras que invitan a detenerse, volver atrás y observar los detalles. El dibujo puede cambiar nuestra primera interpretación del verso y el verso puede hacernos mirar dos veces la ilustración.

Julio Santiago y Aurora Pintado: una complicidad creativa que viene de lejos

Aunque Atadillos supone un nuevo encuentro artístico, la relación literaria entre sus autores tiene antecedentes.

Ambos nacieron en Miajadas, Cáceres, y comparten una trayectoria vinculada a la creación. En 2009, Aurora Pintado ya firmó el prólogo de Poesía depilada, uno de los libros de Julio Santiago. Diecisiete años después, vuelven a coincidir en un proyecto en el que sus respectivas disciplinas dialogan en igualdad de condiciones.

Julio Santiago cuenta con una extensa bibliografía en la que figuran títulos como Beso en verso, Neruda desnuda, Mi Amor, Gloria Fuertes, Acrílica o Marsupio. Su trabajo no se ha limitado a la escritura: también ha desarrollado numerosos proyectos de dibujo y pintura.

Su relación con Gloria Fuertes ocupa un lugar destacado en su recorrido literario. La poeta madrileña prologó Beso en verso, publicado en 1998, y Santiago fue responsable de la edición de Derecho de pasión, una selección de poesía inédita de la autora aparecida en 2008.

Por su parte, Aurora Pintado desarrolla su actividad profesional en el ámbito de la creatividad publicitaria, al tiempo que mantiene una vinculación constante con la literatura y las artes visuales. Ha participado en distintas antologías poéticas y publicó Ficciones de carretera en 2008. Con Atadillos firma su primer trabajo publicado como ilustradora editorial.

La palabra, el dibujo y todo lo que no sabemos explicar

El libro comienza con un prólogo de Moncho Otero que reflexiona sobre los orígenes de la comunicación humana. Antes de los libros estuvieron los sonidos, los gestos y los primeros trazos sobre una superficie. Una aproximación a la necesidad de expresarnos que sirve de punto de partida para entender la propuesta de Santiago y Pintado.

Esa relación entre palabra e imagen atraviesa las 96 páginas de la obra. También lo hace una preocupación constante por las emociones, por aquello que sentimos y no siempre sabemos expresar.

Hay versos que hablan de las heridas que dejan las relaciones; otros reivindican la imaginación, la libertad personal o la capacidad de seguir soñando. La belleza convive con la incertidumbre y la ternura con imágenes más inquietantes.

Atadillos permite, además, distintas formas de lectura. Se puede recorrer de principio a fin, pero también abrir por cualquier página y encontrarse con una reflexión independiente. Una frase, un dibujo y unos segundos de atención pueden ser suficientes para iniciar una conversación con uno mismo.

Atadillos, una propuesta diferente para los lectores de BiblioKISS

En una época acostumbrada a consumir mensajes de manera apresurada, el libro de Julio Santiago y Aurora Pintado propone un ejercicio distinto: conceder tiempo a lo breve.

No pretende explicarlo todo ni imponer una interpretación. Su interés está precisamente en el espacio que deja al lector para completar cada composición con sus propias experiencias.

Atadillos, publicado en mayo de 2026 por Cuadernos del Laberinto, pertenece al número 44 de la colección Berbiquí. Cuenta con 96 páginas, prólogo de Moncho Otero y un precio de 19 euros.

Una lectura especialmente atractiva para quienes disfrutan de la poesía contemporánea, la ilustración y los libros que se pueden descubrir de distintas maneras. Porque hay pensamientos que caben en una sola línea, pero necesitan mucho más tiempo para abandonarnos.

Sobre los autores

Julio Santiago nació en Miajadas (Cáceres) en 1975. Es poeta y artista plástico, autor de una amplia obra literaria y de diferentes colecciones de dibujo y pintura. Entre sus publicaciones destacan Beso en verso, Poesía depilada, Mi Amor, Gloria Fuertes, Acrílica y Marsupio. Ha participado en numerosas antologías y proyectos culturales, y ha mantenido una estrecha vinculación literaria con la obra de Gloria Fuertes.

Aurora Pintado nació en Miajadas (Cáceres) en 1981. Es creativa publicitaria y desarrolla proyectos vinculados a la escritura, la narrativa y las artes visuales. Ha participado en antologías poéticas y es autora de Ficciones de carretera. Con Atadillos debuta en el ámbito de la ilustración editorial, aportando una mirada gráfica propia a los textos de Julio Santiago.

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Escucha la entrevista completa de Lucía Taboada con Julián Garvín:

¿Te acuerdas de cómo imaginabas tu vida cuando tenías dieciocho años? De aquellos amigos con los que pensabas que compartirías el resto de tus días, de los primeros amores, de las noches interminables y de esa sensación de que todo estaba por hacer. Seguramente recuerdes muchas cosas con cariño. Pero ¿y si algunos de esos recuerdos no fueran exactamente como crees?

Sobre esa distancia entre la juventud que vivimos y la que conservamos en la memoria escribe Lucía Taboada en «Colegio mayor» (Plaza & Janés), su primera novela. Una historia de amistad, secretos y desengaños que transcurre entre el Madrid universitario de principios de los 2000 y una edad adulta en la que las certezas comienzan a tambalearse.

La periodista y escritora nos acompaña en BiblioKISS para conversar sobre este debut literario, una novela que invita a revisar nuestro pasado y a preguntarnos qué queda de las personas que fuimos.

Una amistad que parecía destinada a durar para siempre

Madrid, 2004. Flora, Lois y Jordan se conocen en el colegio mayor donde viven mientras cursan sus estudios universitarios. Los tres se vuelven inseparables en un ambiente marcado por las fiestas, las confidencias, las primeras relaciones sentimentales y esa peculiar convivencia que se establece cuando un grupo de jóvenes empieza a descubrir el mundo lejos de casa.

Todo cambia durante una fiesta en la que Jordan sufre un episodio traumático. Al día siguiente abandona el colegio mayor sin ofrecer explicaciones. Su marcha deja preguntas sin respuesta y una herida que permanece abierta durante años.

Dos décadas después, cuando los protagonistas ya han construido sus propias vidas, el pasado vuelve a irrumpir en ellas. La verdad sobre lo sucedido amenaza con cambiar para siempre la forma en que recuerdan su amistad.

Taboada construye así una historia que va más allá del misterio que rodea aquella noche. Lo que está en juego es también la imagen que cada uno conserva de sí mismo y de las personas que le acompañaron durante una etapa decisiva.

El machismo cotidiano de los años 2000, bajo una nueva mirada

Uno de los asuntos que atraviesan «Colegio mayor» es la cultura machista que formaba parte de la vida cotidiana de muchos jóvenes a comienzos de siglo.

La novela recupera un tiempo en el que determinados comentarios, comportamientos y dinámicas de poder se aceptaban con una naturalidad que hoy resulta difícil de comprender. No porque aquellas situaciones fueran menos graves, sino porque faltaban herramientas para identificarlas, cuestionarlas o enfrentarse a ellas.

A través de sus personajes, Lucía Taboada muestra cómo la necesidad de encajar, el deseo de sentirse aceptado y el miedo al rechazo pueden condicionar las relaciones personales.

El paso del tiempo permite mirar aquellas experiencias desde otro lugar. Lo que a los dieciocho años parecía una anécdota puede adquirir un significado muy diferente cuando se observa desde la madurez.

La nostalgia también puede engañarnos

Hay algo especialmente reconocible en la novela: la tendencia a convertir nuestros años universitarios en una especie de territorio idealizado.

Recordamos las fiestas, las amistades y la libertad recién estrenada, pero a menudo dejamos fuera las inseguridades, las decepciones y los pequeños momentos de sufrimiento que también formaron parte de aquellos años.

En «Colegio mayor», la nostalgia no funciona únicamente como refugio. También puede convertirse en una trampa.

La vida adulta obliga a Flora, Lois y Jordan a enfrentarse a los sueños que no se cumplieron, a las decisiones que tomaron y a las personas que dejaron atrás. Porque crecer no siempre significa llegar a donde imaginábamos, sino aprender a convivir con la distancia entre nuestras expectativas y la realidad.

Lucía Taboada, de contar la realidad a inventar personajes

Con «Colegio mayor», Lucía Taboada da el salto a la novela después de una trayectoria vinculada al periodismo, la radio, la televisión y la escritura de no ficción.

La autora se adentra ahora en una historia con una notable carga emocional, en la que los personajes evolucionan entre sus contradicciones, sus errores y las consecuencias de decisiones tomadas muchos años atrás.

Su experiencia como periodista convive aquí con las posibilidades de la ficción: reconstruir una época, explorar distintas perspectivas y adentrarse en aquello que muchas veces permanece oculto detrás de las apariencias.

El resultado es una novela generacional que plantea preguntas incómodas, pero cercanas. ¿Conocemos realmente a nuestros amigos? ¿Es posible reparar una amistad rota? ¿Hasta qué punto somos responsables de lo que hicimos cuando apenas empezábamos a comprender el mundo?

Y, sobre todo, ¿qué le diríamos hoy a aquella persona que fuimos a los dieciocho años?

Sobre la autora

Lucía Taboada (Vigo, 1986) es periodista y escritora. Ha desarrollado su carrera profesional en radio, televisión y prensa escrita, colaborando con medios como la Cadena SER, El País, Vanity Fair y elDiario.es. En 2014 publicó, junto a Raquel Córcoles, conocida como Moderna de Pueblo, «Dejar de amargarse para imperfectas». Posteriormente llegó «Como siempre, lo de siempre», distinguido con el Premio Panenka al Libro del Año. «Colegio mayor», publicada por Plaza & Janés en octubre de 2026, es su primera novela.

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Aquí puedes ver nuestra entrevista con el autor:

También puedes escuchar la conversación en formato SOLO AUDIO:

Con un título que juega deliberadamente con dos conceptos aparentemente irreconciliables, la obra invita a plantearnos algunas preguntas: ¿qué nos convierte en buenas personas? ¿Hasta qué punto nuestros errores nos definen? ¿Es posible encontrar virtudes en quienes consideramos canallas y defectos en aquellos a quienes admiramos?

La delgada línea que separa a los santos de los canallas

La literatura ha encontrado siempre en las contradicciones humanas una fuente inagotable de inspiración. Los grandes personajes rara vez son completamente buenos o absolutamente malos. Su atractivo reside, precisamente, en sus dudas, sus debilidades y su capacidad para sorprendernos.

El sugerente título de Vidas de santos canallas nos sitúa frente a esa complejidad moral y nos invita a reflexionar sobre la facilidad con la que tendemos a juzgar a los demás.

En una sociedad acostumbrada a las etiquetas, donde frecuentemente se exige distinguir entre héroes y villanos, la literatura nos ofrece la posibilidad de detenernos, observar los matices y comprender que detrás de cada comportamiento existe una historia.

Porque quizá todos tengamos algo de santos y algo de canallas, aunque no siempre estemos dispuestos a reconocerlo.

Fernando Meana Baraona, protagonista de BiblioKISS

Durante su visita a BiblioKISS, Fernando Meana Baraona conversa sobre el origen de su libro, su manera de entender la escritura y el interés que despiertan las contradicciones que acompañan al ser humano.

La conversación permite acercarse también al proceso creativo, a la construcción de personajes y a la relación entre literatura y realidad. ¿Hasta qué punto puede un escritor inspirarse en quienes le rodean? ¿Dónde termina la comprensión de un personaje y comienza la justificación de sus actos? ¿Qué papel desempeñan el humor y la ironía cuando intentamos explicar nuestras propias miserias?

Cuestiones que nos recuerdan que leer no consiste únicamente en descubrir nuevas historias, sino también en encontrar otras formas de interpretar el mundo.

Una trayectoria literaria con voz propia

Fernando Meana Baraona ya había presentado anteriormente Mi patria es una bella y bulliciosa pajarera, otra de las obras de su trayectoria literaria, que llevó en 2024 a los encuentros con autores de Miranda de Ebro.

Con Vidas de santos canallas, presentado también en la Biblioteca Municipal Cervantes de Miranda de Ebro en febrero de 2026, el escritor continúa compartiendo su trabajo con los lectores.

Su visita a BiblioKISS constituye una oportunidad para conocer mejor su trayectoria, sus inquietudes literarias y las ideas que impulsan su escritura.

Sobre el autor

Fernando Meana Baraona es escritor y autor de Vidas de santos canallas. Entre sus trabajos anteriores figura Mi patria es una bella y bulliciosa pajarera, obra que presentó en 2024 en la Biblioteca Municipal Cervantes de Miranda de Ebro. Su actividad literaria incluye presentaciones y encuentros con lectores en los que comparte sus publicaciones y su experiencia como autor.

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Amadou había salido de su aldea de Guinea-Conakri con doce años. Tardó cuatro en llegar a España. Al escucharlo, Bergareche encontró una vida que quería conocer mejor y a alguien que sabía contarla. De ese encuentro nace «Tío grande», publicado por Libros del Asteroide, el libro del que hablamos con el autor en BiblioKISS.

Julián Garvín ha charlado sobre el libro con Jacobo Bergareche.

De una conversación en Madrid a un regreso a Guinea

La relación no se quedó en unas cuantas conversaciones con las que reunir material para un libro. Bergareche y Amadou viajaron juntos a Guinea-Conakri para regresar al lugar del que el joven había partido.

Ese desplazamiento cambia las posiciones de ambos. El escritor llega a un entorno que desconoce; su amigo recupera un paisaje, unos vínculos y una historia que existían mucho antes de su llegada a España. Allí, Bergareche puede conocerlo en un contexto que Madrid apenas le permitía intuir.

El viaje también le obliga a revisar su propia mirada. La distancia entre sus experiencias, sus recursos y sus posibilidades forma parte del relato. El autor se incluye en esas páginas con sus dudas y contradicciones, consciente de que su manera de observar también necesita ser examinada.

Amadou, más allá de las etiquetas

Uno de los grandes intereses de «Tío grande» está en el espacio que concede a una persona concreta. Amadou tiene una forma de contar, una familia, recuerdos y deseos. Su historia merece atención por sí misma, más allá de los debates en los que solemos encajar las vidas de quienes emigran.

Bergareche encuentra en su recorrido ecos de las grandes narraciones de aventuras: la partida, los peligros, las pérdidas, la ayuda inesperada y el regreso. La relación con La Odisea permite acercarse a una experiencia contemporánea desde asuntos que la literatura lleva siglos contando.

Pero aquí lo sucedido es real. Detrás del viaje hay años de vida y compañeros que no pudieron completarlo. Esa realidad acompaña al lector incluso cuando aparecen el humor, la complicidad y las situaciones imprevistas que también forman parte del camino.

El recuerdo de Roque

La historia de Amadou se entrelaza con la de Roque, el hermano del escritor. Su muerte en Angola dejó una relación dolorosa con el continente africano que Bergareche incorpora al libro desde su experiencia personal.

Ambos conocen la pérdida, aunque hayan llegado a ella por caminos muy distintos. Ese reconocimiento abre un espacio de confianza. En «Tío grande», el duelo convive con la conversación y con la posibilidad de establecer nuevos vínculos.

También lo hace con la alegría de recordar. El torneo de mus del que surge todo reúne a quienes quisieron a Roque alrededor de las cosas que disfrutaba. Es una manera de darle un lugar en el presente de la familia.

Una historia real contada desde dentro

Tras títulos como «Los días perfectos» y «Las despedidas», Bergareche reúne en este libro memoria personal, relato de viajes y recursos narrativos propios de la novela. La materia procede de personas reales, conversaciones y lugares que ha recorrido.

El título recoge la manera en que Amadou se dirige al escritor. «Tío grande» acaba siendo también la expresión de una cercanía que ninguno de los dos podía prever cuando se conocieron. Aquel hombre que trabajaba en el local y aquel escritor que intentaba prolongar una reunión terminaron compartiendo un viaje y una historia.

Sobre el autor

Jacobo Bergareche nació en Londres en 1976. Escritor y guionista, es autor de «Estaciones de regreso», «Los días perfectos» y «Las despedidas». También ha publicado «Amistad», junto al neurocientífico Mariano Sigman. En «Tío grande» se adentra en la no ficción para contar su relación con Amadou y el viaje que emprendieron juntos a Guinea-Conakri.

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¿Qué es peor, dejar libre a un culpable o enviar a prisión a un inocente? Esta incómoda pregunta es el punto de partida de «Veredicto», la nueva novela de Ane Odriozola, publicada por NdeNovela. Un thriller judicial que combina asesinatos, secretos, corrupción y dilemas morales para sumergir al lector en una historia donde la verdad no siempre coincide con las apariencias.

La escritora guipuzcoana, que ha visitado BiblioKISS para presentar su nueva obra, abandona por primera vez la ambientación histórica que ha caracterizado buena parte de su trayectoria literaria y se adentra en el suspense contemporáneo con una novela que convierte al lector en un juez más.

Mira AQUÍ la entrevista que ha tenido, en vídeo, la autora con Julián Garvín.

Un asesinato, un jurado popular y demasiados secretos

La historia comienza cuando Laia Ortiz regresa a San Sebastián y es seleccionada para formar parte del jurado popular de uno de los juicios más mediáticos que ha vivido la ciudad.

La víctima es Borja Miranda. El acusado, Lander Foronda, hijo de un poderoso constructor donostiarra salpicado por un reciente escándalo inmobiliario. Lo que inicialmente podría parecer un caso sencillo pronto se transforma en una compleja trama en la que entran en juego los intereses económicos, las relaciones personales y las sombras del pasado.

Un crimen entre amigos, la presencia de un antiguo asesino en serie y una sucesión de revelaciones complican una investigación en la que cada nuevo dato puede cambiar por completo la percepción de lo sucedido.

A través de sus 448 páginas, Ane Odriozola construye una historia de intriga que obliga a cuestionar continuamente las certezas y a desconfiar de las primeras impresiones.

¿Somos realmente imparciales cuando juzgamos a los demás?

Más allá de la investigación criminal, «Veredicto» plantea una reflexión sobre la justicia y la responsabilidad de quienes deben decidir el destino de otra persona.

La elección de un jurado popular como elemento central de la narración permite explorar hasta qué punto nuestras experiencias, emociones y prejuicios condicionan la manera en que interpretamos los hechos.

¿Es posible alcanzar una objetividad absoluta? ¿Podemos separar las pruebas de nuestras intuiciones? ¿Hasta qué punto influyen el dinero, la posición social o la repercusión mediática de un caso en nuestra percepción de la culpabilidad?

Son algunas de las cuestiones que sobrevuelan una novela que no se conforma con descubrir quién ha cometido un crimen, sino que invita a reflexionar sobre las consecuencias de equivocarse al impartir justicia.

San Sebastián, mucho más que un escenario

Uno de los grandes atractivos de «Veredicto» es su ambientación. Toda la historia transcurre en San Sebastián, una ciudad que Ane Odriozola conoce bien y que adquiere un protagonismo especial dentro de la narración.

La autora aprovecha la identidad y los contrastes de la capital guipuzcoana para construir una atmósfera en la que conviven la belleza de sus calles, el peso de las relaciones sociales y los secretos que pueden esconderse tras las fachadas de una ciudad aparentemente tranquila.

Esta vinculación con el territorio es una constante en la trayectoria literaria de Odriozola, que vuelve a encontrar en su tierra una fuente de inspiración, aunque esta vez desde las claves de la novela negra.

Un cambio de registro en la trayectoria de Ane Odriozola

Después de publicar «El valle del hierro» y «Al subir la marea», dos novelas con las que consolidó su presencia en la narrativa de ambientación histórica, Ane Odriozola afronta con «Veredicto» un nuevo desafío literario.

La escritora se adentra en los mecanismos del thriller contemporáneo, un género que exige administrar cuidadosamente la información, mantener la tensión narrativa y sorprender al lector sin perder la coherencia de la historia.

El resultado es una propuesta que reúne algunos de los ingredientes más atractivos de la novela de suspense: personajes con secretos, un crimen de gran repercusión pública, intereses ocultos y una trama construida alrededor de una pregunta cuya respuesta puede tener consecuencias irreversibles.

Ane Odriozola presenta «Veredicto» en BiblioKISS

La autora ha pasado por BiblioKISS para acercarnos las claves de su nueva novela y abordar algunas de las grandes cuestiones que plantea su argumento: la presunción de inocencia, los juicios paralelos, la influencia de los medios de comunicación y la enorme responsabilidad que supone decidir sobre la culpabilidad de otra persona.

Una conversación que también nos permite descubrir la evolución literaria de una escritora que continúa ampliando su universo narrativo y explorando nuevos géneros.

Con «Veredicto», Ane Odriozola propone una lectura para los amantes de la novela negra y el suspense judicial, pero también para quienes disfrutan con historias que invitan a reflexionar sobre la condición humana.

Porque, al final, dictar un veredicto puede parecer sencillo. Lo verdaderamente difícil es convivir con la posibilidad de haberse equivocado.

Sobre la autora: Ane Odriozola

Ane Odriozola nació en Legazpi (Gipuzkoa) en 1979. Desde 2006 trabaja en el Servicio de Atención al Ciudadano del Ayuntamiento de Arrasate-Mondragón, una actividad que ha compaginado con su vocación literaria.

En 2018 autopublicó su primera novela, «El secreto de Gibola», ambientada en el Legazpi de principios del siglo XX. La historia continuó con «La sombra de Gibola» (2020) y «Conspiración en Gibola» (2021), con las que completó su primera trilogía.

A lo largo de su trayectoria ha recibido distintos reconocimientos literarios, entre ellos el Premio Iparragirre de Literatura en 2019 y 2021, en la categoría de narrativa, y el Premio Kimetz en 2022.

En 2024 publicó «El valle del hierro» y en 2025 «Al subir la marea», ambas con NdeNovela. Con «Veredicto», publicada el 30 de septiembre de 2026, da el salto al thriller contemporáneo.

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Escucha aquí la entrevista que el autor que ha tenido con Julián Garvín.

Una historia sobre aquello que nos cambia para siempre

Hay planes que no salen como esperábamos, decisiones aparentemente pequeñas capaces de modificar todo lo que viene después y recuerdos que, con el paso del tiempo, terminan explicándonos quiénes fuimos.

Sobre ese territorio construye Ángel Martín El día que lo fuimos todo, una novela que parte de la historia de Abel, un hombre solitario y desencantado al que un viaje en tren terminará colocando frente a cuestiones que llevaba demasiado tiempo evitando.

A partir de ahí, Martín habla de la amistad, el amor, las pérdidas, las oportunidades que dejamos pasar y esa necesidad tan humana de intentar controlar incluso aquello que nunca ha estado realmente en nuestras manos.

Todo ello sin abandonar uno de los rasgos más reconocibles del autor: el humor. Porque en El día que lo fuimos todo también hay espacio para recordar que hacemos planes que fracasan, tomamos decisiones equivocadas y, de vez en cuando, simplemente hacemos el ridículo.

Ángel Martín se pasa a la ficción

La publicación supone además una nueva etapa para Ángel Martín como escritor.

Después de convertir Por si las voces vuelven en uno de los fenómenos editoriales de los últimos años y continuar aquella conversación sobre la salud mental y la reconstrucción personal en Detrás del ruido, el autor opta ahora por contar una historia desde la ficción.

El resultado es una novela breve, de 216 páginas, en la que siguen apareciendo algunos de los temas que han marcado sus últimos trabajos, aunque esta vez a través de personajes y situaciones inventadas.

Un cambio de registro que permite al autor reflexionar sobre la vida desde otro lugar: ya no se trata únicamente de contar lo que le ocurrió a Ángel Martín, sino de construir una historia en la que cualquier lector pueda reconocer algunos de sus propios miedos, pérdidas, decisiones y contradicciones.

Un viaje en tren para mirar hacia dentro

El viaje ocupa un papel esencial en El día que lo fuimos todo. El desplazamiento físico de Abel funciona también como una forma de enfrentarse al pasado y preguntarse qué hacer con todo aquello que todavía queda pendiente.

Ángel Martín propone así una historia que invita a mirar con cierta distancia nuestras propias obsesiones y a recordar algo aparentemente sencillo, pero no siempre fácil de aplicar: no todo depende de nosotros y quizá tampoco deberíamos tomárnoslo todo tan en serio.

Humor y emoción vuelven a encontrarse en un libro sobre los momentos que terminan cambiándonos, incluso cuando todavía no somos conscientes de ello.

La entrevista con Ángel Martín en BiblioKISS

En su conversación con BiblioKISS, Ángel Martín habla de este salto a la ficción, de cuánto puede haber de uno mismo incluso cuando inventa personajes y de la necesidad de aceptar que existen muchas cosas que simplemente escapan a nuestro control.

También reflexiona sobre la memoria, la amistad, las pérdidas, el humor como herramienta para enfrentarse a los momentos difíciles y esa inevitable pregunta que plantea el propio título: ¿somos conscientes de cuándo estamos viviendo uno de esos momentos en los que, de alguna manera, lo tenemos todo?

Sobre Ángel Martín

Ángel Martín es humorista, guionista, comunicador y escritor. Comenzó su carrera como cómico de stand-up y trabajó como guionista antes de alcanzar una enorme popularidad televisiva con Sé lo que hicisteis.

En 2020 volvió a conseguir una gran repercusión con su Informativo matinal para ahorrar tiempo, publicado inicialmente en redes sociales.

Su debut literario, Por si las voces vuelven, se convirtió en un importante éxito editorial y dio lugar posteriormente a un podcast y al espectáculo Punto para los locos. En 2023 publicó Detrás del ruido, en el que profundizó en su proceso personal después del brote psicótico que había relatado anteriormente.

Con El día que lo fuimos todo, publicado por Editorial Planeta, inicia ahora una nueva etapa literaria marcada por la ficción.

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¿Por qué una persona acusada de un crimen puede despertar admiración simplemente porque resulta físicamente atractiva? ¿Puede la belleza alterar nuestra percepción de la culpabilidad? ¿Qué responsabilidad tienen las redes sociales, los medios y el true crime en la transformación de determinados criminales en auténticos iconos populares?

El periodista y escritor Francesc Soler aborda estas preguntas en Los asesinos guapos. La oscura fascinación por Luigi Mangione y otros criminales bellos, un ensayo publicado por Alrevés Editorial que analiza uno de los fenómenos más inquietantes de la cultura contemporánea.

Soler visita BiblioKISS para hablar de un libro que utiliza el caso Luigi Mangione como punto de partida para adentrarse en nuestra relación con la belleza, el crimen, el deseo y la construcción mediática de los delincuentes.

Escucha aquí la entrevista del autor con Julián Garvín.

Luigi Mangione y el nacimiento de un icono inesperado

El asesinato de Brian Thompson, máximo ejecutivo de UnitedHealthcare, el 4 de diciembre de 2024 en Manhattan desencadenó una enorme investigación policial y una atención mediática internacional.

Pero alrededor de Luigi Mangione ocurrió además algo particularmente llamativo. Su rostro comenzó a circular masivamente por internet y aparecieron memes, vídeos, mensajes de admiración y comunidades que lo trataban prácticamente como una celebridad.

Su atractivo físico se convirtió en una parte inseparable de la conversación pública sobre el caso.

Ese fenómeno es el punto de partida de Los asesinos guapos, aunque el libro va mucho más allá de Mangione.

Francesc Soler se pregunta qué mecanismos psicológicos provocan que tendamos a atribuir cualidades positivas a las personas atractivas y por qué, incluso cuando hablamos de delitos extremadamente graves, la apariencia física puede modificar nuestra percepción de quien los comete.

El efecto halo: cuando confundimos belleza con bondad

Uno de los conceptos fundamentales del libro es el llamado efecto halo.

Se trata de nuestra tendencia a extender una característica positiva de una persona —por ejemplo, su atractivo físico— hacia otros rasgos que nada tienen que ver con ella. Podemos asumir inconscientemente que alguien guapo es también más inteligente, amable, fiable o incluso moralmente mejor.

Los asesinos guapos analiza hasta qué punto este mecanismo puede influir en nuestra vida cotidiana, pero también en ámbitos mucho más delicados, desde la cobertura mediática hasta la percepción social de un acusado.

El libro aborda además investigaciones sobre la influencia que puede tener el atractivo físico dentro del propio sistema judicial.

De Ted Bundy a Jeffrey Dahmer

El fenómeno, por supuesto, no empezó con Luigi Mangione.

La historia criminal está llena de delincuentes que recibieron miles de cartas de admiradores, despertaron interés sentimental e incluso llegaron a desarrollar comunidades de seguidores.

Ted Bundy es probablemente uno de los ejemplos más conocidos, pero el libro también analiza casos como los de Jeffrey Dahmer, los hermanos Menéndez o Daniel Sancho.

Lo que sí ha cambiado radicalmente es la velocidad con la que actualmente puede construirse esa fascinación.

Las redes sociales permiten que fotografías, vídeos, montajes y mensajes circulen por todo el mundo en cuestión de horas. El resultado puede ser la transformación de una persona vinculada a un crimen en un personaje de cultura popular mientras las víctimas van quedando progresivamente desplazadas del relato.

La fascinación por el true crime

Francesc Soler tampoco observa este fenómeno desde una posición completamente ajena.

El periodista reconoce su propio interés por el true crime y convierte esa contradicción en parte de la investigación.

Porque Los asesinos guapos no pretende limitarse a señalar a quienes sienten fascinación por determinados criminales. El libro plantea una pregunta mucho más incómoda: ¿qué responsabilidad tenemos todos como consumidores de esas historias?

Documentales, podcasts, series de ficción, noticias y redes sociales han convertido el crimen real en uno de los grandes géneros de entretenimiento de nuestro tiempo.

El problema aparece cuando el protagonista termina siendo el criminal y las víctimas quedan convertidas apenas en personajes secundarios.

Luigi Mangione: un caso que sigue evolucionando

El propio caso que inspira el libro ha continuado evolucionando desde la detención de Luigi Mangione.

En agosto de 2026, Mangione se declaró culpable de dos cargos federales relacionados con el seguimiento y asesinato de Brian Thompson y reconoció haberle disparado. Está previsto que reciba sentencia federal en diciembre y se enfrenta a la posibilidad de cadena perpetua.

Al mismo tiempo, continúa abierta la discusión jurídica sobre el proceso estatal por asesinato en Nueva York. Su defensa ha pedido que se retiren parte de esos cargos alegando que volver a juzgarlo por los mismos hechos vulneraría las protecciones frente a la doble persecución penal existentes en el estado.

Más allá del desenlace judicial, sin embargo, permanece intacta la pregunta central planteada por Francesc Soler: ¿qué explica que una persona vinculada a un crimen pueda transformarse en objeto de deseo, admiración o identificación colectiva?

Medios, redes sociales y responsabilidad

El libro dedica también una parte importante de su análisis al papel de los medios de comunicación.

Informar sobre determinados crímenes implica inevitablemente mostrar fotografías, reconstruir biografías y dedicar numerosas horas de información a sus autores. Pero esa cobertura puede contribuir involuntariamente a construir una imagen pública del criminal mucho mayor que la de sus propias víctimas.

El reto consiste en narrar lo ocurrido sin convertir al responsable del crimen en un héroe, un antihéroe o una celebridad.

Algo parecido ocurre con las ficciones audiovisuales. La elección de actores atractivos para interpretar a criminales reales, la espectacularización de sus historias o la construcción de narrativas que enfatizan su personalidad pueden contribuir a romantizar figuras que, fuera de la pantalla, están asociadas a hechos terribles.

La entrevista con Francesc Soler en BiblioKISS

En BiblioKISS hablamos con Francesc Soler sobre Luigi Mangione, el efecto halo, la hibristofilia —la atracción hacia personas que han cometido delitos—, el auge del true crime y la responsabilidad de periodistas, plataformas y redes sociales.

También abordamos una de las preguntas más incómodas que deja el libro: si Luigi Mangione tuviera exactamente la misma historia y estuviera relacionado con exactamente los mismos hechos, pero no resultara físicamente atractivo, ¿habría provocado el mismo fenómeno mundial?

Puedes ver la entrevista completa con Francesc Soler en el vídeo que acompaña a esta información.

Sobre Francesc Soler

Francesc Soler es periodista y escritor. Nacido en Roda de Ter en 1978, lleva cerca de tres décadas dedicado al periodismo y reside en Barcelona.

Su obra literaria combina ficción y no ficción y ha abordado especialmente cuestiones relacionadas con la identidad, el deseo y la sociedad contemporánea.

Es autor de novelas como Barcelona, demà o aquesta tarda, El somriure dels dofins y Sarah, mereixes saber-ho, además de Homonots, una recopilación de entrevistas a figuras pioneras de la visibilidad gay.

En Los asesinos guapos, publicado por Alrevés Editorial, utiliza herramientas del periodismo, la psicología, la cultura popular y el análisis social para investigar cómo determinados criminales físicamente atractivos terminan convertidos en iconos.

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¿Estamos ante uno de los países que dominarán el siglo XXI o las dimensiones del gigante indio esconden debilidades capaces de frenar su ascenso?

Esa es la pregunta que recorre La India: ¿potencia mundial?, ¿tigre o pavo real? Recuerdos de un Embajador de España en Nueva Delhi (2011-2012), el nuevo libro de Francisco Javier Elorza, publicado por Cuadernos del Laberinto dentro de su colección La Valija Diplomática.

En BiblioKISS hablamos con Javier Elorza sobre un país que conoció desde dentro durante su etapa como embajador y que, quince años después, ocupa una posición todavía más relevante en el tablero internacional.

Esscucha la entrevista del embajador con Julián Garvín:

Mucho más que unas memorias diplomáticas

Elorza fue embajador de España en India, Sri Lanka, Maldivas, Nepal y Bután entre 2011 y 2012. Su llegada a Nueva Delhi se produjo después de una larguísima trayectoria internacional que le había llevado por algunos de los principales centros de poder europeos.

Precisamente esa experiencia convierte el libro en algo más que una colección de recuerdos diplomáticos. El autor contempla India con la mirada de quien había trabajado previamente en Bruselas, París y Moscú, pero reconoce haberse encontrado allí ante una realidad completamente diferente.

Historia, economía, religión, diplomacia, desigualdad, relaciones internacionales y experiencias personales se mezclan para intentar explicar un país difícil de encerrar en definiciones sencillas.

Por las páginas del libro aparecen los maharajás y las huellas del antiguo Imperio británico, pero también la agricultura, la pobreza, el desarrollo tecnológico, los problemas ambientales o las oportunidades para las empresas españolas.

Del no alineamiento al “multialineamiento”

Uno de los conceptos más interesantes que analiza Elorza es la particular forma en la que India entiende sus relaciones internacionales.

Durante décadas, el país fue uno de los grandes representantes del movimiento de los no alineados. En el nuevo escenario mundial, sin embargo, Nueva Delhi practica una política que podría definirse como de “multialineamiento”.

India mantiene una histórica relación con Rusia, compite y coopera al mismo tiempo con China, estrecha sus vínculos con Estados Unidos, participa en los BRICS y busca aumentar su peso económico y político ante Europa.

Una estrategia que pretende conservar algo fundamental para la diplomacia india: su autonomía estratégica.

El resultado es un país difícil de encajar en los bloques tradicionales y que aspira a relacionarse con diferentes potencias sin quedar completamente subordinado a ninguna de ellas.

Europa mira cada vez más hacia India

La publicación del libro coincide además con un momento especialmente significativo para las relaciones entre India y Europa.

En enero de 2026, la Unión Europea e India concluyeron las negociaciones de un acuerdo de libre comercio, después de un proceso iniciado años atrás y reactivado en 2022. India representa un mercado gigantesco y una de las grandes economías con mayor ritmo de crecimiento.

Una evolución particularmente interesante para alguien como Javier Elorza, que durante su etapa en Nueva Delhi pudo comprobar cómo las prioridades estratégicas de India estaban mucho más centradas en países como China, Pakistán, Rusia o Estados Unidos que en Europa.

Quince años después, la relación entre ambos actores adquiere una dimensión diferente.

2026, un año clave para España e India

También España busca reforzar su relación con el gigante asiático.

Este 2026 se celebra el Año Dual España-India, coincidiendo con el 70 aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre los dos países. Cultura, turismo e inteligencia artificial constituyen sus tres grandes ejes, junto a ámbitos como la ciencia, la innovación o la cooperación académica.

Las relaciones económicas también han ganado peso. Actualmente cientos de empresas españolas e indias mantienen intereses en ambos países y España ha reforzado su presencia diplomática en India.

Un contexto que hace todavía más pertinente la pregunta planteada por Elorza en su libro: ¿estamos preparados para comprender la importancia que tendrá India en el mundo de las próximas décadas?

¿Tigre o pavo real?

El propio título resume una de las grandes cuestiones de la obra.

El tigre representa la imagen de una economía poderosa, dinámica y preparada para competir con los grandes actores internacionales. El pavo real, en cambio, remite a la posibilidad de que detrás de las espectaculares dimensiones de India permanezcan problemas estructurales capaces de limitar su desarrollo.

Elorza analiza precisamente esa contradicción: la convivencia entre tecnología punta y pobreza, modernización y tradición, crecimiento económico y desigualdad, todo ello dentro de la democracia más poblada del planeta.

Porque quizá una de las grandes conclusiones que deja su recorrido por India es que su enorme tamaño no garantiza por sí solo su transformación en superpotencia.

El verdadero desafío consiste en saber si será capaz de transformar ese potencial en poder económico, social, tecnológico y diplomático sostenible.

Sobre el autor

Francisco Javier Elorza es uno de los diplomáticos españoles con mayor experiencia internacional de las últimas décadas.

Ha sido representante permanente adjunto de España ante las Comunidades Europeas, representante permanente ante la Unión Europea y embajador de España en Francia, Rusia, India e Italia, además de ejercer responsabilidades diplomáticas ante Sri Lanka, Maldivas, Nepal, Bután y la FAO.

Participó como negociador español en algunos de los grandes hitos de la construcción europea, entre ellos la adhesión a Schengen, las negociaciones de la Unión Política que desembocaron en el Tratado de Maastricht y el Tratado de Ámsterdam.

Es también autor de Una pica en Flandes y Al límite de lo imposible. Negociaciones pesqueras españolas en África (1979-1985) y en Bruselas (1986-1995).

En La India: ¿potencia mundial?, ¿tigre o pavo real? recupera ahora sus experiencias como embajador para acercarnos a un país que probablemente será imprescindible para entender el nuevo orden internacional.

FICHA DEL LIBRO

Título: La India: ¿potencia mundial?, ¿tigre o pavo real?
Subtítulo: Recuerdos de un Embajador de España en Nueva Delhi (2011-2012)
Autor: Francisco Javier Elorza
Editorial: Cuadernos del Laberinto
Colección: La Valija Diplomática
Páginas: 156

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Aquí puedes escuchar la entrevista de la autora con Julián Garvín:

Publicada por Editorial Planeta, Un hombre de honor llega después del enorme éxito de títulos como La sospecha de Sofía, Últimos días en Berlín o Victoria y vuelve a mostrar una de las grandes fortalezas narrativas de Sánchez-Garnica: utilizar un momento histórico apasionante como escenario para personajes obligados a enfrentarse a decisiones que ponen a prueba sus principios.

Nueva York, 1968: una sociedad al límite

La novela sitúa al lector en Nueva York en 1968, en una Norteamérica marcada por la guerra de Vietnam, la lucha por los derechos civiles, la creciente movilización social y política y el asesinato de Robert F. Kennedy.

En ese mundo conocemos a Nicole Donaldson, una joven que sueña con abrirse camino como periodista en una profesión todavía dominada ampliamente por los hombres.

Nicole pertenece a una poderosa familia, pero quiere decidir por sí misma qué vida desea vivir. Su relación con Frank Bernstein, un policía judío de Harlem, la llevará además a desafiar las expectativas que su entorno ha depositado sobre ella.

Lo que comienza como una búsqueda de independencia acabará convirtiéndose en algo mucho más peligroso.

Un crimen, la mafia y una verdad que muchos quieren ocultar

La investigación de un crimen conduce a Nicole hacia una red de secretos, intereses y mentiras que alcanza lugares donde quizá nunca hubiera imaginado llegar.

Paralelamente, Frank sigue el rastro de una trama de corrupción relacionada con la mafia, cuyos tentáculos se extienden hasta las esferas del poder.

Paloma Sánchez-Garnica construye así una historia que combina el pulso del thriller con la novela histórica y el drama personal, enfrentando constantemente a sus protagonistas con una pregunta fundamental: ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar para defender aquello en lo que creemos?

El periodismo y el precio de contar la verdad

Uno de los grandes ejes de Un hombre de honor es precisamente el periodismo.

A través de Nicole, la novela muestra las dificultades de una mujer que intenta hacerse un lugar en las redacciones de finales de los años sesenta, pero también plantea un conflicto que continúa plenamente vigente: qué ocurre cuando un periodista encuentra una verdad que afecta a poderosos intereses y contarla implica asumir consecuencias personales.

La información, las presiones, el silencio, las fuentes y la responsabilidad de quien conoce unos hechos atraviesan una historia en la que descubrir la verdad es solo el primer paso. Después queda decidir qué hacer con ella.

Durante su conversación en BiblioKISS, Paloma Sánchez-Garnica reflexiona sobre ese papel del periodista y sobre la necesidad de buscar, contrastar y contar la información incluso cuando hacerlo resulta incómodo.

¿Qué significa realmente ser un hombre de honor?

El propio título de la novela encierra una de las grandes claves de la historia.

La expresión “hombre de honor” ha estado tradicionalmente vinculada al universo mafioso y a códigos construidos alrededor de la lealtad, la obediencia y el silencio. Pero Sánchez-Garnica utiliza ese concepto para plantear una cuestión mucho más profunda.

¿Es honorable quien permanece fiel a los suyos pase lo que pase? ¿Quien cumple unas reglas? ¿Quien protege a su familia? ¿O precisamente quien decide romper el silencio cuando su conciencia se lo exige?

De esa contradicción nace buena parte de la fuerza moral de la novela.

Amor, lealtades y decisiones imposibles

Más allá de la investigación criminal y del contexto histórico, Un hombre de honor habla también de amor, familia, traición, libertad y lealtad.

Los personajes de Paloma Sánchez-Garnica rara vez tienen delante decisiones sencillas. Sus elecciones implican renuncias y obligan al lector a preguntarse qué habría hecho en su lugar.

La autora vuelve así sobre algunos de los asuntos que recorren buena parte de su obra: individuos atrapados en grandes acontecimientos históricos, secretos familiares, relaciones condicionadas por el entorno y personajes que deben elegir entre aquello que los demás esperan de ellos y lo que les dicta su propia conciencia.

Paloma Sánchez-Garnica, de ‘Últimos días en Berlín’ y ‘Victoria’ a ‘Un hombre de honor’

Paloma Sánchez-Garnica es una de las escritoras más reconocidas de la narrativa española actual.

Licenciada en Derecho y Geografía e Historia, publicó su primera novela, El Gran Arcano, en 2006. Desde entonces ha construido una extensa trayectoria literaria en la que destacan títulos como Las tres heridas, La sonata del silencio, Mi recuerdo es más fuerte que tu olvido, La sospecha de Sofía o Últimos días en Berlín.

En 2021 fue finalista del Premio Planeta con Últimos días en Berlín y tres años después consiguió el Premio Planeta 2024 con Victoria.

Ahora, con Un hombre de honor, vuelve a combinar una sólida reconstrucción histórica con personajes complejos y una trama marcada por los grandes conflictos personales.

La novela, publicada el 30 de septiembre de 2026 por Editorial Planeta, cuenta con 480 páginas.

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Vivimos rodeados de pantallas, iluminación artificial y dispositivos electrónicos, mientras cada vez pasamos menos tiempo expuestos a los ciclos naturales de luz. ¿Puede esta transformación de nuestros hábitos tener consecuencias sobre nuestro organismo?

Mira la entrevista de Julián Garvín con los autores:

Escucha la entrevista en formato SOLO AUDIO:

Esa es una de las preguntas de partida de La revolución de la luz roja. Cómo la fotobiomodulación está transformando la salud, el nuevo libro de Roberto Espinosa, Rafa Espinosa y Gema Casado, publicado por Alienta Editorial.

En BiblioKISS hablamos con sus tres autores sobre una disciplina que en los últimos años ha despertado un creciente interés tanto en el ámbito científico como entre deportistas, profesionales de la salud y personas interesadas en mejorar su bienestar.

¿Qué es la fotobiomodulación?

La fotobiomodulación utiliza determinadas longitudes de onda de luz roja e infrarrojo cercano con el objetivo de provocar respuestas biológicas en el organismo.

En La revolución de la luz roja, sus autores explican de manera accesible cómo interactúa la luz con nuestras células y analizan la investigación existente en campos como la recuperación de tejidos, el dolor, el descanso, la actividad física, la salud de la piel, el metabolismo o el funcionamiento cognitivo.

El libro presta especial atención al papel de las mitocondrias, fundamentales en la producción de energía de nuestras células, y a la relación entre la luz y los ritmos biológicos que han acompañado al ser humano durante millones de años.

De la luz natural a los paneles de luz roja

Uno de los planteamientos centrales del libro parte de una paradoja contemporánea: nunca hemos tenido tanta iluminación a nuestro alrededor y, sin embargo, buena parte de nuestra vida transcurre en espacios cerrados y alejados de los ciclos naturales de luz y oscuridad.

Los autores analizan cómo hemos modificado nuestra exposición a la luz y qué consecuencias puede tener esa transformación sobre nuestros ritmos circadianos, nuestro sueño y nuestro bienestar.

También abordan la creciente popularidad de los dispositivos de luz roja: desde grandes paneles de fotobiomodulación hasta máscaras faciales y equipos destinados a la recuperación deportiva.

Pero el libro también plantea una cuestión fundamental: no toda luz roja es igual ni cualquier dispositivo produce los mismos efectos. Longitud de onda, potencia, distancia, duración y frecuencia de uso forman parte de una ecuación mucho más compleja que simplemente encender una lámpara roja.

Ciencia, posibilidades y límites de la luz roja

La fotobiomodulación acumula cada vez más investigación científica y presenta resultados especialmente interesantes en determinados campos. Al mismo tiempo, existen aplicaciones en las que la evidencia todavía necesita estudios más amplios y protocolos mejor estandarizados.

Precisamente por eso, nuestra conversación con Roberto Espinosa, Rafa Espinosa y Gema Casado aborda también los límites de esta tecnología: qué sabemos hoy con mayor seguridad, qué líneas de investigación resultan prometedoras y dónde empiezan las afirmaciones que todavía requieren prudencia.

¿Puede ayudar a recuperar mejor después del ejercicio? ¿Puede influir en el descanso? ¿Qué sabemos de sus efectos sobre la piel? ¿Tiene sentido hablar ya de longevidad? ¿Qué debe tener un buen dispositivo? ¿Existen riesgos o contraindicaciones?

Preguntas que cobran especial relevancia ante el rápido crecimiento de un mercado en el que la ciencia, el bienestar y el marketing comienzan a convivir.

Tres miradas complementarias sobre la luz

La revolución de la luz roja reúne además tres perfiles profesionales diferentes.

Roberto Espinosa estudió Física y es cofundador de MitoFit-X. Su formación aporta al libro una mirada especialmente centrada en la interacción entre la luz, la energía y el organismo.

Rafa Espinosa es graduado en Enfermería y Fisioterapia y forma parte del equipo de MitoFit-X, desde donde trabaja especialmente en la divulgación y las aplicaciones relacionadas con la salud y la recuperación física.

Gema Casado es logopeda, dietista-nutricionista y experta en psiconeuroinmunología clínica (PNI), además de cofundadora de MitoFit-X.

Tres disciplinas distintas para intentar responder a una cuestión cada vez más presente en la investigación sobre salud: ¿hemos subestimado durante demasiado tiempo la importancia de la luz sobre nuestro organismo?

En BiblioKISS conversamos con los autores de La revolución de la luz roja para descubrir qué hay detrás de la fotobiomodulación, cuáles son sus posibilidades reales y qué papel puede desempeñar la luz en nuestra salud cotidiana.

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¿Qué significa realmente volver? ¿Regresar a un lugar conocido o reencontrarnos con aquello que un día fuimos? Es una de las grandes preguntas que recorren La idea de volver, la nueva novela de Diego del Alcázar, publicada por Siruela, y de la que hemos hablado con su autor en BiblioKISS.

Esta es la entrevista completa que ha tenido con Julián Garvín.

Tras debutar en la ficción con La genética del tiempo en 2023, Del Alcázar regresa a las librerías con una historia muy diferente en apariencia, pero en la que permanece una de sus grandes inquietudes literarias: cómo afectan el conocimiento, la ciencia y la tecnología a nuestra manera de entender qué significa ser humano.

Dos mundos enfrentados: Cantabria y Nueva York

La idea de volver construye su historia alrededor de Fausto y Adrián, dos personajes que representan formas casi opuestas de acercarse al mundo.

Fausto es un anciano montañés marcado por la pérdida de su mujer, por los recuerdos y por una existencia profundamente vinculada a la tradición, la naturaleza y la mitología cántabra. Adrián, por el contrario, es un académico que ha desarrollado su carrera en Nueva York, rodeado de tecnología, información, velocidad y esa sensación tan contemporánea de que todo puede ser explicado y conocido inmediatamente.

El regreso de Adrián al lugar de su infancia reactiva relaciones familiares que habían quedado sin resolver y abre un camino que termina siendo mucho más que un simple viaje físico. Volver significa también mirar hacia atrás, enfrentarse a las heridas y preguntarse cuánto de aquello que somos procede realmente de aquello que dejamos atrás.

De las anjanas y los ojáncanos a la inteligencia artificial

Uno de los elementos más singulares de la novela es la convivencia entre dos universos que parecerían imposibles de mezclar: la mitología ancestral y la tecnología más avanzada.

Por las páginas de La idea de volver aparecen figuras de la tradición cántabra como las anjanas, los ojáncanos, el trenti o el musgoso, mientras que al otro lado se encuentra una sociedad marcada por la inteligencia artificial y por la capacidad casi ilimitada de acceder a información.

Ese contraste permite a Diego del Alcázar plantear una cuestión especialmente actual: ¿tener más información significa necesariamente comprender mejor el mundo?

La novela contrapone así el conocimiento inmediato de nuestro tiempo con otra forma de sabiduría, construida a través de la experiencia, la tradición oral, la memoria y las historias transmitidas de generación en generación.

¿Sabemos mucho o creemos saberlo todo?

La relación del ser humano con el conocimiento vuelve a ocupar un lugar central en la literatura de Diego del Alcázar.

Si en La genética del tiempo imaginaba las consecuencias éticas de la edición genética y de nuestra capacidad para modificar al propio ser humano, en La idea de volver la pregunta se desplaza hacia los límites del conocimiento y nuestra relación con la modernidad.

La obra dialoga con la anamnesis platónica y con la tradición fáustica, pero lo hace dentro de una historia de personajes, familias, relaciones sentimentales y cuentas pendientes. Goethe, Thomas Mann, Ortega y Gasset, Simone Weil, La Odisea o Miguel Delibes aparecen entre las referencias que acompañaron al escritor durante el proceso creativo.

Amor, familia y heridas que siguen abiertas

Pero La idea de volver no es únicamente una novela de ideas.

El regreso de Adrián está marcado también por el amor, la infidelidad, las relaciones familiares y las heridas emocionales que permanecen abiertas incluso cuando creemos haber construido una vida completamente diferente lejos del lugar del que procedemos.

Nueva York y la montaña cántabra se convierten así en algo más que dos escenarios. Representan dos ritmos, dos maneras de vivir y dos formas de interpretar la realidad: una vinculada a la velocidad, la tecnología y la permanente necesidad de validación; otra, a la tierra, los relatos y el conocimiento heredado.

Y entre ambas se encuentra Adrián, obligado a descubrir que a veces regresar al lugar del que salimos puede significar también regresar a nosotros mismos.

Diego del Alcázar, en BiblioKISS

De todas estas cuestiones hemos hablado con Diego del Alcázar en BiblioKISS: del significado de volver, del enfrentamiento entre conocimiento y sabiduría, de la inteligencia artificial, de la vigencia de las humanidades, de la mitología cántabra y de nuestra relación con el pasado.

Una conversación alrededor de una novela que plantea preguntas especialmente pertinentes en un momento en el que podemos encontrar una respuesta prácticamente inmediata para casi cualquier cosa, pero en el que quizá continúa siendo mucho más difícil responder a las cuestiones esenciales.

La idea de volver está publicada por Ediciones Siruela, dentro de su colección Nuevos Tiempos, y cuenta con 272 páginas.

Sobre Diego del Alcázar

Diego del Alcázar es empresario y escritor y desarrolla su trayectoria profesional en el ámbito de la educación. Es presidente de IE y fundador de The Global College, y ha centrado buena parte de su trabajo y de sus inquietudes intelectuales en la relación entre educación, tecnología, humanidades y pensamiento crítico.

En 2023 publicó su primera novela, La genética del tiempo, una historia ambientada en el futuro que abordaba los dilemas éticos de la edición genética y las consecuencias de utilizar la tecnología para modificar las capacidades humanas. La idea de volver es su segunda novela.

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Durante décadas, la imagen del farero ha estado asociada a un hombre solitario frente al mar, responsable de mantener encendida una luz capaz de orientar a quienes navegaban en la oscuridad. Sin embargo, esa imagen ha dejado fuera una parte fundamental de la historia: la de las mujeres que también vivieron, cuidaron y trabajaron en los faros.

Cristina Rodríguez Paz ha dedicado años a buscarlas, escucharlas y reconstruir una memoria que apenas había encontrado espacio en el relato colectivo. El resultado es Fareras. La luz que nos guía, un proyecto expositivo y audiovisual que pone nombre y rostro a unas mujeres que abrieron camino en una profesión tradicionalmente masculina.

Julián Garvín ha charlado con la autora.

Solo 26 mujeres han ejercido oficialmente como fareras en España

El dato resulta especialmente revelador: solo 26 mujeres han ejercido oficialmente como fareras en España. Y detrás de esa cifra existe además otra historia, mucho más difícil de contabilizar: la de todas aquellas mujeres que vivieron durante décadas en los faros, participaron en su funcionamiento y sostuvieron la vida familiar alrededor de ellos sin que su trabajo obtuviera reconocimiento profesional.

A través de fotografías, documentación histórica y testimonios personales, Cristina Rodríguez Paz reconstruye un universo marcado por el aislamiento, los temporales, la naturaleza y una relación con el tiempo y el territorio difícil de imaginar desde la vida actual.

Su investigación se detiene especialmente en las experiencias de seis fareras, cuyas voces permiten conocer desde dentro un oficio que la automatización de las señales marítimas ha ido transformando hasta hacerlo prácticamente desaparecer.

Mucho más que mantener encendida una luz

La vida en un faro estaba muy lejos de la imagen romántica que durante años han construido la literatura y el cine. Detrás de aquella luz había mantenimiento, vigilancia, averías, noches de guardia y, en muchos casos, largos periodos de aislamiento.

Pero los testimonios recogidos por Rodríguez Paz hablan también de libertad, independencia y de una extraordinaria conexión con el entorno.

El faro se convierte así en mucho más que un edificio frente al mar. Es hogar, lugar de trabajo y símbolo. Y también una poderosa paradoja: personas que vivían aisladas tenían como principal misión orientar a los demás.

‘La luz que nos guía’, una memoria antes de que desaparezca

El proyecto incluye el cortometraje documental La luz que nos guía, dirigido por Cristina Rodríguez Paz, en el que las últimas fareras reflexionan sobre el trabajo que marcó sus vidas y sobre la desaparición progresiva de todo un modo de existencia.

Ese universo continúa también en Aunque seamos islas, el largometraje documental con el que la cineasta profundiza en las vidas de estas mujeres y en todo lo que representa el faro como espacio físico y emocional.

Porque cuando desaparece un farero o una farera no se pierde únicamente un oficio. Se desvanece también una cultura, una determinada relación con el mar y una memoria construida durante generaciones.

Cristina Rodríguez Paz, en KISS FM

En nuestra conversación con Cristina Rodríguez Paz hablamos de cómo comenzó su fascinación por las fareras, del largo trabajo de investigación que ha realizado para encontrarlas y de las historias que más la han marcado.

También nos detenemos en la invisibilidad histórica del trabajo femenino en los faros, en el machismo al que tuvieron que enfrentarse algunas de estas mujeres, en la soledad y en la llegada de una tecnología que hizo los faros más autónomos, pero que también fue apagando lentamente una forma de vida.

Una conversación sobre mujeres pioneras, memoria y lugares que durante siglos fueron capaces de cumplir una misión tan sencilla y tan trascendente como mantener una luz encendida en mitad de la oscuridad.

Sobre Cristina Rodríguez Paz

Cristina Rodríguez Paz es cineasta y directora de fotografía. Tras una extensa trayectoria profesional detrás de la cámara, ha desarrollado durante varios años un trabajo de investigación alrededor de las mujeres fareras españolas. Es directora del cortometraje documental La luz que nos guía, creadora y comisaria del proyecto Fareras. La luz que nos guía y directora del largometraje Aunque seamos islas.

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En nuestra entrevista hablamos con Julia Navarro de literatura, familia, envejecimiento, relaciones entre generaciones, nuevas identidades, redes sociales, cuidados, inmigración y libertad. También repasamos una trayectoria que la ha convertido en una de las escritoras españolas más leídas dentro y fuera de nuestro país.

Julia Navarro cambia de registro con ‘Una familia moderna’

Martha y Thomas tienen más de setenta años y pertenecen a una generación que durante décadas se consideró moderna, avanzada y alejada de muchas de las convenciones de sus padres.

Ella fue una brillante primera bailarina que actuó en grandes escenarios internacionales. Él es un reconocido filósofo con una intensa trayectoria académica. Sin embargo, al llegar a la madurez descubren que el mundo continúa avanzando y que algunas de las certezas con las que construyeron sus vidas empiezan a tambalearse.

A su alrededor se encuentra su hija Felicitas, que dirige un exitoso canal digital y decidió ser madre en solitario, y Penny, su nieta adolescente, perteneciente a una generación que observa la realidad con códigos, prioridades y convicciones muy diferentes a las de sus abuelos.

A ellos se suma Lucía, una mujer hondureña que lleva más de tres décadas trabajando en la casa y que representa otra de las grandes cuestiones que atraviesan la novela: los cuidados, la inmigración y los vínculos que terminan formándose más allá de los apellidos y los lazos de sangre.

Tres generaciones frente a un mundo en transformación

Una familia moderna utiliza las relaciones familiares para abordar algunas de las conversaciones que atraviesan nuestra sociedad.

El envejecimiento y nuestra resistencia a asumir el paso del tiempo ocupan un lugar importante en la historia, especialmente a través de Martha, una mujer que durante años hizo de su cuerpo su herramienta de trabajo y que ahora debe aprender a relacionarse con una edad que no siempre acepta.

Pero Julia Navarro amplía pronto la mirada.

Las diferencias entre generaciones, las nuevas formas de entender la maternidad y la familia, la identidad, la corrección política, las redes sociales, la inmigración, la soledad o nuestra capacidad —o incapacidad— para convivir con quien contempla el mundo de otra manera aparecen en una novela situada plenamente en el presente.

La familia se convierte así en un pequeño laboratorio social. Personas que se quieren profundamente pueden tener visiones completamente opuestas sobre prácticamente todo. Y quizá ahí se encuentre una de las preguntas fundamentales de la novela: ¿somos realmente capaces de aceptar al otro cuando sus ideas cuestionan las nuestras?

¿Qué significa hoy ser una familia moderna?

El propio título encierra una paradoja.

Martha y Thomas se sienten parte de una familia moderna. Pero el significado de esa palabra cambia según quién la pronuncie y, sobre todo, según la generación a la que pertenezca.

Aquello que para unos significó romper convenciones puede convertirse años después en una nueva convención que las generaciones siguientes también necesitan cuestionar.

Julia Navarro construye así una historia sobre el choque entre lo que fuimos, lo que creemos seguir siendo y lo que los demás ven cuando nos miran.

Una novela familiar, pero también una reflexión sobre el presente y sobre la enorme dificultad que tenemos para comprender un mundo que no deja de transformarse.

Julia Navarro, en BiblioKISS

Con motivo de la publicación de Una familia moderna, Julia Navarro pasa por BiblioKISS para conversar sobre este cambio de registro y sobre las cuestiones que atraviesan su nueva novela.

¿Por qué decidió abandonar esta vez los grandes escenarios históricos para introducirse en una familia contemporánea? ¿Todas las generaciones que se consideran modernas terminan siendo superadas por la siguiente? ¿Hemos aprendido a vivir más años sin aprender realmente a envejecer? ¿Las nuevas etiquetas nos ayudan a comprendernos o pueden terminar encerrándonos? ¿Hasta dónde llega nuestra tolerancia cuando alguien piensa de una manera completamente diferente?

También hablamos con ella de literatura y de su propia trayectoria: de su pasado como periodista, de la relación entre periodismo y ficción, del éxito que comenzó con La Hermandad de la Sábana Santa y de la necesidad de una escritora de seguir buscando nuevos caminos después de más de veinte años publicando novelas.

Una de las escritoras españolas con mayor proyección internacional

Julia Navarro desarrolló durante décadas una intensa carrera periodística antes de dar el salto definitivo a la ficción.

En 2004 publicó La Hermandad de la Sábana Santa, el comienzo de una carrera literaria a la que seguirían títulos como La Biblia de barro, La sangre de los inocentes, Dime quién soy, Dispara, yo ya estoy muerto, Historia de un canalla, Tú no matarás, De ninguna parte y El niño que perdió la guerra.

Una familia moderna se convierte ahora en su décima novela.

Sus obras han llegado a lectores de numerosos países y Dime quién soy, uno de sus títulos más conocidos, fue además adaptada a una serie de televisión.

Después de una trayectoria marcada en buena medida por las grandes historias y por personajes condicionados por acontecimientos históricos, Julia Navarro decide ahora enfrentarse directamente a nuestro tiempo.

Y para hacerlo no necesita guerras, grandes conspiraciones ni acontecimientos extraordinarios. Le basta una familia.

Porque, probablemente, pocas cosas explican mejor una época que aquello sobre lo que padres, hijos y nietos ya no consiguen ponerse de acuerdo.

‘Una familia moderna’, de Julia Navarro

Editorial: Plaza & Janés
Publicación: septiembre de 2026
Páginas: 400
Autora: Julia Navarro

Sobre la autora

Julia Navarro es periodista y escritora. Tras una extensa trayectoria profesional vinculada a la información política, inició en 2004 una carrera como novelista que la ha llevado a convertirse en una de las autoras españolas contemporáneas con mayor proyección internacional.

Entre sus novelas se encuentran La Hermandad de la Sábana Santa, La Biblia de barro, La sangre de los inocentes, Dime quién soy, Dispara, yo ya estoy muerto, Historia de un canalla, Tú no matarás, De ninguna parte y El niño que perdió la guerra. Es también autora de obras como Una historia compartida y Cuando ellos se van.

Con Una familia moderna, su décima novela, cambia de escenario para observar las contradicciones de la sociedad actual a través de tres generaciones de una misma familia.

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Carmen Mola vuelve a las librerías. Y esta vez ha decidido cambiar de lado.

Después de acompañar durante cinco novelas a la inspectora Elena Blanco en su persecución de algunos de los criminales más perturbadores de la novela negra española, Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero regresan con Los Huérfanos, una historia en la que los delincuentes dejan de ser únicamente aquello que hay que perseguir para convertirse también en el centro de la mirada.

Los tres autores visitan BiblioKISS para hablarnos de esta nueva novela, del crimen organizado que se ha instalado en la Costa del Sol, de familias marcadas por el pasado, de los límites entre el bien y el mal y de una pregunta incómoda que atraviesa buena parte del libro: ¿qué tiene que ocurrir para que una víctima termine convirtiéndose en un monstruo?

Mira la entrevista completa con Julián Garvín:

También puedes escucharla en formato solo audio:

De un orfanato de Belfast a las mafias de Marbella

La historia comienza muchos años atrás, en Belfast.

Tres niños crecen en un orfanato en el que el miedo y la violencia forman parte de su vida cotidiana. Son niños solos, vulnerables y obligados demasiado pronto a aprender a sobrevivir.

Aquella experiencia termina convirtiéndolos en algo parecido a una familia.

Pero también deja heridas.

Años después, aquellos tres niños son conocidos como los Huérfanos y han levantado un poderoso imperio criminal que se extiende desde Irlanda hasta la Costa del Sol.

Narcotráfico, juego ilegal, blanqueo, corrupción y conexiones con distintas organizaciones criminales forman parte de un entramado que se mueve entre el lujo de Marbella y un submundo en el que cualquier error puede pagarse muy caro.

Carmen Mola construye desde ahí una novela coral en la que conviven mafias irlandesas y chinas, policías, fiscales, delincuentes y familias atravesadas por secretos que llevan demasiado tiempo escondidos.

Laura Pastor, una fiscal frente al mundo del que quiso escapar

Frente a los Huérfanos aparece Laura Pastor, fiscal y uno de los personajes fundamentales de la novela.

Competente, honesta y acostumbrada a desenvolverse dentro de la ley, Laura tendrá que enfrentarse a un entramado criminal especialmente complejo cuando Trevor Strummer, uno de los Huérfanos, termina sentado en el banquillo.

Pero la investigación acabará llevándola mucho más cerca de sí misma de lo que esperaba.

Porque su propia familia está marcada por un pasado del que Laura lleva años intentando escapar.

Ahí aparece otra de las grandes líneas de Los Huérfanos: el choque entre lo que queremos ser y aquello de lo que procedemos.

La investigación criminal se mezcla así con la necesidad de Laura de enfrentarse a sus padres, a su propia historia y a algunas verdades que quizá habría preferido no conocer.

Una novela de «malos y malos»

Carmen Mola ha construido buena parte de su éxito alrededor de personajes capaces de moverse por terrenos moralmente incómodos. Pero en Los Huérfanos esa mirada se vuelve todavía más explícita.

Aquí no todo consiste en separar a buenos y malos.

Los personajes arrastran traumas, lealtades, miedo, ambición, culpa y deseos de venganza. Algunos fueron víctimas antes de convertirse en criminales. Otros defienden la ley mientras descubren hasta qué punto sus propios principios pueden ponerse a prueba.

Y ahí reside una de las preguntas más interesantes de la novela: hasta dónde puede llevarnos aquello que hemos vivido.

Las heridas de la infancia ocupan un lugar central. No como una justificación de la violencia, sino como una manera de explorar cómo se construyen determinados personajes y qué ocurre cuando el dolor, el miedo y la ausencia de referentes terminan convirtiéndose en las herramientas con las que alguien aprende a enfrentarse al mundo.

Marbella, lujo y crimen organizado

La Costa del Sol no funciona únicamente como escenario.

Marbella se convierte prácticamente en otro personaje de la novela.

Detrás de la imagen de hoteles, urbanizaciones exclusivas, grandes fortunas, restaurantes y yates aparece la presencia de organizaciones criminales internacionales que utilizan esta zona como lugar de residencia, negocio y operaciones.

Para documentar la novela, los autores se acercaron a la realidad del crimen organizado que opera en Málaga y al trabajo de las fuerzas de seguridad que lo combaten.

El resultado es un thriller que mezcla ficción y una realidad que periódicamente aparece en las noticias: ajustes de cuentas, narcotráfico, blanqueo de capitales, mafias internacionales y una enorme cantidad de dinero circulando por debajo de una aparente normalidad.

Pero Carmen Mola utiliza todo ese escenario criminal para regresar constantemente a algo mucho más íntimo.

La familia.

Dos familias heridas

Porque, por encima de mafias, juicios y asesinatos, Los Huérfanos enfrenta fundamentalmente a dos familias.

Por un lado están aquellos tres niños que un día decidieron convertirse en hermanos porque no tenían a nadie más.

Por otro, la familia Pastor, unida por la sangre pero atravesada por secretos, heridas y decisiones que condicionan la vida de Laura.

Dos formas completamente diferentes de entender qué significa pertenecer a una familia.

Y una idea que recorre buena parte del libro: hay cosas que heredamos aunque pasemos toda nuestra vida intentando alejarnos de ellas.

Ese componente emocional permite que Los Huérfanos vaya más allá del mecanismo puro del thriller y coloque a sus personajes frente a conflictos que no siempre pueden resolverse simplemente deteniendo al culpable.

Carmen Mola después de Elena Blanco

Los Huérfanos llega después del cierre de una de las sagas más exitosas de la novela negra española reciente.

La novia gitana, publicada en 2018, presentó al público a la inspectora Elena Blanco y abrió una serie que continuó con La Red Púrpura, La Nena, Las madres y El Clan.

Cinco novelas que consolidaron a Carmen Mola como uno de los grandes fenómenos editoriales del thriller español.

Ahora los autores dejan atrás aquel universo y se permiten construir una historia independiente, con nuevos personajes y una estructura especialmente coral.

Entre ellos destaca Laura Pastor, cuya personalidad y recorrido abren inevitablemente una pregunta: ¿estamos ante la protagonista de una única novela o ante el comienzo de una nueva etapa para Carmen Mola?

De pseudónimo secreto a una de las grandes firmas del thriller

Durante sus primeros años, la verdadera identidad de Carmen Mola fue uno de los secretos mejor guardados del panorama editorial español.

Todo cambió en 2021.

Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero subieron al escenario para recoger el Premio Planeta por La Bestia y revelaron públicamente que eran ellos quienes se escondían detrás del nombre de Carmen Mola.

El misterio desapareció, pero el personaje literario siguió creciendo.

Desde entonces, además del final de la saga de Elena Blanco, publicaron El Infierno, un thriller histórico ambientado entre el Madrid del siglo XIX y Cuba.

Con Los Huérfanos, Carmen Mola vuelve al presente y al territorio más reconocible de la novela criminal, aunque cambiando la perspectiva: esta vez interesa tanto descubrir quién persigue a los delincuentes como comprender quiénes son esos delincuentes y qué camino los llevó hasta allí.

Carmen Mola, en BiblioKISS

En nuestra entrevista en BiblioKISS, Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero nos acompañan para descubrir las claves de Los Huérfanos y hablar de la construcción de sus personajes, de la fascinación que ejerce el mal en la ficción, de la violencia, de los límites morales, del crimen organizado y de esa peculiar forma de escritura a seis manos que ha terminado creando una voz propia.

Porque Carmen Mola empezó siendo un pseudónimo.

Casi una década después, quizá sea ya algo más: una identidad literaria diferente de los tres escritores que la construyen.

Y Los Huérfanos abre ahora un nuevo capítulo.

Ficha del libro

Título: Los Huérfanos
Autor: Carmen Mola
Autores: Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero
Editorial: Planeta
Colección: Autores Españoles e Iberoamericanos
Publicación: 9 de septiembre de 2026
Páginas: 448
ISBN: 978-84-08-32475-1

Sobre los autores

Carmen Mola es el pseudónimo bajo el que escriben conjuntamente Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero, tres escritores y guionistas que comenzaron este proyecto literario en Madrid en 2017.

Su primera novela, La novia gitana, apareció en 2018 y presentó a la inspectora Elena Blanco. El éxito dio lugar a una saga continuada por La Red Púrpura, La Nena, Las madres y El Clan.

Durante sus primeros años, los tres escritores mantuvieron en secreto su identidad.

En 2021 la revelaron al ganar el Premio Planeta con La Bestia, thriller histórico que se convirtió además en uno de los mayores éxitos comerciales de su trayectoria.

Fuera de la serie protagonizada por Elena Blanco también han publicado El Infierno, ambientada en el siglo XIX.

Sus novelas han vendido millones de ejemplares y han sido traducidas a más de veinte idiomas, convirtiendo a Carmen Mola en una de las firmas españolas de novela negra con mayor proyección internacional.

Con Los Huérfanos, Jorge Díaz, Agustín Martínez y Antonio Mercero inauguran una nueva etapa y regresan al thriller contemporáneo con una historia centrada en el crimen organizado, las familias, la corrupción y los límites morales.

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¿Qué ocurre cuando empiezas a sentir que tu cuerpo ya no te pertenece? ¿Y si todo el mundo insiste en que no te pasa nada cuando tú sabes perfectamente que algo está cambiando?

Ginés Sánchez visita BiblioKISS para presentarnos La extraña enfermedad de Bryan Macías, su nueva novela juvenil, publicada por SM dentro de la colección Gran Angular. Una historia inquietante que utiliza el terror y el misterio para adentrarse en cuestiones mucho más profundas como la identidad, el miedo a ser diferente, la incomprensión o el amor cuando todo comienza a derrumbarse.

Un accidente que lo cambia todo

Bryan Macías tiene 17 años y lleva una vida aparentemente normal. Tiene novia, Sara, toca la guitarra, juega al baloncesto y afronta las preocupaciones habituales de cualquier chico de su edad.

Hasta que sufre un accidente de bicicleta y cae por un terraplén.

A partir de ese momento empiezan los síntomas. Primero siente algo extraño en la garganta que le dificulta tragar. Después llegan los problemas con la luz, las alteraciones físicas y una sensación cada vez más intensa de que algo dentro de él está cambiando.

Los médicos hablan de ansiedad. Bryan sabe que hay algo más.

Con ese punto de partida, Ginés Sánchez construye una novela en la que el lector avanza entre la incertidumbre y el miedo mientras la vida de su protagonista comienza a descomponerse. Lo cotidiano se vuelve amenazante y la pregunta ya no es únicamente qué le está ocurriendo a Bryan, sino en qué se está convirtiendo.

Terror para hablar de la adolescencia y la identidad

La extraña enfermedad de Bryan Macías juega con los códigos del horror, pero tras ellos aparece también una poderosa historia sobre la transformación.

Porque, aunque la experiencia de Bryan alcance territorios extraordinarios, el miedo que esconde resulta reconocible: dejar de encajar, no comprender qué está ocurriendo dentro de uno mismo o sentir que los demás son incapaces de entenderte.

Una transformación que cobra todavía más fuerza al situarse en plena adolescencia, una etapa en la que el cuerpo, las emociones y la propia identidad están en permanente construcción.

Y en medio de todo ello está Sara, la novia de Bryan, que contempla desde fuera cómo el chico al que quiere comienza a cambiar. Su relación añade a la novela una dimensión emocional que convive con el misterio y el terror y plantea otra cuestión: qué ocurre con el amor cuando la persona que conocíamos parece estar dejando de ser la misma.

Ginés Sánchez, de la novela adulta al Gran Angular

Ginés Sánchez es uno de los nombres consolidados de la narrativa española contemporánea. Nacido en Murcia en 1967 y licenciado en Derecho, ejerció durante una década como abogado antes de desarrollar una trayectoria literaria en la que ha combinado la novela para adultos con la literatura juvenil.

Debutó con Lobisón y recibió el Premio Tusquets Editores de Novela por Los gatos pardos. Posteriormente llegaron títulos como Entre los vivos, Dos mil noventa y seis, Mujeres en la oscuridad, Las Alegres, De tigres y gacelas o El borde cortante.

Su salto a la literatura juvenil obtuvo además uno de los grandes reconocimientos del género: en 2022 ganó el Premio SM Gran Angular con El mar detrás.

Ahora vuelve a ese territorio con una historia de 192 páginas que mezcla terror, intriga, amor y transformación y que obliga al lector a preguntarse dónde termina realmente la enfermedad y dónde empieza el monstruo.

Ginés Sánchez, en BiblioKISS

En nuestra conversación con Ginés Sánchez hablamos del origen de Bryan Macías, de la utilización del monstruo como recurso literario, de la adolescencia como etapa de transformación y del miedo a dejar de reconocernos.

También nos detenemos en la relación entre Bryan y Sara, en los límites entre el terror y la realidad y en las diferencias —o quizá no tantas— entre escribir para un lector adulto y hacerlo para un público juvenil.

La extraña enfermedad de Bryan Macías, de Ginés Sánchez, está publicada por SM dentro de la colección Gran Angular.

Sobre el autor

Ginés Sánchez nació en Murcia en 1967. Licenciado en Derecho, ejerció como abogado durante diez años y ha trabajado también como columnista. A lo largo de su trayectoria ha vivido en distintos lugares de Europa y América.

Su primera novela, Lobisón, apareció en 2012. Un año después obtuvo el IX Premio Tusquets Editores de Novela con Los gatos pardos. Entre sus obras posteriores figuran Entre los vivos, Dos mil noventa y seis, Mujeres en la oscuridad, Las Alegres, De tigres y gacelas y El borde cortante. En 2022 recibió el Premio SM Gran Angular por El mar detrás.

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Begoña Pérez presenta en BiblioKISS su nuevo libro, una guía que va mucho más allá de armarios, manchas y organización doméstica para ayudarnos a afrontar esos momentos en los que todo parece cambiar a la vez.

Hay etapas en las que parece que la vida se empeña en movernos todos los muebles. Un nuevo trabajo, una mudanza, la llegada de un hijo, una reforma, la vuelta al cole, un viaje, un cambio de temporada o, simplemente, semanas en las que la famosa sensación de “no llego a todo” se instala en casa.

Precisamente para esos momentos llega Contigo en cada cambio, el nuevo libro de Begoña Pérez, La Ordenatriz, que visita BiblioKISS para hablarnos de una obra en la que el orden deja de ser únicamente una cuestión doméstica para convertirse en una herramienta con la que recuperar tiempo, calma y sensación de control.

Escucha la entrevista completa con Julián Garvín:

Del orden de la casa al orden de la vida

Millones de personas conocen a La Ordenatriz por sus soluciones para manchas imposibles, sus consejos de limpieza y sus métodos para conseguir que una casa funcione un poco mejor. Pero su nuevo libro amplía considerablemente el terreno de juego.

En Contigo en cada cambio, publicado por Editorial Planeta, Begoña Pérez aborda la organización desde una perspectiva mucho más amplia: ¿qué podemos hacer cuando nuestra rutina cambia? ¿Cómo evitar que la acumulación de pequeñas tareas termine generando una enorme carga mental? ¿Cómo reorganizar una casa y una familia cuando aparece una nueva circunstancia?

La propuesta parte de una idea sencilla: ordenar no significa perseguir la perfección.

Una casa perfectamente fotografiable no tiene por qué ser una casa en la que se viva mejor. El objetivo, según el planteamiento que recorre el libro, es construir sistemas y rutinas que nos faciliten la vida, nos permitan ahorrar tiempo y reduzcan esa sensación permanente de tener veinte asuntos pendientes en la cabeza.

De ahí el significativo subtítulo elegido para la obra: “El manual imprescindible para centrarte cuando la vida se descentra”.

¿Por qué tenemos siempre la sensación de no llegar a todo?

Es una de las grandes preguntas que plantea el libro y también uno de los asuntos sobre los que hablamos con La Ordenatriz en BiblioKISS.

Porque quizá el problema no sea solamente que nos organicemos mal. Vivimos rodeados de agendas, notificaciones, trabajo, actividades, obligaciones familiares y tareas domésticas. Y organizarse puede ayudar, pero también es necesario aprender a distinguir lo importante de lo prescindible.

El libro recorre precisamente algunos de esos momentos especialmente propicios para el caos: mudanzas, reformas, nacimientos, cambios laborales, viajes, mascotas, vuelta al colegio o cambios de temporada.

Situaciones muy diferentes que tienen algo en común: obligan a modificar las rutinas que hasta ese momento funcionaban.

La respuesta de La Ordenatriz pasa por anticiparse, simplificar, repartir responsabilidades y crear sistemas realistas. Porque mantener el orden no debería convertirse en otra obligación más que añadir a nuestra lista.

La carga mental también necesita orden

Uno de los aspectos más interesantes de esta nueva etapa de La Ordenatriz está precisamente ahí: detrás del cajón ordenado o de la agenda bien organizada existe otra cuestión mucho más profunda.

¿Quién recuerda todo lo que hay que hacer?

Quién sabe cuándo hay que comprar algo, cuándo toca una cita, qué necesitan los niños al día siguiente, qué falta en casa o qué tarea se ha quedado pendiente.

La organización doméstica conecta así directamente con la denominada carga mental, ese trabajo invisible que no consiste únicamente en realizar tareas, sino también en recordarlas, preverlas y coordinarlas.

Y en una familia numerosa Begoña Pérez tiene bastante experiencia práctica en ese terreno: es madre de siete hijos, una circunstancia que ha marcado también buena parte de su manera de entender la organización.

El fenómeno de La Ordenatriz

Antes de convertirse en una referencia para millones de personas, Begoña Pérez estudió Publicidad y Relaciones Públicas y trabajó como organizadora profesional.

En 2019 abrió su cuenta de Instagram y comenzó a compartir consejos sobre orden, limpieza y organización. El gran salto llegó durante el confinamiento de 2020, cuando millones de personas comenzaron a prestar más atención que nunca a sus casas y sus trucos encontraron una audiencia enorme.

Desde entonces, La Ordenatriz se ha convertido en una de las grandes divulgadoras españolas sobre gestión del hogar, con más de dos millones de seguidores en redes sociales, colaboraciones con medios de comunicación y presencia televisiva.

Su capacidad para ofrecer respuestas sencillas a problemas muy concretos —desde una mancha aparentemente imposible hasta la organización de un armario— ha terminado construyendo alrededor de su nombre una enorme comunidad.

De las manchas imposibles a los grandes cambios

Contigo en cada cambio llega después de dos libros que ayudaron a consolidar ese fenómeno.

En Limpieza, orden y felicidad, La Ordenatriz reunió soluciones y consejos para facilitar las tareas domésticas. Después llegaría Los trucos de La Ordenatriz, ampliando ese particular arsenal de recursos prácticos que tantos seguidores habían comenzado a guardar en sus teléfonos.

Ahora el planteamiento evoluciona.

En lugar de preguntarnos únicamente cómo ordenar, la pregunta es para qué ordenamos.

Para disponer de más tiempo. Para reducir el ruido mental. Para atravesar mejor los cambios. Y, sobre todo, para conseguir que nuestra casa y nuestras rutinas trabajen a nuestro favor y no al contrario.

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¿Puede una mentira convertirse en un acto de justicia? ¿Y una obra de arte servir para desafiar a uno de los hombres más poderosos y temidos de la historia?

El autor regresa a las librerías con El falsificador, su nueva novela, y ha pasado por BiblioKISS para presentárnosla y descubrirnos algunas de las claves de una historia que combina amor, espionaje, intriga, arte y hechos históricos en la Italia fascista de finales de los años treinta.

Esscuha la entrevista completa, con Julián Garvín.

Una falsificación para desafiar a Hitler

Florencia, 1938. Europa se acerca peligrosamente al abismo y Adolf Hitler visita la Italia de Benito Mussolini en uno de los momentos decisivos de la relación entre los dos dictadores.

Mussolini está obsesionado con impresionar a su poderoso aliado alemán y decide hacerle un regalo a la altura de la ocasión: una extraordinaria obra maestra del Renacimiento arrebatada a la poderosa familia Viel.

El cuadro, atribuido a Botticelli, es mucho más que una pieza de enorme valor. Para Flavia Viel representa la memoria de su familia, sus raíces y el último vínculo con un mundo que comienza a desaparecer bajo el avance del fascismo.

Y Flavia no está dispuesta a entregarlo sin luchar.

Para intentar recuperarlo tendrá que recurrir a Juan Rezola, un experto falsificador de arte y, al mismo tiempo, el hombre al que amó y perdió. Entre ambos existe una historia que nunca terminó de cerrarse y que el peligro obligará a revivir.

El plan parece imposible: enfrentarse al poder utilizando precisamente aquello que Hitler y Mussolini desean poseer, el arte. Y hacerlo mediante el engaño perfecto.

A partir de ahí, Tarradas construye una trama en la que se entrecruzan las maniobras políticas, el espionaje, las falsificaciones, el expolio de obras de arte y los intereses de distintos personajes y organizaciones que contemplan con preocupación el fortalecimiento de Mussolini.

La Iglesia, la monarquía italiana y la Cosa Nostra aparecen también en un tablero en el que nadie parece enseñar completamente sus cartas.

Historia y ficción en la Italia de Mussolini

Uno de los grandes atractivos de El falsificador está en la convivencia entre personajes ficticios y algunas de las figuras fundamentales de la Europa de los años treinta.

Hitler, Mussolini o Víctor Manuel III forman parte de un escenario histórico real sobre el que Rafael Tarradas despliega su ficción, aprovechando uno de los acontecimientos más espectaculares de la relación entre los regímenes fascista y nazi: la visita de Hitler a Italia en 1938.

Pero la novela no se limita al gran acontecimiento histórico.

Tarradas se adentra también en un mundo mucho menos conocido: el del coleccionismo, las falsificaciones y el expolio artístico.

El arte se convierte así en uno de los motores de la narración. Algo que puede ser robado, manipulado y utilizado como símbolo de poder, pero también un instrumento de resistencia frente a quienes pretenden apropiarse de todo.

Y en el centro de esa maquinaria histórica permanecen Flavia y Juan, dos personajes obligados a preguntarse cuánto están dispuestos a arriesgar y si existe todavía una segunda oportunidad para aquello que perdieron.

Mucho más que una novela de espionaje

Con El falsificador, Rafael Tarradas vuelve a moverse en uno de los terrenos que mejor conoce: los grandes conflictos del siglo XX contemplados a través de personajes que deben enfrentarse a decisiones extraordinarias.

La aventura y la intriga tienen un enorme peso en la novela, pero detrás de ellas aparecen también cuestiones como el valor, la lealtad, la memoria y la capacidad de enfrentarse al poder cuando hacerlo puede tener consecuencias devastadoras.

También sobrevuela toda la historia una reflexión sobre la propia naturaleza de la verdad.

Porque la novela plantea inevitablemente una pregunta: si una falsificación sirve para impedir una injusticia, ¿sigue siendo moralmente una mentira?

De todo ello hemos hablado con Rafael Tarradas Bultó en BiblioKISS. El escritor nos cuenta cómo se documenta para construir una novela de estas características, dónde termina la realidad histórica y comienza la libertad del novelista, su fascinación por los siglos XIX y XX y el camino que le ha llevado a consolidar una trayectoria literaria que suma ya seis novelas.

Sobre Rafael Tarradas Bultó

Rafael Tarradas Bultó nació en Barcelona en 1977. Estudió Diseño Industrial en la Universidad Autónoma de Barcelona y desarrolla también su carrera profesional en el sector de la comunicación.

Apasionado por el arte y por la historia de los siglos XIX y XX, ha convertido algunos de los grandes acontecimientos históricos de este periodo en el escenario de sus novelas.

Debutó como novelista con El heredero y posteriormente publicó El valle de los arcángeles, La voz de los valientes, El hijo del Reich y La protegida

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Su nombre es Miguel Ángel Rodríguez López, aunque todo el mundo lo conoce como el Marlo. Jubilado y entrenador del equipo de baloncesto Viejas Glorias, lleva una existencia tranquila y tiene por costumbre caminar cada mañana hasta Cala Cortina. Hasta que, durante uno de esos paseos, encuentra un cadáver entre las rocas.

Escucha aquí la entrevista que el autor ha tenido con Julián Garvín

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La escritora madrileña propone una historia especialmente pensada para quienes crecieron viendo las grandes películas románticas de los años 90 y 2000, pero han llegado a la edad adulta sospechando que aquel «felices para siempre» era bastante más complicado de lo que aparecía en la pantalla.

Cuando dejar de creer también es una forma de protegerse

La protagonista de la novela es Anne Prescott, una mujer que ha dejado de creer en el amor. Su propia experiencia le ha enseñado que las relaciones pueden tener fecha de caducidad y que implicarse sentimentalmente significa exponerse a una nueva decepción. Por eso, prefiere mantener los sentimientos bajo control y evitar cualquier promesa que contenga las palabras «para siempre».

Su escepticismo termina convirtiéndose en una auténtica declaración de guerra cuando el prometido de su mejor amiga rompe el compromiso a pocos meses de la boda. Al contemplar su dolor, Anne estalla y maldice esa versión azucarada del amor que las películas, las canciones y los cuentos nos han enseñado desde pequeños.

Lo que no imagina es que su protesta no caerá en el vacío.

Miss Fire: una Cupido con stilettos y muy poca paciencia

Al día siguiente aparece en su vida Miss Fire, una enigmática mujer enfundada en un impecable traje rojo, con una lengua más afilada que sus tacones y una afirmación difícil de creer: ella es la mismísima Cupido.

Lejos de parecerse al conocido bebé alado, Miss Fire se presenta como una mujer sofisticada, autoritaria y capaz de detectar las contradicciones de Anne con una precisión extraordinaria. Su misión consiste en conseguir que la protagonista vuelva a creer en el amor, aunque sus métodos resulten bastante discutibles.

Por la vida de Anne comenzará entonces a desfilar una sucesión de pretendientes que, según Cupido, podrían convertirse en el hombre perfecto si ella estuviera dispuesta a «poner un poquito de su parte». Sin embargo, cada nueva cita parece confirmar que la puntería de Miss Fire no atraviesa precisamente su mejor momento.

Anne tendrá que detenerla antes de que su particular terapia sentimental termine por destruir la vida tranquila y perfectamente controlada que había construido.

Una carta de amor a las comedias románticas de los 2000

Maldecir el amor recupera el ritmo, los encuentros inesperados, los diálogos brillantes y las situaciones disparatadas de aquellas películas románticas que marcaron a toda una generación. Sin embargo, Paula Ramos no se limita a reproducir sus códigos, sino que los observa desde el presente.

La novela juega con las expectativas que aquellas historias dejaron en el imaginario colectivo: la existencia de una persona perfecta, las señales del destino, el gran gesto romántico y la promesa de que encontrar pareja equivale necesariamente a alcanzar la felicidad.

Desde el humor, la autora se pregunta cuánto daño puede hacernos comparar nuestras relaciones reales con relatos diseñados para concluir justo en el momento del beso. Porque después de los créditos comienzan la convivencia, las dudas, los miedos y el trabajo diario de querer a alguien sin dejar de ser uno mismo.

Mucho más que un desfile de citas desastrosas

Bajo su apariencia ligera y divertida, la novela aborda cuestiones como el miedo a la vulnerabilidad, la presión por encontrar pareja, las expectativas imposibles y la tendencia a convertir el escepticismo en una coraza.

Anne no solo necesita descubrir si puede enamorarse. Antes tendrá que comprender qué heridas se esconden detrás de su rechazo, qué espera realmente de una relación y si protegerse permanentemente del dolor no significa también renunciar a la posibilidad de ser feliz.

La amistad ocupa igualmente un lugar esencial. El corazón roto de la mejor amiga de Anne desencadena toda la historia y recuerda que, mientras el amor romántico suele acaparar la atención, son muchas veces los amigos quienes permanecen a nuestro lado cuando todo lo demás se derrumba.

Paula Ramos, entre el romance y la fantasía

Nacida en Madrid en 1989, Paula Ramos comenzó a escribir sus primeras historias a los doce años. Graduada en Bellas Artes y Diseño, ha desarrollado una trayectoria de más de diez novelas en la que ha transitado por la literatura juvenil, la romántica y la fantasía.

Entre sus trabajos recientes se encuentra la bilogía Amor en borrador, formada por La magia de las historias olvidadas y El cuaderno de los amores perdidos. En ella ya exploraba la combinación entre sentimientos, creación literaria y elementos imposibles, una mezcla que vuelve a estar presente en Maldecir el amor.

En esta ocasión, la fantasía no conduce al lector hasta un mundo lejano, sino que irrumpe en la vida cotidiana para obligar a una mujer a enfrentarse a todo aquello que se niega a reconocer.

Una conversación sobre el amor que nos contaron

Durante su visita a KISS FM, Paula Ramos nos habla del nacimiento de Anne y Miss Fire, de la influencia de las comedias románticas de los años 2000, de las ideas heredadas sobre las relaciones y del equilibrio entre el humor, la magia y la emoción.

También reflexionamos sobre la presión por encontrar a la persona perfecta, las expectativas que depositamos en una pareja y la importancia de aprender a diferenciar entre el amor sano y el simple miedo a estar solos.

Puedes disfrutar de la entrevista completa en el vídeo que acompaña estas líneas.

Maldecir el amor, publicada por RBA Lit, tiene 384 páginas y ya está disponible en librerías. Una historia para quienes todavía creen en el amor, para quienes han dejado de hacerlo y, sobre todo, para quienes jamás se atreverían a provocar a una Cupido vestida de rojo.

Sobre la autora

Paula Ramos nació en Madrid en 1989 y comenzó a escribir a los doce años. Es graduada en Bellas Artes y Diseño y ha publicado más de diez novelas pertenecientes a géneros como la literatura juvenil, la fantasía y la romántica.

Entre sus obras se encuentran la bilogía Abril, la trilogía Ellas, Cuando fuimos fugaces, Siempre seremos eternos y la bilogía Amor en borrador. Su trabajo se caracteriza por la construcción de personajes cercanos, el peso de las emociones y la incorporación de elementos fantásticos capaces de transformar la realidad cotidiana.

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Luis Roso se ha propuesto regresar a aquella historia para separar los hechos del mito. El escritor extremeño ha visitado KISS FM para presentar Puerto Hurraco. El espectáculo del horror, publicado por Ediciones B, un amplio trabajo de no ficción que reconstruye la matanza del 26 de agosto de 1990 y analiza el relato periodístico, literario y audiovisual que comenzó a construirse inmediatamente después.

La noche que condenó a todo un pueblo

Aquella noche de verano, los hermanos Emilio y Antonio Izquierdo recorrieron las calles de Puerto Hurraco armados con escopetas y dispararon contra vecinos que disfrutaban de las últimas horas del domingo. Nueve personas fueron asesinadas, entre ellas dos niñas, y varias más resultaron heridas. La magnitud del crimen conmocionó a España y convirtió en pocas horas una pequeña pedanía pacense en el centro de todas las miradas.

La tragedia, sin embargo, no terminó con la detención de los autores. Sobre Puerto Hurraco comenzó a levantarse una explicación sencilla, casi novelesca: dos familias enfrentadas durante generaciones, unos asesinos presentados como seres primitivos, unas hermanas señaladas como cerebros de la venganza y todo un pueblo retratado como una comunidad atrasada y dominada por odios ancestrales.

Roso cuestiona esa construcción. Su investigación no pretende rebajar la brutalidad de los hechos ni buscar una disculpa para los asesinos, sino demostrar que una realidad compleja fue transformada en un folletín mucho más fácil de consumir. El crimen era ya suficientemente terrible, pero una parte de su cobertura decidió añadir explicaciones esotéricas, frases sin respaldo documental y personajes reducidos a caricaturas.

El nacimiento del crimen como espectáculo televisivo

Puerto Hurraco coincidió con un momento decisivo para los medios españoles. En 1990 acababan de iniciar sus emisiones las primeras televisiones privadas, inmersas en una lucha por conquistar audiencias. Los enviados especiales llegaron a la comarca, se retransmitieron entierros y se persiguió el testimonio de familiares, vecinos y protagonistas.

Roso presenta el caso como el nacimiento en España de una nueva forma audiovisual de narrar los sucesos. La tragedia dejó de ser únicamente una noticia para convertirse en un contenido que podía seguirse casi en tiempo real. Dos años después, el crimen de Alcàsser llevaría esa deriva hasta extremos que provocaron una reacción social, pero buena parte de sus mecanismos ya estaban presentes en Puerto Hurraco.

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Un hospital debería ser uno de los lugares más seguros del mundo. Un espacio al que acudimos buscando respuestas, alivio o una segunda oportunidad. Pero ¿qué ocurre cuando sus pasillos esconden algo que nadie logra explicar? ¿Y si las personas encargadas de salvar vidas son también quienes corren mayor peligro?

El médico de Urgencias y escritor Martín Torres pasó por KISS FM para presentarnos La enfermera, un thriller médico cargado de tensión, misterio y acción que convierte el Hospital Universitario Donostia en el escenario de una serie de muertes aparentemente imposibles.

Mira aquí la entrevista de Julián Garvín con el autor.

Una novela de ritmo trepidante que se mueve entre la ficción criminal y el realismo clínico, pero que también dirige la mirada hacia las personas que trabajan cada día en uno de los entornos más exigentes, imprevisibles y emocionalmente intensos que existen.

Un hospital convertido en escenario del crimen

La sala de Urgencias del Hospital Universitario Donostia vive una noche de absoluto caos. Las víctimas de un accidente de tráfico se acumulan, aparece un cadáver mutilado y una paciente comienza a gritarle al diablo. En medio de la confusión, la enfermera Sophie Boussignac se descubre sufriendo un ataque de pánico, con la cara ensangrentada y sin saber qué ha ocurrido.

A su lado aparecerá Víctor Viso, un médico militar retirado que acaba de incorporarse al servicio. Él también arrastra sus propias heridas y un pasado difícil de dejar atrás. Juntos tratarán de reconstruir lo sucedido y comprender qué se esconde detrás de unas muertes que desafían cualquier explicación lógica.

Sin embargo, cuanto más se acercan a la verdad, más peligroso parece el secreto que están a punto de descubrir.

Martín Torres construye la historia mediante diferentes personajes, perspectivas y subtramas que van encajando progresivamente. El lector, igual que los protagonistas, recibe una realidad fragmentada y debe avanzar entre sospechas, incertidumbres y giros hasta comprender la verdadera dimensión de aquello que está ocurriendo.

Cuando la realidad de Urgencias supera a la ficción

Uno de los grandes elementos diferenciales de La enfermera es el conocimiento directo que su autor posee del escenario en el que transcurre la novela.

Martín Torres es médico de Urgencias y Emergencias y conoce de primera mano el ritmo frenético de un hospital, la presión con la que trabaja el personal sanitario, el sonido constante de las máquinas, la incertidumbre de cada nuevo caso y la necesidad de tomar decisiones importantes en apenas unos segundos.

Aunque la trama criminal pertenece al terreno de la ficción, los casos clínicos y los procedimientos médicos que aparecen en el libro están inspirados en situaciones reales vividas o conocidas por el autor a lo largo de su trayectoria profesional. Una experiencia que aporta autenticidad a las escenas y permite que el componente médico no funcione como un simple decorado, sino como una parte esencial del relato.

La medicina y el misterio comparten, además, más elementos de los que podría parecer. En ambos casos es necesario observar los indicios, formular hipótesis, descartar posibilidades y tratar de reconstruir una verdad a partir de señales que no siempre resultan evidentes.

Sophie Boussignac y Víctor Viso: dos personajes marcados por sus heridas

Más allá de la investigación, La enfermera es también una historia sobre el trauma, la culpa y las heridas que permanecen abiertas incluso cuando creemos haberlas dejado atrás.

Sophie Boussignac no responde al modelo de protagonista invulnerable. Es una enfermera competente y decidida, pero también una mujer que intenta recomponerse después de una experiencia traumática. Su desconcierto inicial y la sensación de no poder confiar plenamente ni siquiera en sus propios recuerdos sitúan al lector en un terreno profundamente inquietante.

Víctor Viso, por su parte, llega al Hospital Universitario Donostia después de abandonar la medicina militar. Su experiencia le permite conservar la calma en situaciones extremas, aunque también carga con un pasado que continúa condicionando su manera de relacionarse con los demás.

Los dos personajes tendrán que colaborar para descubrir la verdad mientras se enfrentan a sus propios fantasmas. Porque en esta novela no todas las heridas pueden verse en una radiografía y no todos los secretos están destinados a salvar vidas.

Urgencias como retrato de la sociedad

La novela utiliza el thriller para acercarse también a la realidad cotidiana de los profesionales sanitarios: la presión constante, el cansancio acumulado, las agresiones, la sobrecarga emocional y la dificultad de separar aquello que ocurre durante una guardia de la vida que comienza al salir del hospital.

Urgencias se convierte así en una especie de espejo de la sociedad. Por sus pasillos pasan la enfermedad, el miedo, la violencia, la soledad, las adicciones, la desesperación, la esperanza y la gratitud. Historias humanas que aparecen sin previo aviso y que obligan a médicos, enfermeros, celadores y demás trabajadores a enfrentarse cada día a situaciones límite.

Martín Torres aprovecha la ficción para humanizar a quienes trabajan dentro del hospital, mostrando no solamente su preparación profesional, sino también sus dudas, sus miedos, sus relaciones personales y el coste psicológico que puede tener convivir de manera permanente con el dolor ajeno.

San Sebastián, mucho más que un escenario

La ciudad de San Sebastián ocupa también un lugar destacado en la novela. La trama se desarrolla durante el mes de septiembre, coincidiendo con los días que rodean al Festival Internacional de Cine, cuando las calles se llenan de visitantes, estrellas, cámaras y expectación.

Frente al brillo de las alfombras rojas y los focos, el Hospital Universitario Donostia ofrece el reverso más oscuro de la ciudad. En su interior se libra otra clase de batalla, lejos de los flashes, donde cada minuto puede separar la vida de la muerte.

Los espacios reconocibles de San Sebastián y el ambiente previo a su gran cita cinematográfica aportan personalidad a la historia y refuerzan el carácter visual de una novela escrita con vocación de mantener al lector dentro de la escena.

Un thriller médico de ritmo vertiginoso

Capítulos ágiles, escenas encadenadas, diferentes puntos de vista y una tensión que aumenta progresivamente son algunos de los ingredientes de La enfermera. Martín Torres combina los códigos de la novela negra clásica con el ritmo del thriller contemporáneo y el realismo de las historias médicas.

El resultado es una lectura especialmente indicada para los seguidores del suspense, las novelas criminales ambientadas en entornos profesionales y las series hospitalarias, pero también para quienes quieran descubrir qué sucede detrás de las puertas de un servicio de Urgencias cuando la realidad resulta tan sorprendente como la ficción.

Un hospital lleno de secretos, dos protagonistas perseguidos por su pasado y una sucesión de muertes que nadie consigue explicar. La enfermera confirma que incluso los lugares creados para protegernos pueden convertirse, de repente, en el escenario de nuestras peores pesadillas.

SOBRE EL AUTOR

Martín Torres Remírez nació en Alcanadre, La Rioja, en 1983. Es médico de Urgencias y Emergencias y actualmente vive y ejerce en San Sebastián.

Es instructor de soporte vital avanzado y atención al trauma grave y cuenta con formación para prestar asistencia en ambientes hostiles. Su experiencia en primera línea sanitaria le ha permitido conocer el caos, la presión y el pulso acelerado de los servicios hospitalarios, una realidad que traslada a La enfermera con una mirada marcada por el suspense, la acción y el realismo clínico.

Con esta obra debuta en el thriller y convierte su conocimiento médico en el punto de partida de una narración en la que los crímenes imaginados conviven con procedimientos y casos clínicos inspirados en la realidad.

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Comer es una necesidad básica, pero también puede ser una fuente de placer, encuentro y bienestar. Sin embargo, para muchas personas, sentarse a la mesa se ha convertido en una batalla constante marcada por la culpa, las prohibiciones, las compensaciones y la sensación de no estar haciéndolo nunca lo suficientemente bien.

Julia Palacios aborda esta realidad en Mucho más que pechuga y lechuga, su primer libro, publicado por Bruguera. La farmacéutica y dietista-nutricionista especializada en conducta alimentaria visita KISS FM para presentar una obra que invita a dejar atrás los discursos rígidos sobre nutrición y a recuperar la confianza en el propio cuerpo.

Escucha la entrevista completa de Julián Garvín con Julia Palacios.

Comer bien no debería significar comer con miedo

¿Una ensalada nos convierte automáticamente en personas más saludables? ¿Un postre significa que hemos hecho algo mal? ¿Es necesario compensar una pizza con una sesión de gimnasio?

Estas son algunas de las preguntas que sirven como punto de partida para un libro que analiza hasta qué punto hemos aprendido a dar un valor moral a la comida. Algunos alimentos son considerados “buenos”, “limpios” o “permitidos”, mientras que otros quedan asociados a la culpa, la falta de disciplina o el fracaso.

Frente a esta visión reduccionista, Julia Palacios defiende que la alimentación no puede entenderse únicamente como una suma de calorías, nutrientes o normas externas. También influyen el contexto, las emociones, el cansancio, el estrés, los horarios, la economía, la cultura y la historia personal de cada individuo.

Una mirada crítica a la cultura de la dieta

El título Mucho más que pechuga y lechuga resume uno de los principales mensajes de la obra: alimentarse bien no debería ser sinónimo de monotonía, restricción o sacrificio permanente.

La cultura de la dieta ha conseguido asociar la delgadez con ideas como la salud, el autocontrol, la disciplina o incluso el éxito personal. Como consecuencia, muchas personas pasan años intentando modificar su cuerpo, siguiendo planes imposibles de mantener o sintiéndose culpables cada vez que se alejan de unas reglas demasiado estrictas.

Julia Palacios propone sustituir ese control extremo por una forma de autocuidado más realista, flexible y sostenible. El objetivo no es comer de manera perfecta, sino aprender a tomar decisiones informadas sin que la alimentación ocupe todo el espacio mental.

Recuperar el placer de sentarse a la mesa

Sin recetas milagrosas ni promesas vacías, el libro ofrece herramientas prácticas para comprender mejor las necesidades del cuerpo, organizar la alimentación sin rigidez y volver a incluir el placer y la calma en el menú.

La autora también presta atención a cuestiones como los antojos, la restricción, las señales de hambre y saciedad, la presión estética o la influencia de las redes sociales. Prohibir determinados alimentos puede aumentar su atractivo y hacer que ocupen todavía más espacio en nuestros pensamientos, mientras que normalizarlos puede ayudar a reducir la sensación de ansiedad y pérdida de control.

Porque comer no sirve únicamente para nutrirnos. También comemos para disfrutar, compartir, celebrar, descubrir sabores y conectar con otras personas.

Una nutrición basada en el cuidado, no en el castigo

A lo largo de Mucho más que pechuga y lechuga, Julia Palacios plantea una nutrición alejada del miedo y del castigo. Su propuesta pasa por recuperar el criterio propio, comprender el contexto de cada persona y construir una relación con la comida que pueda mantenerse a largo plazo.

El libro no pretende imponer una nueva lista de normas, sino ayudar al lector a identificar cuáles de las reglas que ha aprendido le resultan realmente útiles y cuáles solo generan frustración, culpa o desconexión con su cuerpo.

Hacer las paces con la comida no significa dejar de cuidar la salud. Significa entender que el cuidado también puede incluir flexibilidad, disfrute, descanso y tranquilidad.

Sobre Julia Palacios

Julia Palacios es farmacéutica y dietista-nutricionista especializada en conducta alimentaria. Su trabajo se aleja de los enfoques normativos y reduccionistas para poner el acento en la comprensión, el contexto y la toma de decisiones informadas. Desde una mirada práctica y sostenible, entiende la nutrición como una herramienta de cuidado y no de control, y apuesta por una divulgación rigurosa, accesible y honesta.

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Iñaki C. Martínez visita KISS FM con Estoy muerto y es culpa tuya, una novela que arranca con una muerte y se convierte, página a página, en una inmersión en los círculos de influencia que rodean al fútbol profesional. El autor, que ya sorprendió a los lectores con Si te digo mi nombre, tendré que matarte, regresa ahora con un thriller de ritmo rápido, mirada canalla y una pregunta de fondo tan incómoda como poderosa: ¿qué ocurre cuando la verdad no depende de lo que ha pasado, sino de quién tiene la capacidad de esconderlo?

La novela parte de la muerte de una estrella del deporte. Un futbolista de élite, alguien acostumbrado al ruido del estadio, a los titulares, al dinero, al ego y a la adoración pública, se convierte en el centro de una historia en la que nada es exactamente lo que parece. A partir de ahí, Iñaki C. Martínez invita al lector a mirar por la rendija de un mundo lleno de despachos, intereses cruzados, silencios pactados y personajes que entienden el poder como una forma de supervivencia.

Julián Garvín charla con el autor sobre el libro . 

Un thriller sobre fútbol, poder y culpa

Estoy muerto y es culpa tuya utiliza el fútbol como escenario, pero no se queda en el deporte. La novela se mueve por ese territorio donde la fama, el dinero, la imagen pública y la ambición pueden deformarlo todo. Lo que en apariencia podría ser una historia sobre una muerte acaba convirtiéndose en una mirada mucho más amplia sobre la responsabilidad, la manipulación y la capacidad que tienen algunos entornos para fabricar relatos a medida.

El gran acierto del libro está en no limitarse a la pregunta clásica del género negro. Aquí no importa solo quién cometió el crimen o qué ocurrió realmente, sino quién tiene el poder suficiente para ocultarlo, modificarlo o convertirlo en otra cosa. Desde ahí, la novela juega con las sombras del fútbol profesional, con el papel de los medios, con la presión que soportan quienes viven expuestos y con la parte menos visible de una industria que millones de personas consumen cada semana desde la grada o la pantalla.

Una mirada de periodista metida en la ficción

La trayectoria de Iñaki C. Martínez en el periodismo deportivo se nota en la construcción del mundo que presenta la novela. Hay conocimiento del ambiente, del lenguaje, de los códigos internos y de esa tensión constante entre lo que se cuenta y lo que se sabe. Pero el autor no escribe una crónica ni una denuncia directa: levanta una ficción con pulso de thriller, humor negro y personajes que se mueven en una zona moral cada vez más resbaladiza.

Esa combinación entre oficio periodístico y libertad literaria permite que la historia avance con ritmo visual, escenas muy reconocibles y una sensación de peligro creciente. En Estoy muerto y es culpa tuya hay fútbol, sí, pero también hay vanidad, miedo, cinismo, deseo de control y una reflexión sobre hasta dónde puede llegar alguien para proteger una posición de privilegio.

Un thriller negro, canalla y adictivo

Iñaki C. Martínez vuelve a demostrar que le interesa el thriller menos convencional: historias con voz propia, personajes incómodos y una forma de narrar que no busca la solemnidad, sino el impacto. La novela se mueve con agilidad entre la tensión, la ironía y la mala leche, siempre con la intención de atrapar al lector y obligarle a desconfiar de cada versión de los hechos.

Después de Si te digo mi nombre, tendré que matarte, el autor confirma con Estoy muerto y es culpa tuya una línea literaria muy reconocible: novela negra con ritmo, humor oscuro y una mirada crítica hacia los mecanismos del poder. Una lectura pensada para quienes disfrutan de los thrillers que entretienen, pero también dejan una pregunta incómoda al cerrar el libro.

Sobre el autor

Iñaki C. Martínez nació en Madrid en 1983 y es periodista. Ha desarrollado una larga trayectoria en medios de comunicación, especialmente vinculada al deporte, con experiencia en redacciones, televisión, retransmisiones y programas relacionados con la NBA, la Fórmula 1 y otros grandes escenarios deportivos. Aficionado desde niño a la lectura y al cine, dio el salto a la novela con Si te digo mi nombre, tendré que matarte y ahora publica Estoy muerto y es culpa tuya, un nuevo thriller en el que mezcla crimen, fama, poder y una mirada muy afilada sobre el mundo que rodea al deporte profesional.

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Alejandro Sirigu nos invita en Versos para Caronte a cruzar uno de los ríos más simbólicos de la mitología: el Estigia. Pero este viaje no es solo una aventura por el Inframundo. Es, sobre todo, un descenso emocional, una travesía hacia ese lugar interior donde se acumulan las heridas, los miedos, los recuerdos y las sombras que muchas veces uno intenta dejar atrás sin haberlas mirado de frente.

La novela acompaña a Atlas, un protagonista que debe adentrarse en las profundidades del Hades y enfrentarse a un mundo donde las leyendas cobran forma. Caronte, el barquero de los muertos, aparece como una figura de paso, de frontera, de tránsito entre lo que fuimos y lo que todavía podemos llegar a ser. Sin embargo, en esta historia la gran batalla no se libra únicamente contra criaturas mitológicas o fuerzas oscuras, sino contra aquello que pesa dentro.

Uno de los elementos más singulares de Versos para Caronte es su manera de unir fantasía y poesía. En un género donde tantas veces la épica se construye a base de espadas, batallas y magia, Alejandro Sirigu plantea otra herramienta de supervivencia: la palabra. Los versos no funcionan aquí como simple adorno literario, sino como una llave, como una forma de iluminar la oscuridad y avanzar cuando todo parece perdido.

El resultado es una novela que se mueve entre la aventura fantástica, la mitología griega y la introspección emocional. Atlas no desciende al Inframundo solo para vencer a enemigos externos, sino para recuperar algo mucho más difícil: su propia esencia. Esa es una de las grandes ideas del libro, la necesidad de atravesar el dolor para comprenderlo, de dejar de huir del pasado y de encontrar una forma de perdonarse.

Versos para Caronte habla de trauma, resiliencia, amor propio y reconstrucción personal desde un imaginario poderoso y reconocible. El Hades, el río, las sombras y las figuras míticas se convierten en metáforas de estados emocionales muy humanos. La oscuridad del relato no busca hundir al lector, sino acompañarlo en una idea profundamente luminosa: incluso en los lugares más difíciles puede existir una posibilidad de regreso.

La propuesta de Sirigu tiene también una dimensión visual. La edición integra una estética cuidada que refuerza la sensación de estar ante un viaje simbólico, casi ritual. Leer esta novela es subirse a una barca, aceptar el trayecto y dejar que la mezcla de narración y poesía vaya abriendo pequeñas grietas de luz en mitad del camino.

En tiempos en los que la fantasía ha encontrado nuevas formas de hablar de salud emocional, identidad, heridas personales y búsqueda de sentido, Versos para Caronte se suma a esa línea de historias que utilizan lo extraordinario para explicar lo más íntimo. Porque a veces es más fácil hablar del miedo a través de un monstruo, del dolor a través de un reino subterráneo o de la esperanza a través de un poema.

Alejandro Sirigu firma así una novela de tono épico y vulnerable, pensada para lectores que disfrutan de la mitología, pero también para quienes buscan una historia con fondo emocional. Versos para Caronte no propone escapar de la realidad, sino mirarla desde otro lugar: desde el mito, desde la poesía y desde la posibilidad de volver a casa después de haber cruzado el infierno.

Sobre el autor

Alejandro Sirigu es sanitario, docente y escritor. En Versos para Caronte une su imaginario literario con una mirada sensible hacia la vulnerabilidad, el cuidado y la reconstrucción personal. Su obra combina fantasía, mitología griega y poesía para construir una historia sobre el dolor, la resiliencia y la necesidad de reencontrarse con uno mismo.

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Juan Valderrama visita KISS FM para presentarnos El caso sor Patrocinio. Una feroz batalla entre la luz y la oscuridad, un libro publicado por Ediciones B en el que se adentra en la vida de una de las figuras más enigmáticas, discutidas y perseguidas del siglo XIX español. La obra llegó a las librerías el 14 de mayo de 2026 y se mueve entre la investigación histórica, la crónica espiritual y el testimonio personal del autor.

Conocida popularmente como “la monja de las llagas”, sor Patrocinio fue una religiosa marcada por los estigmas, por una intensa vida mística y por una relación muy estrecha con la reina Isabel II. Su nombre quedó unido durante décadas a juicios, destierros, acusaciones, campañas de desprestigio y a una causa de beatificación que continúa bloqueada.

En El caso sor Patrocinio, Juan Valderrama se aproxima a esta figura con la voluntad de revisar el relato dominante que durante más de un siglo la presentó como impostora, conspiradora o símbolo incómodo de una España profundamente dividida. El autor reconstruye su historia desde los documentos, desde el contexto político y religioso de la época y también desde una mirada personal que no oculta su dimensión espiritual.

El libro plantea una pregunta poderosa: ¿qué ocurre cuando una vida queda sepultada bajo la sospecha, la caricatura y el ruido de su tiempo? A partir de ahí, Valderrama propone un recorrido por una existencia atravesada por el sufrimiento, la fe, el poder, la persecución y la memoria. Una historia que conecta con la España del siglo XIX, pero que también dialoga con debates muy actuales: quién construye los relatos, cómo nace una leyenda negra y qué precio pagan quienes se convierten en personajes incómodos para su época.

La figura de sor Patrocinio resulta especialmente fascinante porque no puede leerse desde una sola clave. Fue mística, religiosa, fundadora, mujer influyente, personaje político involuntario y víctima de una campaña que la convirtió en mito y en sospechosa al mismo tiempo. Valderrama se adentra en todos esos matices para intentar separar los hechos de las interpretaciones y devolver humanidad a una mujer convertida durante demasiado tiempo en símbolo.

Durante la entrevista, Juan Valderrama nos hablará del origen de esta investigación, de los documentos que ha consultado, de la relación de sor Patrocinio con Isabel II, de la fuerza de su devoción, de las acusaciones que pesaron sobre ella y de por qué considera necesario volver a mirar esta historia con menos prejuicios y más profundidad.

El caso sor Patrocinio es, en definitiva, una invitación a revisar una de esas historias en las que se cruzan religión, política, poder, misterio y memoria. Un libro que rescata a una mujer situada en el centro de una feroz batalla entre la luz y la oscuridad, pero también entre la verdad histórica y el relato que terminó imponiéndose.

Sobre el autor

Juan Valderrama es cantante, compositor, periodista y comunicador. Hijo de Juanito Valderrama y Dolores Abril, ha desarrollado una trayectoria artística propia en la que ha combinado música, palabra, memoria y divulgación cultural. En El caso sor Patrocinio se adentra en una investigación de fuerte carga histórica y espiritual para recuperar la figura de una mujer decisiva, controvertida y durante décadas profundamente malinterpretada.

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La novela tiene como protagonista a Melisa Arranz, una joven de origen humilde que llega desde Burgos para servir en la casa de los Llebrera, una familia acomodada de la Barcelona de la época. En apariencia, Melisa ocupa un lugar secundario, discreto, casi invisible. Pero desde ese espacio reservado a las criadas observa mucho más de lo que otros imaginan: los silencios de la casa, las relaciones de poder, las traiciones, las pasiones prohibidas y los secretos que pueden cambiar una vida.

Escucha aquí la entrevista de Marta Platel con Julián Garvín:

Una mirada a la posguerra desde las cocinas y los pasillos

El baile de las criadas pone el foco en un punto de vista especialmente poderoso: el de aquellas mujeres que, durante la posguerra, tuvieron que dejar atrás sus hogares, sus familias y, en muchos casos, sus propios sueños para trabajar en casas ajenas. Mujeres que vivieron la historia desde los márgenes, pero que fueron testigos privilegiados de todo lo que ocurría a su alrededor.

Marta Platel construye una novela de intriga histórica, pero también una historia profundamente humana. Bajo la apariencia de una trama de secretos familiares, identidades ocultas y tensiones sociales, late un homenaje a una generación de mujeres que sobrevivió en silencio, que sostuvo casas que no eran suyas y que aprendió a moverse en un mundo donde casi todo estaba decidido por los demás.

La Barcelona de 1941 se convierte así en mucho más que un escenario. Es una ciudad gris, vigilada, herida, donde los vencedores intentan consolidar su poder y los vencidos buscan simplemente seguir adelante. En ese contexto, cualquier gesto de rebeldía, cualquier acto de ayuda o cualquier verdad escondida puede tener consecuencias inesperadas.

Una novela de secretos, clase social e identidad

El baile de las criadas habla de criadas y señores, de apariencias y privilegios, de miedo y deseo, de lo que se dice y de lo que se calla. La casa de los Llebrera funciona como un pequeño mundo cerrado en el que cada personaje guarda algo, y en el que la protagonista tendrá que descubrir hasta qué punto la verdad puede ser una forma de liberación, pero también un peligro.

La novela mezcla con fluidez elementos de suspense, romance, drama familiar y memoria histórica. Su gran acierto está en situar en el centro a quienes habitualmente quedaban fuera del relato oficial: mujeres pobres, empleadas del hogar, jóvenes obligadas a sobrevivir en un tiempo hostil y personajes anónimos capaces de arriesgarlo todo por proteger a otros.

Con esta obra, Marta Platel se consolida como una autora interesada en las grandes historias emocionales, los secretos del pasado y los personajes femeninos marcados por la fuerza, la intuición y la capacidad de resistencia.

Premio Fernando Lara 2026

El baile de las criadas ha sido reconocida con el Premio Fernando Lara de Novela 2026, uno de los galardones más destacados del panorama literario español. La obra se impuso en la trigésima primera edición del premio y llega a las librerías con el respaldo de Editorial Planeta.

El reconocimiento supone un importante paso en la trayectoria literaria de Marta Platel, que ya había debutado con El último vuelo de la abeja reina, una novela que tuvo una gran acogida entre lectores y crítica especializada. Ahora, con El baile de las criadas, la autora da un nuevo salto con una historia ambiciosa, elegante y muy visual, capaz de combinar documentación histórica y emoción narrativa.

Sobre la autora

Marta Platel y Julián Garvín en los estudios de KISS FM.

Marta Platel nació en Barcelona, ciudad en la que reside actualmente. Es licenciada en Ciencias de la Información por la Universitat Autònoma de Barcelona y ha desarrollado una amplia trayectoria profesional en el mundo de las revistas y el periodismo. Tras sus inicios en El Día de Catalunya, fue jefa de redacción de TodoSport y World Action Sports, coordinó la edición española de Sports Illustrated Swimsuit y trabajó también en la revista de decoración Interiores. El último vuelo de la abeja reina fue su primera novela. El baile de las criadas es su segunda obra de ficción y la novela ganadora del Premio Fernando Lara 2026.

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La novela arranca en Canarias, en 2019. Mara Denis, periodista, llega a La Palma para realizar un reportaje, pero lo que parecía un encargo profesional termina convirtiéndose en una investigación íntima y dolorosa. Allí descubre que el nombre de su bisabuela, Catalina Quintana, figura entre las víctimas del Valbanera, un hallazgo que contradice todo lo que creía saber sobre su propia familia.

A partir de ese descubrimiento, La memoria de las olas despliega una historia que se mueve entre tiempos y territorios: Canarias, Cuba y Miami; 1919 y el presente; el viaje de quienes emigraron buscando una vida mejor y el de quienes, generaciones después, intentan reconstruir los silencios que heredaron.

Mira nuestra entrevista con la autora. Julián Garvín conversa con Mirta sobre sus raíces familiares y su peso en el texto:

También puedes escucharla en formato SOLO AUDIO.

Una novela sobre lo que el mar arrebata y la memoria devuelve

El Valbanera fue durante décadas una herida sumergida. Un barco cargado de sueños, de despedidas y de familias que cruzaban el Atlántico con la esperanza de empezar de nuevo. Su hundimiento se convirtió en una tragedia colectiva, pero también en una suma de historias personales que muchas veces quedaron sin contar.

Mirta Ojito convierte ese episodio histórico en el punto de partida de una novela profundamente humana. Más que reconstruir únicamente un naufragio, La memoria de las olas habla de todo lo que queda después: los secretos familiares, las versiones incompletas del pasado, las mujeres que sostienen la vida en medio de la adversidad y la necesidad de mirar atrás para comprender quiénes somos.

Catalina Quintana, la bisabuela de Mara, se convierte así en una figura central: una mujer marcada por su tiempo, por la emigración, por la maternidad, por el deseo de proteger a los suyos y por una tragedia que termina sepultando su historia bajo el océano durante un siglo.

Canarias, Cuba y Miami: tres orillas para una misma historia

Uno de los grandes atractivos de la novela es su capacidad para conectar distintas rutas migratorias. La historia de Catalina remite al viaje de tantos canarios hacia Cuba a comienzos del siglo XX, mientras que la de Mara dialoga con otra memoria más reciente: la de quienes dejaron Cuba y buscaron una nueva vida en Estados Unidos.

En ese cruce de orillas, Mirta Ojito aborda temas que han atravesado también su trayectoria periodística: la emigración, la pertenencia, el desarraigo, la identidad y la forma en que las familias transmiten, a veces sin palabras, sus heridas y sus esperanzas.

La novela plantea una pregunta poderosa: ¿qué ocurre cuando descubrimos que nuestra historia familiar no era exactamente como nos la habían contado? Y, sobre todo, ¿qué hacemos con esa verdad cuando por fin emerge?

Una periodista frente a la ficción

Mirta Ojito llega a la novela después de una amplia carrera en el periodismo. Nacida en La Habana, ha trabajado en medios como The Miami Herald, El Nuevo Herald y The New York Times. Ganadora de un Premio Pulitzer y de un Emmy, también ha sido profesora de periodismo en la Universidad de Columbia y es autora de libros de no ficción.

En La memoria de las olas, esa mirada periodística se nota en la atención al detalle, en el interés por los hechos y en la voluntad de escuchar a quienes quedaron fuera de los grandes relatos. Pero la ficción le permite ir más allá: imaginar las emociones, los miedos, las decisiones y los silencios de quienes vivieron una tragedia de la que apenas quedaron respuestas.

El resultado es una novela de memoria y de búsqueda, pero también una historia de mujeres fuertes, de vínculos familiares y de vidas atravesadas por el mar.

La memoria de las olas, una historia que vuelve a la superficie

Publicada en la colección Espasa Narrativa, La memoria de las olas es una novela contemporánea con alma histórica. A lo largo de sus páginas, Mirta Ojito construye una saga familiar que invita a mirar el pasado sin nostalgia fácil, con emoción, pero también con lucidez.

El libro habla de quienes se marchan, de quienes esperan, de quienes desaparecen y de quienes, mucho tiempo después, se atreven a preguntar. Porque hay historias que parecen hundidas para siempre, pero que un día regresan con la fuerza de una ola.

Sobre la autora

Mirta Ojito nació en La Habana y es periodista y escritora. Ha trabajado en The Miami Herald, El Nuevo Herald y The New York Times. Ganado

ra de un Premio Pulitzer y de un Emmy, ha sido profesora de periodismo en la Universidad de Columbia y es autora de dos libros de no ficción galardonados. Actualmente vive en Miami y es directora sénior de NBC News Standards en Telemundo Network. La memoria de las olas es su primera novela.

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La psicóloga y sexóloga publica Ghosting, celos, rupturas y otros dramas modernos, un libro para entender por qué amar parece cada vez más difícil y cómo construir relaciones más sanas en la era digital

La psicóloga y sexóloga Cecilia Martín ha pasado por KISS FM para presentar Ghosting, celos, rupturas y otros dramas modernos, un libro que pone palabras a muchas de las situaciones que marcan hoy las relaciones sentimentales: desapariciones sin explicación, conversaciones que se enfrían de golpe, vínculos ambiguos, celos alimentados por las redes sociales, rupturas sin cierre y esa sensación, tan contemporánea, de que amar se ha convertido en una carrera de obstáculos.

Mira la entrevista de la autora con Julián Garvín:

También puedes escucharla en formato solo audio:

En una época en la que conocer a alguien parece más fácil que nunca, mantener un vínculo claro, honesto y estable puede resultar cada vez más complicado. Mensajes que se quedan sin respuesta, perfiles que prometen infinitas posibilidades, miedo al compromiso, inseguridad, comparación permanente y una dificultad creciente para tolerar la frustración forman parte del paisaje emocional que Cecilia Martín analiza en este libro con mirada psicológica, cercana y práctica.

Un mapa emocional para entender cómo amamos hoy

Ghosting, celos, rupturas y otros dramas modernos nace como una guía para comprender qué nos ocurre cuando el amor se cruza con la tecnología, la inmediatez y la incertidumbre. El libro aborda fenómenos que ya forman parte del vocabulario sentimental de toda una generación, como el ghosting, el breadcrumbing o los llamados vínculos líquidos, pero lo hace sin quedarse en la etiqueta fácil.

Cecilia Martín propone mirar más allá del drama puntual para entender qué heridas, miedos o patrones de apego pueden esconderse detrás de muchas relaciones que empiezan con intensidad y terminan en silencio, confusión o desgaste emocional. Su objetivo no es demonizar las nuevas formas de relacionarnos, sino ayudarnos a identificar qué necesitamos, qué límites conviene poner y cómo cuidar mejor nuestra autoestima cuando una relación no avanza como esperábamos.

Ghosting: el dolor de quedarse sin respuesta

Uno de los grandes temas del libro es el ghosting, esa desaparición repentina de una persona con la que existía algún tipo de vínculo emocional. No importa si la relación era larga o breve: cuando alguien se marcha sin explicación, deja a la otra persona atrapada en una pregunta que no siempre tiene respuesta.

Cecilia Martín explica que ese silencio puede doler tanto porque impide cerrar la historia. No hay una conversación final, no hay una explicación clara, no hay un punto y aparte. Y, en ausencia de respuestas, muchas personas tienden a culparse, a repasar cada mensaje o a buscar una razón que quizá nunca llegará. El libro ofrece herramientas para dejar de esperar una explicación externa y empezar a reconstruir el propio cierre emocional.

Celos, redes sociales y límites en la pareja

La autora también se detiene en los celos, uno de los grandes conflictos de las relaciones actuales. En tiempos de likes, mensajes privados, conversaciones paralelas y exposición constante, muchas parejas se encuentran ante preguntas nuevas: ¿qué se considera una traición?, ¿dónde empieza una infidelidad emocional?, ¿qué límites conviene pactar?, ¿cuánto control es demasiado control?

Lejos de plantear respuestas cerradas, Cecilia Martín invita a hablar con claridad dentro de la pareja. Muchas crisis no nacen únicamente de lo que sucede, sino de no haber hablado nunca de lo que cada uno espera, necesita o considera importante. La comunicación, los acuerdos y la confianza aparecen así como piezas esenciales para construir relaciones menos reactivas y más conscientes.

Seguir creyendo en el amor sin caer en viejas trampas

Aunque el libro parte de algunos de los grandes dolores sentimentales de nuestro tiempo, no es una renuncia al amor. Al contrario: Ghosting, celos, rupturas y otros dramas modernos propone seguir creyendo en los vínculos, pero desde un lugar más adulto, más honesto y más responsable.

Cecilia Martín defiende que amar no debería ser vivir instalado en la ansiedad, la vigilancia o la espera permanente de un mensaje. Una relación sana no es la que evita todos los conflictos, sino la que permite hablar, reparar, crecer y sentirse seguro sin dejar de ser uno mismo.

Con un tono divulgativo y práctico, el libro se convierte en una lectura especialmente útil para quienes han sufrido una ruptura difícil, se han quedado enganchados a una relación ambigua, sienten que repiten patrones o quieren aprender a relacionarse de una forma más libre y menos dañina.

Sobre la autora

Cecilia Martín es psicóloga y sexóloga, experta en terapia de pareja y sexualidad. Es directora del Instituto Psicode y autora de libros como Amor orgásmico y Ghosting, celos, rupturas y otros dramas modernos. A lo largo de su trayectoria profesional ha acompañado a numerosas personas y parejas en procesos relacionados con la autoestima, el deseo, la comunicación, las rupturas, los celos y las dificultades emocionales que atraviesan los vínculos afectivos.

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El artista y escritor David Martínez Álvarez, Rayden, presenta ahora su cuarta novela, una obra publicada por SUMA que nace inspirada por una de sus canciones más especiales, Haz de luz, y que confirma su capacidad para trasladar al territorio literario esa sensibilidad poética que siempre ha acompañado a su música.

Mira la entrevista que ha mantenido con Julián Garvín:

También puedes escucharla en formato solo audio:

Un viaje desde Jerez hasta las islas Cíes

El punto de partida de la novela tiene algo de fábula contemporánea. Lumen, ciego de nacimiento, recupera la vista gracias a la biomedicina. Después de toda una vida imaginando el mundo sin haberlo visto, decide emprender un viaje desde Jerez de la Frontera hasta las islas Cíes. Para hacerlo necesita a Lincoln, un taxista —o alguien que se le parece bastante— que acabará convirtiéndose en mucho más que un simple conductor.

A partir de ese encuentro, El ciego que describía el mundo construye una historia de carretera, de descubrimiento y de aprendizaje. Porque el viaje no consiste solo en llegar a un destino, sino en entender qué hacemos con aquello que vemos por primera vez. Y, sobre todo, en descubrir que ver no siempre significa mirar.

Una novela sobre la mirada, la memoria y las personas que nos cambian

Rayden propone una novela de personajes, de emociones y de vínculos inesperados. Lumen y Lincoln avanzan juntos por el mapa, pero también por sus propias dudas, miedos y contradicciones. La carretera funciona aquí como escenario y como metáfora: cada kilómetro abre una pregunta nueva sobre la identidad, la memoria, la familia elegida, los traumas heredados y esas personas que aparecen en nuestra vida para enseñarnos algo que no sabíamos que necesitábamos aprender.

Dos años después de aquel viaje, Lincoln recuperará las enseñanzas de Lumen para guiar a cuatro amigos que se dirigen a Lisboa con el propósito de cumplir un último deseo. Así, la novela traza un puente entre dos momentos vitales y recuerda que hay experiencias que no terminan cuando se acaba el trayecto: se quedan dentro, nos modifican y vuelven a aparecer cuando otra persona necesita ser acompañada.

De la canción a la novela

Uno de los aspectos más interesantes de El ciego que describía el mundo es su origen musical. La novela está inspirada en Haz de luz, una canción de Rayden que ya contenía muchas de las ideas que ahora se expanden en estas páginas: la esperanza, la percepción, la belleza de lo cotidiano y la necesidad de mirar con más atención aquello que tenemos delante.

En el paso de la canción a la novela, Rayden encuentra espacio para desarrollar personajes, silencios, paisajes y conversaciones. Lo que en la música funciona como destello emocional, aquí se convierte en una historia más amplia, con humor, ternura y profundidad. Una novela que mantiene el pulso lírico del autor, pero que avanza con ritmo narrativo y vocación de llegar a lectores muy distintos.

Rayden, una voz propia también en la literatura

Aunque muchos le conocieron primero por su trayectoria musical, Rayden ha ido construyendo en los últimos años una obra literaria con personalidad propia. Tras sus libros de poesía y sus anteriores novelas, vuelve ahora con una historia que refuerza algunas de sus grandes constantes creativas: la importancia de las palabras, la emoción sin impostura, los personajes heridos pero luminosos y esa búsqueda de belleza incluso en los lugares más inesperados.

El ciego que describía el mundo es una novela sobre el acto de mirar con calma, sobre la necesidad de detenernos y sobre la posibilidad de que alguien nos enseñe a ver la vida de otra manera. Un libro para quienes disfrutan de las historias con corazón, de los viajes que transforman y de los personajes que se quedan acompañando al lector mucho después de cerrar la última página.

Sobre el autor

David Martínez Álvarez, Rayden, es escritor, cantante y productor musical nacido en Alcalá de Henares en 1985. En su faceta literaria ha publicado libros de poesía y narrativa como Herido diario, TErminAMOs y otros poemas sin terminar, El mundo es un gato jugando con Australia, Cantinela, Amoratado, El acercamiento de la mujer cactus y el hombre globo, Votos en contra y El taller de los niños interiores. Con El ciego que describía el mundo firma su cuarta novela y continúa ampliando un universo creativo en el que conviven música, poesía, emoción y ficción.

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La novela arranca en Kryos, un territorio golpeado por la invasión del Imperio Rojo. En medio del frío, el miedo y la destrucción, Liv, una joven de dieciséis años, se ve obligada a convertirse en el escudo de su familia cuando sus dos hermanos pequeños son secuestrados dentro de un plan organizado de deportación de menores.

A partir de ese momento, Liv y su hermano mayor emprenden una búsqueda desesperada para intentar recuperarlos. Sin más armas que su instinto, su determinación y el amor por los suyos, ambos atraviesan un paisaje devastado por la guerra: pueblos fantasma, hospitales bombardeados, campamentos de reeducación y caminos donde confiar en la persona equivocada puede ser una sentencia. Ha charlado con Julián Garvín sobre el libro y su carrera de escritora:

Un thriller bélico inspirado en hechos reales

La ciudad de los girasoles combina el pulso del thriller con una mirada profundamente sensible hacia las víctimas más vulnerables de la guerra. Marta Solano construye una historia de tensión, supervivencia y esperanza que, sin caer en el morbo, pone el foco en quienes muchas veces quedan fuera de los grandes titulares: los niños separados de sus familias, los adolescentes obligados a crecer demasiado pronto y los héroes anónimos que arriesgan la vida para rescatar a otros.

La novela habla de miedo, pérdida y violencia, pero también de amor, resistencia y humanidad. Porque en mitad del horror, los vínculos familiares se convierten en el último refugio posible. Liv no es una heroína invencible: es una chica que tiene miedo, que duda, que se rompe y que aun así sigue adelante porque sabe que sus hermanos pequeños la necesitan.

Marta Solano, del periodismo a la ficción

Conocida por su trayectoria como periodista y comunicadora, Marta Solano da un nuevo paso en su camino literario con una novela de gran carga emocional. Tras sus anteriores obras de literatura juvenil, La ciudad de los girasoles supone una incursión en un territorio más adulto, oscuro y exigente, donde la documentación periodística y la sensibilidad narrativa se dan la mano.

La autora utiliza la ficción para acercarse a una realidad dolorosa desde otro lugar: no solo desde el dato o la noticia, sino desde la emoción, la empatía y la posibilidad de acompañar a los personajes en su viaje. El resultado es una novela que atrapa por su ritmo, pero que permanece por las preguntas que deja abiertas.

Una historia sobre la guerra, la familia y la esperanza

En La ciudad de los girasoles, la guerra no aparece como un decorado, sino como una fuerza que lo altera todo: la infancia, la identidad, la memoria y la confianza. Sin embargo, la novela no se limita a mostrar la destrucción. También busca la luz en medio de la oscuridad.

Los girasoles del título funcionan como una imagen poderosa: belleza, resistencia y búsqueda de luz incluso en los escenarios más adversos. Una metáfora que acompaña una historia dura, sí, pero también cargada de humanidad.

Marta Solano ha compartido en KISS FM las claves de esta novela, el proceso de documentación, el peso emocional de sus personajes y la necesidad de seguir contando historias que nos ayuden a mirar de frente las consecuencias humanas de la guerra.

La ciudad de los girasoles es una lectura intensa, de las que combinan tensión narrativa y conciencia, y que recuerda que, incluso cuando todo parece perdido, proteger a quienes queremos puede convertirse en el acto más valiente.

Sobre la autora

Marta Solano es periodista y escritora. Licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid, ha desarrollado buena parte de su carrera profesional en televisión y radio, con una amplia trayectoria en informativos, programas de actualidad y coberturas especiales. Como autora, ha publicado anteriormente El viaje del samurái y El mensajero de las estrellas. Con La ciudad de los girasoles firma una novela de inspiración real, marcada por el pulso del thriller y una profunda mirada humana sobre las víctimas de los conflictos bélicos.

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La novela arranca con el asesinato de Rebecca Rönn, una reconocida activista cuya muerte sacude a la ciudad. Muy pronto, todas las pistas parecen apuntar hacia un grupo de inmigrantes indocumentados. La policía da el caso prácticamente por resuelto, pero en la redacción del Dagbladet el periodista Sven Nygren empieza a sospechar que la verdad puede ser mucho más incómoda.

A partir de ahí, Jaque a la reina despliega una investigación que va mucho más allá de un crimen. La novela habla de los mecanismos del poder, de los prejuicios sociales, de la fragilidad de quienes viven en los márgenes y también del papel del periodismo cuando la versión oficial no basta. Junto a Sven aparece Anne Suyin, corresponsal internacional que regresa a Suecia en un momento personal complicado y que acabará implicándose en una búsqueda de la verdad tan peligrosa como reveladora.

Una ciudad que acoge, un sistema que mata

Con el lema “Una ciudad que acoge. Un sistema que mata”, la novela plantea una de sus grandes preguntas de fondo: ¿qué ocurre cuando una sociedad que presume de proteger a todos empieza a fallar precisamente con quienes menos capacidad tienen para defenderse?

Malmö no funciona solo como escenario, sino casi como un personaje más. Sus calles, sus contrastes y sus tensiones sociales sirven de marco para una historia que mezcla acción, suspense y mirada crítica. Jaque a la reina no se limita a construir una intriga criminal: también propone una reflexión sobre cómo se fabrican los culpables, cómo se imponen determinados relatos y hasta qué punto el periodismo puede incomodar cuando decide seguir haciendo preguntas.

Periodismo convertido en novela negra

Lena Sundström y Jens Mikkelsen conocen muy bien el terreno sobre el que escriben. Ambos son periodistas de investigación y trasladan a la ficción esa experiencia con las fuentes, los silencios, los expedientes, las contradicciones y las zonas grises del poder. El resultado es una novela de ritmo intenso, con personajes marcados por sus propias heridas y una trama que combina investigación, denuncia social y tensión narrativa.

El libro conecta con una tradición de novela negra nórdica que no se conforma con resolver un crimen, sino que utiliza el crimen como puerta de entrada a los conflictos de una sociedad. En Jaque a la reina hay misterio, giros y peligro, pero también una mirada especialmente atenta a quienes quedan fuera del foco, a quienes son señalados demasiado pronto y a quienes apenas tienen oportunidad de contar su versión.

Una historia sobre la verdad, los prejuicios y el precio de investigar

Más allá de la investigación policial, Jaque a la reina plantea una cuestión profundamente actual: quién tiene derecho a ser creído y quién es considerado sospechoso desde el principio. Esa pregunta atraviesa toda la novela y convierte la historia en algo más que un thriller.

Sven Nygren y Anne Suyin no solo buscan resolver un asesinato. Buscan entender qué se esconde detrás de una versión demasiado cómoda, qué intereses se protegen y qué sucede cuando mirar hacia otro lado resulta más fácil que aceptar una verdad incómoda.

Con esta obra, Lena Sundström y Jens Mikkelsen firman una novela negra poderosa, ambiciosa y muy pegada a las preocupaciones del presente. Una historia de periodistas, de víctimas invisibles y de sistemas que pueden fallar incluso cuando parecen diseñados para proteger.

Sobre los autores

Lena Sundström es periodista y escritora. Ha desarrollado una amplia trayectoria en el periodismo de investigación y ha trabajado en televisión, prensa y proyectos documentales. Su mirada crítica hacia la sociedad contemporánea, los discursos de poder y las tensiones políticas atraviesa buena parte de su trabajo.

Jens Mikkelsen es periodista de investigación y ha trabajado durante años en medios suecos, con especial atención a asuntos sociales, crimen organizado, exclusión y realidades urbanas complejas. En Jaque a la reina, ambos autores unen experiencia periodística y pulso narrativo para construir una novela negra de gran carga social.

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Periodista y escritora, Dabán se adentra en diecinueve historias reales protagonizadas por personajes que desafían cualquier intento de clasificación. Reyes obsesionados con su imagen, monjas que empuñaron la espada, papas sometidos a juicios imposibles o héroes inesperados que cambiaron el curso de los acontecimientos son algunos de los protagonistas de este recorrido histórico.

Aquí puedes escuchar la entrevista completa que María Dabán ha tenido con Julián Garvín.

Cuando la realidad supera a la ficción

Uno de los grandes atractivos del libro es precisamente la capacidad de demostrar que los hechos reales pueden resultar tan apasionantes como cualquier novela. A través de una narración ágil, cercana y repleta de curiosidades, María Dabán acerca al gran público episodios poco conocidos que permiten observar la historia desde una perspectiva diferente.

Lejos de los grandes manuales académicos, la autora apuesta por rescatar pequeñas historias que revelan el lado más humano, extravagante y sorprendente de quienes protagonizaron distintas épocas. El resultado es una lectura entretenida que combina rigor documental con una clara vocación divulgativa.

Un viaje por personajes únicos

Las páginas de Cada loco con su historia reúnen una galería de personajes extraordinarios que desafían los tópicos asociados a la historia tradicional. Algunos fueron olvidados injustamente; otros quedaron relegados a una nota al pie pese a protagonizar acontecimientos increíbles.

El libro permite además descubrir figuras femeninas poco conocidas, personajes que rompieron las normas sociales de su tiempo y episodios que muestran hasta qué punto la condición humana ha cambiado mucho menos de lo que solemos pensar.

La historia como herramienta para entendernos

Más allá de la anécdota o la curiosidad, la obra invita a reflexionar sobre cuestiones plenamente actuales. Ambición, poder, fama, miedo, valentía o deseo de trascendencia aparecen reflejados en personajes separados por siglos de distancia pero sorprendentemente cercanos a nuestra forma de entender el mundo.

Con esta propuesta, María Dabán demuestra que la divulgación histórica puede ser tan entretenida como rigurosa y que todavía quedan innumerables historias por descubrir entre los pliegues del pasado.

Sobre María Dabán

María Dabán es periodista, escritora y colaboradora habitual en distintos medios de comunicación. Su trayectoria profesional ha estado vinculada al análisis de la actualidad, la divulgación cultural y la comunicación. Con Cada loco con su historia debuta en el ámbito del ensayo histórico, acercando al lector episodios reales tan sorprendentes como desconocidos mediante un estilo cercano, dinámico y accesible.

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Editado por Sílex Ediciones, Soundtrack recorre más de veinte años de trabajo de uno de los nombres más reconocibles de la fotografía musical en España. Sus páginas reúnen imágenes en color y en blanco y negro, retratos, escenas de concierto, momentos íntimos y fragmentos de una vida profesional marcada por la cercanía con los artistas y por una mirada muy personal sobre el oficio de hacer canciones.

Por el objetivo de Juan Pérez-Fajardo han pasado artistas de estilos y generaciones muy distintas. En el libro aparecen nombres como Rosendo, Patti Smith, ZZ Top, Ara Malikian, Anna Calvi, C. Tangana, Steve Van Zandt, Edurne o Diego el Cigala. Músicos muy diferentes entre sí, pero unidos por una misma sensibilidad fotográfica: la de alguien que no se limita a capturar una imagen potente, sino que intenta encontrar la verdad que hay detrás del personaje.

Ese es uno de los grandes valores de Soundtrack. El libro no funciona únicamente como una colección de fotografías espectaculares, sino como una forma de entrar en el corazón de la música. Hay escenarios, camerinos, sesiones, silencios, luces, sombras y gestos que permiten mirar al artista desde otro lugar. No desde la distancia del mito, sino desde la proximidad de quien sabe esperar el momento exacto.

El volumen cuenta además con un prólogo de Coque Malla y un epílogo de Fito Cabrales, dos músicos fundamentales para entender la relación de Juan Pérez-Fajardo con el rock, las canciones y la escena musical española. Sus nombres aportan al libro una dimensión emocional añadida, porque Soundtrack también es una obra construida desde la complicidad, la confianza y el respeto mutuo entre fotógrafo y músico.

La trayectoria de Pérez-Fajardo va más allá de la fotografía. Su mirada también se ha desarrollado en el terreno audiovisual y cinematográfico. Fue nominado al Goya al mejor cortometraje de animación por Hasta la muerte y ha dirigido documentales musicales como Esplendor y caída: The Garlic Phantoms, M-Clan: Caminos secundarios y Tarque, donde nace el rock and roll. Esa experiencia se percibe en muchas de sus imágenes, que parecen contener una historia completa en apenas un encuadre.

En una época en la que se hacen miles de fotografías al día y muchas se consumen en segundos, Soundtrack reivindica justo lo contrario: mirar despacio. Detenerse en un rostro, en una postura, en una luz o en una emoción. Recordar que la fotografía musical no solo sirve para documentar un concierto o promocionar un disco, sino también para construir memoria.

Juan Pérez-Fajardo viene a presentarnos este libro, una obra que resume una manera de entender la música desde dentro. Soundtrack es un viaje por canciones, escenarios y artistas, pero también por la sensibilidad de un fotógrafo que ha sabido convertir cada imagen en una forma distinta de escuchar.

Sobre el autor

Juan Pérez-Fajardo es fotógrafo profesional especializado en música y uno de los grandes referentes de la fotografía musical en España. A lo largo de más de dos décadas ha retratado a artistas nacionales e internacionales en conciertos, sesiones, camerinos y giras.

Además de su trabajo fotográfico, ha desarrollado una destacada trayectoria audiovisual, con proyectos vinculados al documental musical y la animación. Fue nominado al Goya al mejor cortometraje de animación por Hasta la muerte y ha dirigido documentales como M-Clan: Caminos secundarios y Tarque, donde nace el rock and roll.

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Cherry Chic regresa a las librerías con Giulia, el amor y un puñado de lavanda, su nueva novela publicada por Editorial Planeta. Una historia llena de emoción, nostalgia y segundas oportunidades que lleva al lector hasta Valdelila, el pueblo de los veranos de infancia de su protagonista.

La escritora visita KISS FM para presentarnos una novela en la que el amor romántico comparte espacio con la familia, los recuerdos, las heridas emocionales y esa extraña sensación de volver a un lugar que, a pesar del paso del tiempo, todavía puede sentirse como un hogar.

Giulia regresa al pueblo que dejó atrás hace diez años

Giulia entra en Valdelila con la intención de realizar una gestión y marcharse cuanto antes. Han pasado diez años desde la última vez que visitó el pequeño pueblo andaluz en el que vivió algunos de los veranos más importantes de su infancia y no parece dispuesta a permitir que los recuerdos alteren la vida que ha construido lejos de allí.

Sin embargo, regresar nunca es tan sencillo.

En Valdelila todavía permanece una casa marcada por la lavanda de sus abuelos, una familia que intenta mantenerse unida y un niño capaz de poner su mundo patas arriba. También está León, un hombre que lleva años refugiado en sus rutinas, sus silencios y su fama de ser el gruñón oficial del pueblo.

Él no esperaba que Giulia regresara. Ella tampoco esperaba encontrar tantos motivos para quedarse.

Una mentira que puede convertirse en una historia de amor

La relación entre Giulia y León comienza con una mentira aparentemente inofensiva: ambos tendrán que fingir que están juntos. Ese acuerdo los obligará a compartir tiempo, a enfrentarse a sus prejuicios y a descubrir qué se esconde detrás de las barreras que han levantado para protegerse.

Entre rutinas caóticas, roces cargados de tensión y una atracción cada vez más difícil de ignorar, los protagonistas comprobarán que las mejores historias pueden comenzar justo cuando uno deja de intentar controlarlo todo.

Giulia, el amor y un puñado de lavanda reúne algunos de los recursos más queridos por los lectores de novela romántica contemporánea, como el fake dating, el enemies to lovers, el contraste entre un personaje gruñón y otro más luminoso, el romance que avanza lentamente y la creación de una familia elegida.

Valdelila, un refugio lleno de recuerdos y lavanda

El pequeño pueblo andaluz en el que se ambienta la novela es mucho más que un escenario. Valdelila funciona como un refugio emocional, un lugar lleno de vecinos, vínculos y recuerdos que obliga a Giulia a enfrentarse a todo aquello que creía haber dejado atrás.

La lavanda se convierte en uno de los grandes símbolos de la historia. Su aroma conecta el presente con los veranos de la infancia, con la casa de los abuelos y con esa parte de nosotros mismos que permanece intacta incluso después de muchos años de ausencia.

Cherry Chic construye así una ambientación evocadora en la que regresar no significa necesariamente retroceder. A veces, volver al punto de partida es la única forma de descubrir hacia dónde se quiere avanzar.

Una novela romántica que también habla de sanar

Las historias de Cherry Chic ponen el foco en el romance, pero nunca se limitan únicamente al amor de pareja. Sus novelas también hablan de la familia, de la amistad, de las pérdidas y de las personas que aparecen en el momento preciso para ayudarnos a recomponernos.

En esta nueva historia, Giulia y León son dos adultos con cicatrices emocionales que encuentran consuelo el uno en el otro, pero también en un niño que los necesita. La novela plantea qué sucede cuando alguien nos obliga a salir de nuestro propio dolor y a mirar de nuevo hacia el futuro.

Giulia, el amor y un puñado de lavanda es una historia sobre personajes rotos que comienzan a sanar, sobre la posibilidad de volver a confiar y sobre esos lugares que siguen esperando nuestro regreso incluso cuando creemos haberlos olvidado.

Cherry Chic visita KISS FM

Durante su entrevista en KISS FM, Cherry Chic nos habla del origen de Giulia y León, de la importancia de la lavanda, de la creación de Valdelila y de los ingredientes que han convertido sus historias en una referencia para miles de lectores.

La autora también reflexiona sobre su trayectoria, el crecimiento de su comunidad lectora y la evolución de una novela romántica que puede hablar de enamorarse, pero también de familia, identidad, duelo, amistad y segundas oportunidades.

Sobre Cherry Chic

Cherry Chic es el seudónimo de Lorena, autora malagueña de novela romántica contemporánea. A lo largo de su trayectoria ha construido una comunidad lectora muy fiel gracias a historias llenas de emoción, personajes cercanos y relaciones humanas reconocibles.

Su vínculo con Málaga y con el sur también está muy presente en su forma de escribir. En sus novelas, los paisajes no son un simple decorado, sino lugares vivos que influyen en los personajes y que terminan formando parte de la experiencia del lector.

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Lejos de los tópicos y del silencio que durante años ha rodeado esta etapa, Mujeres de hierro se presenta como una guía para entender qué ocurre en el cuerpo, por qué cambia la composición corporal, cómo influye el sueño, qué papel juega la alimentación y por qué el ejercicio de fuerza se ha convertido en una herramienta clave para la salud femenina.

Un libro para entender qué está pasando en el cuerpo

“¿Por qué la grasa se ha instalado en mi abdomen?”, “¿de dónde sale esta niebla mental?”, “¿por qué hay días en los que no puedo con la vida?”. El libro parte de preguntas muy reales que muchas mujeres se hacen durante la perimenopausia y la menopausia, una etapa en la que el cuerpo puede cambiar de forma evidente y, muchas veces, desconcertante.

Boticaria García y Javier Butragueño plantean Mujeres de hierro como un “abecedario de supervivencia metabólica”, un recorrido que va desde la A de abdomen hasta la Z de sueño, pasando por cuestiones como los complementos alimenticios, la alimentación real, el entrenamiento, la energía, el descanso o la salud metabólica.

El objetivo no es prometer milagros, sino ofrecer información clara y herramientas prácticas para atravesar esta etapa con más conocimiento, menos culpa y más capacidad de acción.

La fuerza como aliada de la salud femenina

Uno de los grandes ejes del libro es el papel del músculo. En Mujeres de hierro, el entrenamiento de fuerza aparece no como una cuestión estética, sino como una inversión en salud, autonomía y longevidad.

La pérdida de masa muscular, los cambios en la distribución de la grasa, la fatiga o la peor calidad del sueño son algunos de los temas que atraviesan el libro. Frente a la idea de que todo se resuelve simplemente “comiendo menos”, los autores proponen un enfoque más completo: moverse mejor, entrenar fuerza, cuidar la alimentación, descansar y entender los cambios hormonales sin caer en soluciones rápidas ni en mensajes alarmistas.

El libro también busca derribar una barrera muy común: la de pensar que entrenar fuerza exige mucho tiempo, mucho material o una forma física previa. La propuesta pasa por incorporar hábitos sostenibles, adaptados a la vida real y pensados para mujeres que quieren recuperar energía y sentirse mejor.

Divulgación con rigor, humor y lenguaje claro

Boticaria García ha convertido la divulgación científica en una marca propia: rigor, humor y capacidad para explicar temas complejos de forma sencilla. En Mujeres de hierro, ese tono se pone al servicio de un asunto especialmente importante, porque afecta a millones de mujeres y todavía sigue rodeado de dudas, mitos y silencios.

La autora aborda la menopausia sin dramatismo, pero también sin frivolizar. Habla de síntomas, metabolismo, abdomen, sueño, alimentación y suplementos con un lenguaje directo, accesible y pensado para que cualquier lectora pueda reconocer lo que le pasa y encontrar un punto de partida.

Junto a ella firma el libro Javier Butragueño, doctor en Ciencias de la Actividad Física y del Deporte y especialista en ejercicio aplicado a la obesidad, el metabolismo y la salud de la mujer. Ambos son cofundadores de Cuerpos Serranos, una plataforma centrada en el entrenamiento de fuerza en casa y en la mejora de la salud durante la perimenopausia y la menopausia.

Una conversación necesaria sobre la menopausia

La publicación de Mujeres de hierro llega en un momento en el que cada vez más mujeres reclaman información rigurosa sobre una etapa que durante mucho tiempo se ha tratado poco o se ha contado desde el miedo. El libro propone cambiar el enfoque: no hablar de decadencia, sino de construcción; no asumir resignación, sino entender qué hábitos pueden ayudar a vivir mejor.

En la entrevista, Boticaria García nos hablará de los principales mitos sobre la menopausia, de la importancia de la masa muscular, de los errores más frecuentes en la alimentación, del impacto del descanso, de los suplementos que tienen sentido y de cómo empezar a cuidarse sin caer en soluciones imposibles.

Mujeres de hierro es, en definitiva, una invitación a mirar la perimenopausia y la menopausia con más ciencia, más humor y menos culpa. Una guía para mujeres que quieren entender su cuerpo y tomar decisiones informadas sobre su salud.

Sobre Boticaria García

Boticaria García es el nombre con el que se ha hecho popular Marián García, doctora en Farmacia, nutricionista y óptico-optometrista. Divulgadora científica, autora y colaboradora habitual en medios de comunicación, se ha consolidado como una de las voces más reconocibles de la divulgación en salud en España gracias a su capacidad para explicar con rigor y cercanía asuntos relacionados con la nutrición, los hábitos saludables y la ciencia cotidiana. Entre sus libros anteriores figuran títulos como Tu cerebro tiene hambre y Misterio en el supermercado. Mujeres de hierro es su nuevo libro, escrito junto a Javier Butragueño.

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Este es el punto de partida de Menina a mi pesar, la nueva novela de Juan Loste, publicada por Durii Editorial. Una historia que combina comedia negra, crítica social e intriga para retratar a una saga nobiliaria incapaz de aceptar que el mundo que conocía ya no existe.

Una aristocracia con goteras, deudas y demasiados secretos

Los Cervina han sobrevivido a sucesivas crisis económicas, a obras interminables y a una realidad que no encaja demasiado bien con la imagen de grandeza que desean proyectar. Lo que para cualquier otra familia sería una situación desesperada, ellos prefieren llamarlo simplemente un contratiempo.

La esperanza aparece cuando un retrato ecuestre del tatarabuelo, olvidado durante años en uno de los pasillos oscuros del palacete, podría ser certificado como una obra auténtica de Ignacio Zuloaga. El cuadro pasaría así de tener un valor casi irrelevante a convertirse en la posible salvación económica de toda la familia.

Pero alguien considera que ese cuadro no debería pertenecerles. Y nadie ha contado con la persona que más sabe sobre lo que ocurre dentro de La Cervina.

La Menina, una narradora que observa desde los márgenes

La gran protagonista de la novela es la heredera menos esperada de los Cervina, conocida como la Menina. Su familia nunca ha sabido muy bien qué hacer con ella, pero esa posición aparentemente secundaria le ha permitido desarrollar una habilidad mucho más valiosa que cualquier título nobiliario: conocer exactamente lo que los demás quieren ocultar.

Con una voz afilada, incómoda y llena de ironía, la Menina observa las contradicciones de quienes la rodean y se convierte en la narradora perfecta para recorrer un universo en el que conviven los privilegios heredados, la decadencia, la corrupción, la identidad, la ambición y el miedo a perder el estatus.

Juan Loste construye un personaje que se niega a ser reducido a la compasión o al papel de víctima. La Menina no busca resultar amable, ejemplar o fácil de querer. Su fuerza reside precisamente en su capacidad para mirar, escuchar, recordar y hablar cuando todos preferirían que siguiera en silencio.

Humor negro para retratar la España actual

Aunque la historia se desarrolla entre los muros de una familia aristocrática, Menina a mi pesar amplía su mirada hacia muchos de los debates que atraviesan la sociedad contemporánea. En sus páginas aparecen la política, la memoria, la ultraderecha, las criptomonedas, el arte contemporáneo, el Orgullo, las aplicaciones de citas, las puertas giratorias y el choque entre distintas generaciones.

La novela utiliza la sátira como una herramienta para desmontar las apariencias y exponer los mecanismos con los que determinadas élites intentan conservar sus privilegios. El humor no suaviza la crítica, sino que la hace todavía más incisiva.

La tradición del esperpento y de la sátira española dialoga aquí con las grandes ficciones contemporáneas sobre familias poderosas, ricas y profundamente disfuncionales. El resultado es una historia muy reconocible, con un palacete madrileño en ruinas, un apellido que pesa demasiado y una protagonista que sabe mucho más de lo que debería.

La tercera novela de Juan Loste

Menina a mi pesar es la tercera novela de Juan Loste, después de Confinados en Gower e Isabelle. Con esta nueva obra, el autor da un giro hacia la sátira costumbrista y la comedia negra, sin abandonar su interés por la identidad, la memoria, las contradicciones humanas y los secretos que condicionan la vida de sus personajes.

El escritor presenta una novela coral, ambiciosa y cargada de actualidad, en la que la intriga familiar sirve como punto de partida para reflexionar sobre la clase social, las apariencias, el poder de la información y la dificultad de adaptarse a un mundo en transformación.

Sobre Juan Loste

Juan Loste nació en León en 1967 y es licenciado en Ciencias Económicas. Antes de dedicarse a la escritura, trabajó durante más de una década en el ámbito financiero en ciudades como Nueva York, Frankfurt y Madrid. Posteriormente participó en el desarrollo de distintas marcas españolas y dirigió un espacio cultural.

Su experiencia en ámbitos relacionados con las finanzas, las marcas, el consumo y la cultura se refleja en una mirada literaria directa, irónica y muy atenta a los códigos sociales, las apariencias y las relaciones de poder.

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La historia arranca con la desaparición del padre de Jano, un suceso que pronto deja claro que no estamos ante un simple secuestro. Detrás se esconde un secreto milenario relacionado con un talismán legendario capaz de alterar el equilibrio del mundo. A partir de ahí, Jano y sus amigos se verán envueltos en una aventura trepidante, llena de leyendas de dioses, sociedades oscuras, trampas mortales y claves ocultas entre la historia y la mitología.

Marta Ferrer ha charlado con el autor:

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Mitología, enigmas y aventura para nuevos lectores

Jano y el talismán del trueno propone una lectura ágil y muy visual, con ese ritmo de las grandes historias juveniles en las que cada capítulo empuja al siguiente. La novela combina elementos clásicos del género —el héroe inesperado, el secreto familiar, los amigos que acompañan la misión, los enemigos dispuestos a todo— con un tono divertido y accesible que conecta con el universo creativo de Damián Mollá.

El libro convierte la mitología en algo cercano, casi cotidiano, y la utiliza como motor de una trama que se mueve entre Madrid y Barcelona, entre lugares reconocibles y escenarios cargados de misterio. Una propuesta ideal para lectores jóvenes, pero también para adultos que disfruten de las historias de aventuras, los enigmas históricos y las novelas con vocación de entretenimiento inteligente.

Damián Mollá, del humor televisivo a la aventura juvenil

Conocido por dar vida a Barrancas en El Hormiguero, Damián Mollá ha construido una trayectoria marcada por el humor, la curiosidad y una mirada irreverente sobre la realidad. En esta nueva etapa literaria, traslada parte de esa energía a una novela que busca divertir, enganchar y despertar la imaginación del lector.

Su experiencia como guionista se nota en el ritmo, en los diálogos y en la construcción de escenas pensadas para atrapar desde el primer momento. Pero Jano y el talismán del trueno también deja ver otra faceta del autor: la del narrador interesado por la historia, los símbolos, los mitos y las preguntas que siguen fascinando generación tras generación.

Una novela para quienes disfrutan descifrando misterios

El resultado es una aventura juvenil con espíritu cinematográfico, sentido del humor y una clara invitación a mirar la mitología con otros ojos. Porque en esta historia, las leyendas no pertenecen solo al pasado: pueden esconder la clave para entender el presente… e incluso para salvar el futuro.

Con Jano y el talismán del trueno, Damián Mollá firma una novela entretenida, dinámica y llena de imaginación, perfecta para lectores que buscan acción, misterio y personajes con los que lanzarse a una misión imposible.

Sobre el autor

Damián Mollá Herman nació en Madrid en 1980. Es humorista, guionista y una de las voces más populares de la televisión gracias a Barrancas, el personaje al que da vida en El Hormiguero. A lo largo de su carrera también ha formado parte de proyectos como El Club de la Comedia y No somos nadie. Además de su trabajo en televisión y radio, es autor de varios libros en los que combina humor, divulgación y una mirada muy personal sobre la cultura popular.

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La entrevista con Amparo Aragón nos sirve para descubrir las claves de este debut literario, en el que la autora reconstruye la historia de los suyos desde una mirada íntima, sensible y muy personal. Libro de familia no es únicamente el relato de una familia famosa: es también una reflexión sobre lo que se transmite de padres a hijos, sobre los silencios que habitan en todas las casas y sobre la forma en la que cada persona aprende a convivir con su apellido, su pasado y su propia voz.

Una familia ligada al circo, la televisión y la memoria emocional de España

Hablar de los Aragón es hablar de una parte fundamental de la cultura popular española. La familia ha estado ligada durante décadas al circo, la música, el humor, la televisión y el entretenimiento familiar. Nombres como Gaby, Fofó, Miliki, Fofito o Emilio Aragón forman parte de la memoria colectiva de varias generaciones que crecieron con sus canciones, sus programas y una manera muy especial de entender el espectáculo: desde la ternura, el humor, el oficio y la cercanía.

En Libro de familia, Amparo Aragón mira esa historia desde dentro. Lo hace no desde la distancia del mito, sino desde el territorio íntimo de quien ha vivido esa herencia en primera persona. Porque detrás de los aplausos, de las canciones conocidas por todos y de los recuerdos televisivos compartidos, hay también una historia doméstica, afectiva y emocional: la de una familia que se ha construido entre escenarios, viajes, vocaciones, alegrías, ausencias y decisiones personales.

El peso de un apellido y la búsqueda de una voz propia

Uno de los grandes temas que atraviesa el libro es la relación entre la herencia familiar y la identidad individual. Pertenecer a una saga artística tan reconocida puede ser un privilegio, pero también una responsabilidad. Amparo Aragón se pregunta qué significa crecer rodeada de talento, de memoria pública y de un cariño popular inmenso, pero también qué ocurre cuando una persona necesita construir su propio camino más allá del apellido que lleva.

El libro se mueve entre la memoria y la introspección. En sus páginas aparecen los vínculos familiares, la fuerza de las raíces, la importancia de las mujeres que sostienen la historia desde lugares menos visibles y la necesidad de mirar al pasado para entender mejor el presente. Amparo Aragón convierte así su historia particular en una obra con resonancia universal, porque todas las familias, famosas o no, guardan relatos, heridas, afectos, secretos, orgullo y contradicciones.

Una historia con origen de circo y alma de novela

La saga de los Aragón tiene un origen casi novelesco, unido al circo, a los viajes y a una forma de vida itinerante que marcó profundamente a varias generaciones. Esa raíz circense atraviesa el libro como símbolo de una familia acostumbrada al movimiento, al escenario y a la creación de mundos propios. De ahí también la fuerza del subtítulo: Historia de un corazón itinerante.

Amparo Aragón rescata esa memoria familiar con una mirada literaria que combina emoción, delicadeza y honestidad. El resultado es un libro que permite asomarse a la parte más humana de una familia convertida en patrimonio sentimental para millones de personas. Una obra que habla de los Aragón, sí, pero también de todos nosotros: de cómo nos parecemos a quienes nos precedieron, de cómo intentamos diferenciarnos de ellos y de cómo acabamos entendiendo que la familia es una historia que nunca se escribe del todo en línea recta.

Amparo Aragón, una mirada propia dentro de una familia inolvidable

Aunque el apellido Aragón está unido inevitablemente al mundo del espectáculo, Amparo Aragón ha construido una trayectoria creativa propia. Ha trabajado en escenografía, en proyectos empresariales y en el ámbito artístico, especialmente a través del collage. Con Libro de familia, da un paso más en ese recorrido creativo y se estrena como escritora con una obra que nace de la memoria, pero también de una mirada muy personal sobre el arte, la familia y el paso del tiempo.

La entrevista con Amparo Aragón permitirá conocer cómo se gestó este libro, qué supuso para ella revisar su historia familiar y de qué manera ha vivido el proceso de convertir recuerdos, emociones y silencios en literatura. Una conversación para hablar de raíces, de infancia, de legado, de circo, de televisión, de amor familiar y de la trascendencia artística de una saga que forma parte de la historia sentimental de España.

Sobre la autora

Amparo Aragón nació en Chicago en 1965 y pertenece a una de las familias artísticas más conocidas de la cultura popular española. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado diferentes facetas creativas, entre ellas la escenografía, el emprendimiento y el collage artístico. Con Libro de familia. Historia de un corazón itinerante, publicado por Roca Editorial, debuta como autora y ofrece una mirada íntima, emocional y literaria sobre la memoria de los Aragón, su legado artístico y la construcción de una identidad propia dentro de una saga inolvidable.

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Publicada por Estrella del Norte Ediciones, Azote supone un paso importante en la trayectoria de Antonio Maldonado, autor que ya había desarrollado una voz propia en la poesía y que ahora se adentra en la novela con una historia marcada por el peso de los recuerdos, la fuerza de la tierra y la necesidad de mirar hacia aquello que permanece incluso cuando el tiempo parece borrarlo todo.

La novela está concebida como un homenaje a la literatura, a la tierra del autor y a la memoria de su padre. Desde esa raíz emocional nace un libro que avanza “a latigazos”, a través de fragmentos, voces y recuerdos que van componiendo el retrato de un lugar imaginario, Belmontejo de la Sierra, pero reconocible en su esencia: un pueblo hecho de silencios, afectos, heridas, chismes, pérdidas y pequeñas resistencias cotidianas.

En Azote, el pueblo no funciona solo como escenario. Es casi un personaje más. Sus calles, sus casas, sus costumbres y sus sombras sostienen una historia coral en la que aparecen personajes como Alberto, incapaz de amar; Sara y Tomás, dos criaturas salvajes que hacen de las calles su territorio; Emeterio, marcado por un amor nacido poco antes de la Guerra Civil; Gregorio, el electricista iluminado por la poesía; o Doña Amalia, terrateniente y fundadora de una saga marcada por el infortunio.

La fuerza de la novela está precisamente en esa suma de voces. Antonio Maldonado construye un mosaico narrativo en el que cada personaje aporta una pieza distinta de la memoria común. Son vidas atravesadas por el paso del tiempo, por los deseos no dichos, por las heridas heredadas y por esa forma tan particular que tienen los pueblos de guardar, transformar y transmitir las historias.

Azote también dialoga con la España rural sin caer en la postal fácil ni en la idealización. Hay dureza, hay belleza, hay humor, hay dolor y hay una mirada profundamente humana hacia los lugares que a menudo quedan fuera del foco, pero que conservan una enorme riqueza emocional, cultural y literaria. La novela habla de pueblos que resisten, de familias que se cruzan, de memoria oral y de una forma de vida que sigue latiendo más allá de las estadísticas.

La prosa de Antonio Maldonado mantiene una evidente raíz poética. Su escritura cuida el ritmo, la imagen y la palabra precisa, pero sin perder la conexión con el habla popular, con la tierra y con la verdad de lo cotidiano. De ahí que se haya hablado de Azote como una obra con ecos de realismo mágico manchego: una novela donde lo real y lo simbólico conviven con naturalidad, y donde la memoria parece capaz de levantar un pueblo entero ante los ojos del lector.

En la entrevista que acompaña estas líneas, Antonio Maldonado nos habla del origen de Azote, del salto de la poesía a la novela, de la importancia de su tierra en su escritura, del peso de la figura paterna y de cómo la literatura puede convertirse en una forma de salvar del olvido aquello que nos construye.

Con Azote, Antonio Maldonado firma una novela de atmósfera, de personajes y de memoria. Un libro sobre los golpes de la vida, sí, pero también sobre la capacidad de los lugares, de las palabras y de los afectos para resistirlos.

Sobre el autor

Antonio Maldonado Muñoz, natural de Villamanrique, en Ciudad Real, es profesor de Geografía e Historia y escritor. Su trayectoria literaria comenzó en la poesía, género en el que ha publicado los poemarios El paseo del cancerbero, Cementerio de barcos y Luminiscentes.

Con Azote, publicada por Estrella del Norte Ediciones, firma su primera novela en prosa y abre una nueva etapa creativa marcada por la memoria, la tierra manchega, la tradición oral y una mirada profundamente literaria hacia los pueblos, sus habitantes y las huellas que deja el paso del tiempo.

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Con Gente bien, Verónica Sanz firma una historia adictiva, mordaz y muy visual, ambientada en el Madrid más exclusivo. Un mundo de casas con ascensor privado, niños trilingües, coches de alta gama, clínicas estéticas, cenas elegantes y familias que parecen tenerlo todo. Pero bajo esa superficie impecable late una tensión constante: la sospecha de que, detrás de cada vida envidiable, puede esconderse un precio demasiado alto.

Esta es entrevista de Julián Garvín con la autora.

Cuatro mujeres, una vida perfecta y demasiados secretos

Las protagonistas de Gente bien son Elena, Irina, Minerva y Betty, cuatro mujeres que forman parte de ese círculo privilegiado donde la imagen lo es casi todo. Son madres, esposas, amigas, mujeres con dinero, ambiciones, inseguridades y contradicciones. Desde fuera, sus vidas parecen construidas con todos los ingredientes del éxito: belleza, posición social, familias admirables y una agenda social impecable.

Pero Verónica Sanz se encarga de mirar justo donde la fachada empieza a agrietarse. La novela retrata la fragilidad de un mundo lleno de privilegios, pero también de presión, dependencia, frustración y miedo al qué dirán. En sus páginas aparecen la maternidad desigual, la obsesión por mantenerse joven, la doble moral, la falsedad de ciertas relaciones sociales y esa necesidad constante de aparentar que todo está bajo control.

Elena Villa-Arnaiz vive en un chalet de Pozuelo de Alarcón, es madre de tres hijos y sueña con impulsar su negocio de cáterin para eventos sofisticados. Heredera de un imperio ligado a la construcción, está acostumbrada a exigirse estar siempre a la altura. Su vida parece perfecta, pero cuando su familia ideal empieza a resquebrajarse, tendrá que descubrir hasta dónde está dispuesta a llegar para defender lo suyo.

Minerva Morientes, por su parte, fue una estrella mediática que ya no ocupa el lugar que tuvo en televisión. Vive el olvido del público con amargura, marcada por el paso del tiempo, la comparación y el deseo de volver a sentirse visible. Su regreso a la periodista de investigación que fue en otro tiempo la colocará ante un dilema incómodo: proteger a una de las suyas o seguir adelante hasta las últimas consecuencias.

Betty Morientes, hermana de Minerva, es dermatóloga estética y sueña con abrir su propia clínica. Pragmática, ambiciosa y consciente de que la imagen también forma parte del negocio, sabe que su relación con ese círculo de mujeres puede abrirle la puerta a nuevas clientas y a un mundo privilegiado al que desea pertenecer.

Irina Navarro completa este grupo de “mamis ricas”. Casada con un empresario mucho mayor que ella, vive atrapada en una relación que se ha convertido en una carga emocional. La ansiedad, el alcohol, los ansiolíticos y los malos pensamientos conviven con esa fachada divertida y aparentemente ligera que mantiene ante sus amigas.

Cuando una intrusa rompe el decorado

Todo parece mantenerse en equilibrio hasta que aparece Daisy, una joven dominicana que entra en ese mundo dorado y amenaza con desestabilizarlo. Su presencia funciona como una grieta en el decorado: una intrusa que viene de otro lugar, de otra clase social y de otra realidad, y que obliga a las protagonistas a enfrentarse a aquello que no quieren ver.

A partir de ahí, la novela se convierte en una trama de tensión creciente, en la que las lealtades, los secretos y las ambiciones de todos los personajes empiezan a ponerse a prueba. Verónica Sanz construye así un relato en el que el lujo convive con la precariedad, la belleza con el miedo a envejecer, la amistad con la rivalidad y la familia perfecta con la posibilidad del derrumbe.

Gente bien ha sido presentada como una historia que conecta con el universo de ficciones como Big Little Lies y Mujeres desesperadas: mujeres aparentemente instaladas en una vida doméstica resuelta, familias impecables, matrimonios envidiables y un entorno privilegiado que esconde miserias, envidias, frustraciones, ambición y crimen.

Un retrato afilado del privilegio y sus grietas

Uno de los grandes atractivos de la novela está en su mirada sobre el privilegio. Verónica Sanz no se limita a describir un mundo de riqueza y lujo, sino que lo disecciona desde dentro. En Gente bien hay mansiones, coches, ropa de marca y cenas exclusivas, pero también hay miedo, dependencia, hipocresía, abusos de poder y una profunda necesidad de pertenecer.

La novela pone en tela de juicio el valor real de formar parte de las élites y se adentra en temas muy actuales: la maternidad y la crianza desigual, la ambición profesional, la presión estética, la obsesión por la eterna juventud, los prejuicios de clase, el trato a los emigrantes, el fenómeno del sugardating, la corrupción y los efectos personales de cierto periodismo de investigación y sucesos.

Ese es precisamente uno de los elementos que hacen de Gente bien una novela muy contemporánea. Bajo su envoltorio de entretenimiento, intriga y sátira social, late una reflexión sobre cómo nos relacionamos con el poder, el dinero, la belleza, la imagen pública y el deseo de ser aceptados.

El debut literario de Verónica Sanz

Verónica Sanz, periodista y presentadora, ha trabajado en diferentes medios y programas de televisión. Estudió Periodismo y Empresariales en Barcelona y ha estado al frente de espacios como Las Mañanas de Cuatro, Buenos Días Madrid, La Sexta Noche y Sábado Clave, además de participar en laSexta Xplica y otras coberturas de la cadena.

En su salto a la ficción, la autora aprovecha su capacidad de observación periodística para construir personajes llenos de matices y una trama con ritmo, ironía y tensión. Gente bien es una novela de 448 páginas que se lee como una inmersión en un mundo tan reconocible como inquietante: ese lugar en el que todo parece perfecto hasta que alguien se atreve a mirar demasiado de cerca.

Con este debut, Verónica Sanz firma una novela pensada para lectores que disfrutan con las historias de secretos familiares, mujeres complejas, crítica social, humor afilado y mundos brillantes que esconden zonas oscuras. Una historia sobre lo que cuesta mantener una vida envidiable y sobre todo aquello que puede romperse cuando las apariencias dejan de sostenerse.

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En esta nueva historia, Sánchez parte de una premisa tan perturbadora como fascinante: un niño que parece recordar una vida que no es la suya. A partir de ahí, la autora construye una narración envolvente en la que lo cotidiano se va llenando poco a poco de señales, intuiciones y misterios difíciles de explicar.

Un bebé, una niñera y un secreto imposible

La protagonista de Lo inexplicable es Alicia, una joven niñera que cuida de Rafael, un bebé que empieza a comportarse de una forma desconcertante. El niño parece reconocer una calle, un edificio, un piso y algunos objetos que, en principio, no debería conocer. Lo que al comienzo podría parecer una casualidad o una fantasía empieza a convertirse en una sospecha cada vez más difícil de ignorar.

Alicia se convierte así en la primera persona capaz de mirar de frente aquello que los demás prefieren no ver. Su posición dentro de la historia es especialmente interesante: está dentro de la casa, pero no pertenece del todo a ese mundo; cuida al niño, pero también observa desde una distancia que le permite detectar lo que otros pasan por alto.

Junto a ella aparece otra voz clave en la novela: Hugo, un adolescente fallecido que tampoco termina de comprender del todo qué le ha ocurrido. Con estos dos puntos de vista, Clara Sánchez compone una historia sobre la memoria, la identidad, la muerte y todo aquello que queda suspendido cuando una vida se interrumpe.

Suspense psicológico y preguntas sin respuesta

Lo inexplicable no es solo una novela de misterio. Es también una exploración literaria de los límites de la razón. Clara Sánchez utiliza el suspense no únicamente para mantener al lector atrapado, sino para llevarlo hacia un territorio más profundo: el de las preguntas que no siempre tienen una respuesta clara.

La reencarnación funciona aquí como motor narrativo, pero también como una forma de hablar del tiempo, de los vínculos invisibles y de aquello que puede permanecer oculto incluso después de la muerte. La novela juega con la inquietud de no saber si lo que ocurre pertenece al terreno de lo sobrenatural, de la intuición, de la memoria heredada o de una verdad que todavía no somos capaces de nombrar.

Con su estilo sereno, preciso y envolvente, Clara Sánchez vuelve a demostrar su capacidad para convertir una situación aparentemente imposible en una historia cercana, emocional y profundamente humana.

Clara Sánchez, una de las grandes autoras españolas contemporáneas

Clara Sánchez es una de las escritoras más reconocidas de la narrativa española actual. Nacida en Guadalajara, criada en Valencia y afincada en Madrid, estudió Filología Hispánica en la Universidad Complutense y durante años ejerció la docencia universitaria.

Su trayectoria literaria está marcada por algunos de los premios más importantes de las letras en español. Ganó el Premio Alfaguara con Últimas noticias del paraíso, el Premio Nadal con Lo que esconde tu nombre y el Premio Planeta con El cielo ha vuelto. Su obra ha sido traducida en más de veinte países y ha conectado con lectores de distintas generaciones gracias a una narrativa que combina intriga, hondura psicológica y una mirada muy afinada sobre las zonas oscuras de la vida cotidiana.

Desde 2023 ocupa la silla X de la Real Academia Española, un reconocimiento a una carrera literaria sólida, singular y de enorme prestigio.

Una novela para lectores que buscan misterio, emoción y literatura

Con Lo inexplicable, Clara Sánchez propone una lectura magnética, inquietante y cargada de preguntas. Una novela sobre un bebé que parece saber demasiado, una niñera que se atreve a mirar donde otros apartan la vista y una verdad que amenaza con cambiar la forma en la que entendemos la vida, la muerte y la memoria.

Un libro para quienes disfrutan del suspense psicológico, de las historias familiares con secretos ocultos y de esas novelas que, al terminar, dejan una pregunta latiendo mucho más allá de la última página.

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Publicada por Editorial Planeta, Un amigo gratis es una novela sobre la ilusión, la dulzura del primer amor y la importancia de decir las cosas a tiempo. Una historia de personajes heridos, de inseguridades que pesan demasiado y de vínculos que pueden convertirse en refugio cuando el mundo parece empeñado en recordarnos que no encajamos.

Nash y Eleonor: dos formas de mirar el mundo

El protagonista de esta historia es Nash, un chico que odia muchas cosas de sí mismo. La primera, su timidez. La segunda, su altura, que le impide pasar desapercibido justo cuando lo único que desea es volverse invisible. Para él, el instituto se ha convertido en un lugar difícil, casi hostil, donde cada día puede parecer una pequeña batalla.

Todo cambia cuando conoce a Eleonor, presidenta de Un amigo gratis, una asociación a la que acuden alumnos que, como Nash, sienten que no encuentran su sitio. Eleonor sonríe, acompaña, escucha y se propone enseñarle a Nash a mirar la vida de otra manera. Él tiene un corazón herido que ya no sabe confiar; ella es de esas personas que llegan sin hacer ruido y terminan iluminándolo todo.

A partir de ese encuentro, Inma Rubiales construye una novela marcada por la sensibilidad, la emoción y esa manera tan suya de hablar del amor sin olvidar las heridas que arrastran sus protagonistas. Porque Un amigo gratis no es solo una historia romántica: también es una historia sobre el acoso escolar, la autoestima, la soledad adolescente y la necesidad de encontrar espacios seguros donde poder ser uno mismo.

Una novela sobre decir las cosas antes de que sea tarde

Uno de los grandes temas de Un amigo gratis es la importancia de decir lo que sentimos. De no guardar eternamente las palabras importantes. De atreverse a pedir ayuda, a reconocer el miedo, a decir “me importas” o “me duele” cuando todavía hay tiempo.

Inma Rubiales vuelve a demostrar aquí su capacidad para conectar con los lectores jóvenes desde la emoción, pero también desde la verdad. Sus personajes no son perfectos, no tienen respuestas para todo y no siempre saben cómo gestionar lo que les pasa. Precisamente por eso resultan tan cercanos. Porque en sus dudas, sus silencios y sus contradicciones hay algo profundamente reconocible.

La novela aborda, además, un tema tan delicado como el bullying sin convertirlo en un simple elemento de fondo. El acoso escolar aparece como una realidad que deja marca, que condiciona la forma en que uno se mira y se relaciona con los demás. Frente a eso, la historia propone la amistad, la escucha y el amor sano como posibles caminos para empezar a reconstruirse.

Inma Rubiales, una voz imprescindible del romance juvenil

Nacida en Almendralejo en 2002, Inma Rubiales descubrió muy pronto que escribir era su manera favorita de entender el mundo. Con apenas diecisiete años, su primera novela dio el salto al papel y, desde entonces, su carrera no ha dejado de crecer.

Títulos como Hasta que nos quedemos sin estrellas, El arte de ser nosotros, Todos los lugares que mantuvimos en secreto y Nuestro lugar en el mundo la han consolidado como una de las autoras más leídas y queridas del romance juvenil actual. Sus historias combinan emoción, ternura, heridas personales, relaciones sanas y personajes que buscan su lugar en el mundo, algo que ha convertido sus libros en auténticos refugios para miles de lectoras.

Con Un amigo gratis, Inma Rubiales vuelve al punto de partida, pero lo hace con la mirada de la autora que es hoy: más madura, más consciente y con una voz literaria que ha sabido crecer sin perder la frescura, la sensibilidad y la conexión directa con su público.

Una historia para quienes alguna vez se sintieron fuera de lugar

Un amigo gratis es una novela para lectores jóvenes, pero también para cualquiera que recuerde lo que significa sentirse invisible, no encajar o esperar que alguien mire un poco más allá de la superficie. Una historia sobre la amistad como salvavidas, el amor como descubrimiento y la valentía de empezar a quererse incluso cuando parece imposible.

Inma Rubiales firma una novela emotiva, luminosa y cercana, de esas que hablan bajito pero se quedan dentro. Una historia sobre dos personajes que aprenden que, a veces, encontrar a alguien que te escucha puede ser el primer paso para volver a confiar en el mundo.

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La novela parte de una premisa tan poderosa como perturbadora: ¿y si en los compases originales del Lacrimosa de Mozart se escondiera una antigua fórmula sumeria capaz de predecir la fecha exacta de la muerte de cualquier persona? A partir de esa pregunta, Fernando Méndez construye una historia de sociedades secretas, élites de poder, asesinatos rituales, traiciones y secretos protegidos durante siglos.

El protagonista de esta aventura es Peter Dauson, periodista de la Ópera de Viena, que recibe una confidencia inesperada y se ve arrastrado a una misión imposible: encontrar en apenas 72 horas la partitura original del Lacrimosa. Perdida desde hace décadas, esa pieza se ha convertido en uno de los objetos más codiciados por mafias internacionales, redes de poder y organizaciones dispuestas a todo para hacerse con ella… o para impedir que salga a la luz.

En su búsqueda no estará solo. Junto a él aparece Silvia Weits, una arqueóloga que se convierte en pieza clave para descifrar un misterio que une pasado y presente. Ambos tendrán que seguir el rastro de una partitura que parece matar, o por la que demasiada gente está dispuesta a matar.

Mozart, misterio y una pregunta universal

Uno de los grandes atractivos de La clave de Mozart está en su capacidad para mezclar el ritmo del thriller contemporáneo con el magnetismo de los grandes enigmas históricos. Mozart, el Lacrimosa, la construcción de La Scala, el asesinato de Kennedy y las sombras que se mueven tras los grandes centros de poder europeos forman parte de una trama que juega con hechos reales y ficción para construir una lectura adictiva.

Pero más allá de la conspiración, de la acción y del misterio, la novela plantea una pregunta profundamente humana: ¿hasta dónde seríamos capaces de llegar para vencer el miedo a morir? Y, sobre todo, si pudiéramos conocer la fecha exacta de nuestra muerte, ¿querríamos saberla?

Esa es la fuerza de una historia que no se queda solo en el juego de pistas, sino que mira de frente a uno de los grandes temores del ser humano. La clave de Mozart funciona como novela de intriga, como aventura cultural y como thriller histórico, pero también como una reflexión sobre el poder, el miedo, la ambición y el precio de conocer demasiado.

Fernando Méndez, un autor con mirada de periodista

Fernando Méndez es periodista y escritor orensano. Ha trabajado como redactor en medios como Faro de Vigo y La Región, y ha colaborado con ABC, Televisión de Galicia, Cuatro TV y Radio Nacional. Su trayectoria profesional está muy vinculada al periodismo de investigación, una mirada que se nota en la forma de construir la trama, dosificar la información y hacer avanzar al lector entre indicios, documentos, secretos y sospechas.

A lo largo de su carrera ha recibido importantes reconocimientos, entre ellos el Premio Reina Sofía de Periodismo, el Premio Xunta de Galicia de Periodismo, el Premio Nacional de Periodismo Julio Camba y el Premio internacional de investigación periodística Ana María Agüero Melnyczuk por su trabajo sobre el Caso Metílico. En el ámbito literario también ha sido distinguido con premios como el Ciudad de Almería, el Ramón Puga-Cadena SER Ourense y el Vicente Risco de creación literaria.

Con La clave de Mozart, Fernando Méndez firma una novela ambiciosa, envolvente y muy visual, pensada para quienes disfrutan de los thrillers con documentación, ritmo, escenarios europeos y grandes enigmas escondidos en la historia. Una lectura para dejarse llevar por la música de Mozart… y por una pregunta que puede resultar tan fascinante como aterradora.

La clave de Mozart ya está en librerías, publicada por RBA, y se presenta como una de esas novelas que combinan entretenimiento, cultura, suspense y una trama llena de giros para los amantes del misterio histórico.

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La novela parte de una premisa tan potente como inquietante: dos vidas rotas, un secreto capaz de cambiarlo todo y un mundo de mentiras en el que la verdad puede ser mortal. Loureiro construye aquí una carrera de venganza, culpa y poder que avanza con ritmo de gran producción audiovisual, empujando al lector hacia un desenlace explosivo. En el centro de la trama aparece Samuel Hoyos, un hombre marcado por una tragedia familiar y por un pasado turbio del que parece imposible escapar.

Escucha al autor en la presentación del libro en Madrid. Un almuerzo con periodistas en el hotel EuroStar Tower en pleno corazón financiero. Una «cumbre» muy a colación de la temática del libro. Presenta al autor Belén López Celada, Directora de Editorial Planeta.

En ‘Antes de que todo cambie’, el autor sitúa además la intriga en un escenario de máxima actualidad: un atentado planeado contra los líderes de la Unión Europea durante una cumbre en la isla de La Toja. Con ese punto de partida, Loureiro mezcla thriller político, acción, dilemas morales y emoción humana, en una novela que no solo juega con la amenaza exterior, sino también con las cicatrices íntimas de sus protagonistas.

El autor con su equipo de edición de Planeta durante el almuerzo con la prensa.Manel Loureiro, de fenómeno viral a bestseller internacional

La trayectoria de Manel Loureiro es una de esas historias que parecen escritas para confirmar que la literatura también puede nacer de los márgenes y conquistar el mundo. Nacido en Pontevedra en 1975, Loureiro es escritor, abogado, presentador y guionista. Ha trabajado en televisión, colabora en distintos medios de comunicación y ha construido una carrera literaria marcada por el pulso narrativo, la tensión, el sentido visual de la escena y una enorme capacidad para conectar con lectores de dentro y fuera de España.

Su gran despegue llegó con ‘Apocalipsis Z. El principio del fin’, una historia que nació primero como un blog escrito en sus ratos libres y que acabó convirtiéndose en un fenómeno viral con más de un millón y medio de lectores online. De ahí saltó al papel en 2007 y se transformó en un auténtico bestseller. Aquel inicio daría lugar a una saga compuesta por ‘El principio del fin’, ‘Los días oscuros’ y ‘La ira de los justos’, títulos que hicieron de Loureiro uno de los nombres clave del género de supervivencia, terror y acción en español.

El impacto internacional del autor no se quedó ahí. Sus obras acumulan una trayectoria de enorme proyección exterior, con 700.000 ejemplares vendidos históricamente, presencia en más de 30 países y traducciones a más de 15 idiomas. Loureiro es, además, uno de los pocos autores españoles contemporáneos que han logrado situarse en las listas de más vendidos de Estados Unidos, donde superó la barrera de los 200.000 ejemplares vendidos.

A esa dimensión internacional se suma otro hito especialmente llamativo: con ‘El último pasajero’, Manel Loureiro fue el primer autor español en colocarse entre los tres libros más vendidos de Estados Unidos apoyándose únicamente en las reservas previas. En 2014 llegó incluso a figurar como el único autor no anglosajón dentro del Top 100 de autores más vendidos en Estados Unidos, un logro al alcance de muy pocos escritores en lengua española.

Después llegarían títulos como ‘Fulgor’, ‘Veinte’, ‘La Puerta’, ‘La ladrona de huesos’ y ‘Cuando la tormenta pase’, obras con las que Loureiro fue ampliando su universo literario sin perder sus señas de identidad: capítulos ágiles, atmósferas envolventes, giros de alto voltaje y personajes enfrentados a situaciones extremas. ‘La Puerta’ consolidó especialmente su proyección internacional, con 100.000 ejemplares vendidos, mientras que ‘Cuando la tormenta pase’ obtuvo el Premio de Novela Fernando Lara 2024, dotado con 120.000 euros y elegido entre 565 novelas presentadas.

Del papel a la pantalla: el fenómeno ‘Apocalipsis Z’

La potencia visual de la literatura de Manel Loureiro tenía, casi inevitablemente, destino audiovisual. Y ese salto llegó por todo lo alto con la adaptación de ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’, estrenada en Prime Video. La película, dirigida por Carles Torrens y basada en el universo literario creado por el autor gallego, se convirtió en la película original internacional más vista en la historia de Prime Video y fue número 1 en su primer fin de semana dentro del Top 10 de la plataforma.

El éxito fue tan rotundo que Prime Video anunció una segunda entrega, llamada provisionalmente ‘Apocalipsis Z: Parte II’, destinada a ampliar ese universo de supervivencia, infección, acción y humanidad al límite. La secuela está prevista para 2026 y confirma que el mundo narrativo de Loureiro ha logrado algo especialmente valioso: viajar desde Galicia hasta una audiencia global sin perder su identidad.

Un autor con mirada cinematográfica y alma de contador de historias

Lo que distingue a Manel Loureiro no es solo su capacidad para crear tramas adictivas. Es también su manera de convertir lo local en universal. Galicia no aparece en sus novelas como un simple decorado, sino como un territorio cargado de niebla, memoria, amenaza, belleza y misterio. Sus historias pueden hablar de zombis, conspiraciones, tormentas, crímenes o secretos familiares, pero en el fondo siempre late una pregunta muy humana: qué somos capaces de hacer cuando todo lo que nos sostiene empieza a derrumbarse.

En ‘Antes de que todo cambie’, esa pregunta vuelve a estar en el centro. La novela combina la tensión de un thriller político con el viaje interior de dos personajes heridos que buscan verdad, justicia y quizá una última forma de redención. Loureiro sabe acelerar la acción, pero también detenerse en el peso de la culpa, en las consecuencias del pasado y en esa frontera moral en la que nadie sale completamente limpio.

Con esta nueva obra, Manel Loureiro confirma su lugar como uno de los grandes nombres del thriller español de alcance internacional. Un autor que empezó escribiendo en internet, conquistó a millones de lectores, saltó a las listas de ventas de Estados Unidos, llegó al audiovisual con un éxito global y ahora regresa con una novela que promete mantener al lector pegado a sus páginas hasta el final.

‘Antes de que todo cambie’ es, en definitiva, una nueva muestra del mejor Loureiro: tensión, emoción, Galicia, secretos, poder, traición y una historia que avanza con la fuerza de esas novelas que uno empieza “solo un rato” y termina leyendo hasta que se hace de noche.

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El autor de Canciones para Paula, El Club de los Incomprendidos o La chica invisible vuelve con una historia coral que mira de frente a una generación de jóvenes obligados a convivir con la presión, la ambición, la competencia y el miedo a no estar a la altura. Publicada por Editorial Planeta, la novela llegó a librerías el 8 de abril de 2026 y se presenta como una historia juvenil de thriller, misterio y romance, recomendada a partir de 14 años.

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Publicada por Editorial Planeta, la novela llega a librerías el 29 de abril de 2026 como primera entrega de la bilogía Algo como nosotros. Con 504 páginas y ambientada en el mundo de las series, la fama y los rodajes, la obra se mueve entre la novela romántica contemporánea, el drama y la intensidad emocional que caracteriza a la autora.

La historia nos presenta a Sadie Sanders y Dacre Stewart, dos jóvenes actores unidos por el rodaje de Averno, una serie llamada a convertirse en fenómeno. Ella quiere demostrar que es mucho más que un apellido dentro de la industria. Él llega con el deseo de conquistar al público y convertirse en una estrella. Entre ambos hay tensión, roces, orgullo, heridas y una química imposible de ignorar.

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A partir de ahí, La ahorcada despliega una narración que se mueve entre lo visible y lo invisible, entre el drama psicológico y el suspense sobrenatural. Rosa queda atrapada entre dos mundos y su presencia empieza a infiltrarse en la casa, en los sueños y en la vida de quienes siguen allí. Especialmente importante es Patti, la hija menor de la familia, una niña capaz de percibir lo que los demás no alcanzan a ver. Esa conexión convierte a la novela en algo más que un relato de fantasmas: en una historia sobre el dolor, la necesidad de ser amada, el miedo al olvido y las huellas que dejan ciertas relaciones cuando se convierten en una cárcel emocional.

Uno de los grandes aciertos del libro está en su manera de entender el terror. Aquí no todo depende del golpe de efecto ni del sobresalto fácil. Hay una voluntad clara de construir un miedo más íntimo, más cercano, más ligado a la fragilidad humana. La casa donde transcurre buena parte de la acción y la sabina milenaria que domina el jardín no son meros decorados: respiran, observan, contienen memoria. En ese espacio cargado de símbolos, Mayte Navales explora cómo el deseo, el abandono, la dependencia emocional y la necesidad de reconocimiento pueden empujar a una persona al límite.

También hay en La ahorcada una reflexión muy interesante sobre la mirada, el poder y la voz femenina. La novela confronta la forma en que ciertos hombres observan, eligen y descartan, frente al deseo de muchas mujeres de ser vistas de verdad, más allá de lo superficial o lo pasajero. Por eso, además de su capa sobrenatural, el libro contiene una lectura emocional y simbólica muy potente, de esas que dejan poso cuando se cierra la última página.

Mayte Navales conoce bien los mecanismos de la imagen y del relato. Escritora, guionista y fotógrafa, licenciada en Filología Inglesa y con estudios de arte dramático, ha desarrollado su carrera en cine y televisión tanto delante como detrás de las cámaras. Su primera novela, La última bruja, fue finalista de los premios Minotauro e Ignotus, y ahora vuelve a adentrarse en un territorio de sombras con una obra que confirma su gusto por los universos intensos, atmosféricos y emocionalmente complejos.

Además, La ahorcada llega en un momento especialmente llamativo para su autora, ya que la novela ha sido adaptada al cine y el guion de la película ha sido escrito por la propia Mayte Navales. La versión cinematográfica está dirigida por Miguel Ángel Lamata y cuenta con Amaia Salamanca y Eduardo Noriega en los papeles protagonistas, un salto a la gran pantalla que refuerza todavía más la fuerza visual y narrativa de esta historia.

Hemos hablado con Mayte Navales sobre La ahorcada, sobre los límites entre el amor y la obsesión, sobre el terror que nace de las heridas emocionales y sobre una historia que convierte lo sobrenatural en una extensión del dolor, del deseo y de todo aquello que no siempre sabemos dejar atrás.

Sobre la autora

Mayte Navales es escritora, guionista y fotógrafa. Su trayectoria profesional ha estado ligada al cine y la televisión, y en su obra literaria ya había dejado ver su afinidad por los territorios de la fantasía, la oscuridad y la emoción extrema. Tras La última bruja, finalista de los premios Minotauro e Ignotus, regresa con La ahorcada, una novela que une suspense, drama psicológico y terror sobrenatural con una voz muy visual y muy personal.

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El silencio, aquí, no es solo ausencia de palabras: es también refugio, defensa, herida y punto de partida para empezar a recomponer lo roto. Una historia real sobre las heridas que no siempre se ven El rescate del Silencio habla de las marcas invisibles que deja el dolor, de la infancia, de los recuerdos que regresan y de la necesidad de poner nombre a lo vivido. María Telesko construye un relato que mira de frente al trauma, pero también a la posibilidad de salir de él. La obra aborda la reconstrucción personal no como un camino fácil ni lineal, sino como un proceso lleno de memoria, amor, miedo, comprensión y valentía. Un libro para quienes alguna vez han sentido que necesitaban rescatar su propia voz después de mucho tiempo en silencio.

Un relato íntimo, emocional y necesario Con una mirada cercana y honesta, María Telesko convierte una experiencia personal en una historia con vocación universal. Porque hablar del dolor también puede ser una forma de acompañar. Y porque contar lo que parecía imposible de contar puede convertirse en el primer paso para sanar.

El rescate del Silencio es una lectura especialmente poderosa para quienes buscan libros testimoniales, historias de superación emocional y relatos que se acercan al trauma desde la sensibilidad, sin renunciar a la esperanza. Sobre la autora María Telesko es la autora de El rescate del Silencio, una obra en la que aborda una historia real marcada por el trauma, el amor y la reconstrucción personal. Con este libro, la autora se adentra en la memoria y en la importancia de romper el silencio para transformar el dolor en relato, comprensión y fuerza.

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La novela nos traslada al verano de 1987, cuando el joven Martí Rocamora viaja a la capital italiana para escribir un libro sobre Beatrice Cenci, figura trágica del Renacimiento convertida en símbolo de belleza, rebeldía y resistencia frente al poder. En plena investigación, su vida da un giro inesperado al cruzarse con dos personas que lo empujarán a descubrir una pasión que pondrá a prueba sus límites emocionales y su forma de entender el amor.

Con ese punto de partida, La necesidad de amar construye un triángulo amoroso intenso en la Roma de finales de los ochenta y lo convierte en una historia de iniciación sentimental y sexual. La editorial la define como una novela sobre el vértigo de hacerse adulto, sobre la necesidad de asumir quiénes somos y sobre las cicatrices que deja una generación marcada por el estigma de una enfermedad que cambió para siempre las relaciones afectivas.

Pero hay más. La necesidad de amar también encuentra parte de su fuerza en la ciudad que la envuelve. Ópera, pintura, literatura, gastronomía, arquitectura y fiestas palaciegas forman el telón de fondo de un relato que convierte a Roma en un personaje más, vivo, sensual y lleno de contrastes. Es, en ese sentido, una novela de atmósfera, de emociones al límite y de personajes magnéticos, misteriosos y frágiles, de esos que permanecen en la memoria del lector cuando se cierra el libro.

Con 432 páginas y publicada dentro de la colección Autores Españoles e Iberoamericanos, esta nueva obra de Pablo Álvarez apunta a convertirse en una de las novelas a seguir de la temporada para quienes buscan una historia de amor poco convencional, elegante en su planteamiento y con una fuerte carga emocional.

Sobre el autor
Pablo Álvarez, nacido en Priego de Córdoba en 1967, es editor y agente literario. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado una destacada carrera en el sector editorial como director literario en grupos como Planeta, Santillana y Penguin Random House, y en la actualidad dirige Editabundo Agencia Literaria, fundada por él mismo. También es autor de la ficción sonora In Love, dirige el pódcast literario En el sofá de Editabundo y ha trabajado en teatro, cortometrajes, videoclips y campañas publicitarias.

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Un libro de historia que pone el foco en lo que cuesta seguir adelante

Una de las grandes virtudes de este volumen está en su planteamiento. Aquí no se ensalza al héroe como figura inalcanzable, sino que se observa qué perdió en el camino, qué tuvo que soportar y de qué manera logró seguir en pie. Esa es la idea que da sentido al libro y la que lo convierte en una lectura distinta dentro del género histórico: más cercana a la emoción, a la fragilidad y a la fortaleza interior que a la simple acumulación de hazañas.

De Víctor Hugo a Monet: historias reales atravesadas por la adversidad

Entre las páginas de Lo que perdieron los héroes aparecen nombres y episodios muy diversos, unidos por un mismo hilo: la experiencia del dolor, la renuncia, la prueba personal o la necesidad de reconstruirse. El libro evoca, por ejemplo, a Víctor Hugo tras la muerte de su hija, a Monet enfrentado a la ceguera, a El Empecinado manteniéndose fiel a sus principios hasta el final o a los supervivientes de la gran catástrofe civil que arrasó Santander. Todos ellos componen un mosaico en el que la historia se lee también como una lección de entereza.

Una lectura divulgativa, elegante y con vocación de emocionar

La propuesta de Sonsoles Sánchez-Reyes combina divulgación histórica y pulso narrativo. No se trata solo de contar hechos, sino de acercar al lector a las vidas que hay detrás de ellos. Esa voluntad de emocionar sin perder rigor, de iluminar perfiles conocidos y también otros menos transitados, es una de las claves de un libro que aspira a dejar huella en quien lo lee. La propia editorial ha subrayado la amenidad y la elegancia de la autora, dos rasgos que encajan con una obra concebida para interesar tanto a los amantes de la historia como a quienes buscan relatos humanos con poso.

Un premio que refrenda la solidez de la obra

El libro llegó a las librerías después de obtener el VI Premio Internacional Cuadernos del Laberinto de Historia 2025, un reconocimiento concedido por unanimidad y en una edición en la que concurrieron 32 originales procedentes de diez países. Ese respaldo sitúa la obra como una de las propuestas destacadas de la temporada dentro del ensayo narrativo y la historia divulgativa, y confirma el buen momento literario de una autora que sigue ampliando su trayectoria con personalidad propia.

Un libro para quienes buscan historia con alma

Tras nuestra entrevista con Sonsoles Sánchez-Reyes, queda la impresión de que Lo que perdieron los héroes no solo recupera episodios del pasado, sino que invita a pensar en la manera en que los seres humanos afrontan la pérdida, el miedo o la incertidumbre. Ahí reside buena parte de su valor: en recordar que la verdadera dimensión del heroísmo no siempre está en lo que se conquista, sino en lo que se sacrifica para no rendirse. Por eso, esta novedad editorial se presenta como una lectura especialmente atractiva para quienes disfrutan de la historia contada desde una perspectiva íntima, reflexiva y profundamente humana.

Sobre la autora
Sonsoles Sánchez-Reyes (Ávila, 1968) es doctora en Filología Inglesa por la Universidad de Salamanca y licenciada en Derecho por la UNED. Ha desarrollado una amplia trayectoria académica y cultural, y Lo que perdieron los héroes supone un nuevo paso en una obra literaria que combina sensibilidad, vocación divulgativa y mirada humanista.

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La obra se presenta como una guía espiritual pensada para acompañar un proceso de autosanación y reencuentro interior. A partir de su experiencia y de la visión que ha ido compartiendo en los últimos años, Raquel Sáez explora cuestiones que han fascinado al ser humano desde siempre: qué sucede con el alma, cómo afrontar el duelo, de qué manera acompañar una despedida y por qué aprender a vivir bien también puede ayudar a morir en paz.

Mira nuestra entrevista en vídeo:

Un libro sobre el alma, el propósito vital y el más allá

En Un puente hacia el alma, Raquel Sáez plantea una mirada espiritual que busca acercar al lector a preguntas esenciales. El libro profundiza en la idea de que la muerte no debe entenderse únicamente como un final, sino también como una parte inseparable del recorrido de la vida. Desde esa perspectiva, la autora conecta el mundo emocional con el espiritual y propone una reflexión que va más allá del dolor, el miedo o la incertidumbre.

El volumen recorre asuntos como el propósito del alma, los dones intuitivos, la conexión con el mundo espiritual y la huella que dejan quienes ya no están. Todo ello desde una narrativa orientada a acompañar, consolar y abrir preguntas, con la intención de que cada lector encuentre también un espacio de revisión personal.

Una autora que ha convertido la espiritualidad en su gran eje de trabajo

Raquel Sáez se ha consolidado como una voz reconocible dentro del ámbito de la espiritualidad y la mediumnidad. Su trayectoria ha estado marcada por la divulgación de estos temas, tanto a través de su trabajo como médium y psíquica como en sus formaciones, encuentros y espacios de acompañamiento.

Con este nuevo libro, la autora da un paso más en una línea de trabajo que ya despertó interés con El abrigo del alma, su anterior publicación. Ahora vuelve con una propuesta más amplia y ambiciosa, centrada en tender un puente entre la experiencia humana y la dimensión espiritual, y en ofrecer herramientas para comprender mejor el sentido de la existencia desde una mirada menos material y más consciente.

Una lectura para quienes buscan respuestas y también para quienes necesitan consuelo

Uno de los principales aciertos de Un puente hacia el alma está en que no se dirige solo a lectores familiarizados con este universo. También puede interpelar a quienes atraviesan una pérdida, a quienes viven una etapa de búsqueda personal o a quienes necesitan encontrar una forma más serena de relacionarse con las grandes preguntas de la vida.

La propuesta de Raquel Sáez se mueve entre la reflexión, la experiencia espiritual y la invitación a escuchar la intuición. En tiempos de ruido, prisa y saturación, su mensaje gira en torno a una idea clara: parar, observar y recordar que vivir con más verdad quizá sea la mejor forma de reconciliarse con el misterio.

La entrevista completa con Raquel Sáez acompaña esta publicación y permite profundizar en algunos de los grandes temas que atraviesan el libro: el alma, el duelo, la intuición, el propósito y esa necesidad tan humana de entender qué hay más allá de lo visible.

Sobre la autora

Raquel Sáez es médium, psíquica y escritora. A lo largo de los últimos años ha desarrollado una trayectoria centrada en la divulgación espiritual, la mediumnidad y el acompañamiento personal, además de impulsar iniciativas formativas vinculadas a la intuición y la conciencia. Con Un puente hacia el alma, refuerza una voz propia dentro del ámbito espiritual con una obra que invita a mirar la vida y la muerte desde una perspectiva más abierta, íntima y trascendente.

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La historia arranca con una llamada que rompe la rutina de Andrés Pardos, un hombre adulto, exitoso en apariencia, que se ve arrastrado de nuevo hacia una parte de su pasado que creía enterrada. Ese regreso forzado a la infancia le obliga a reencontrarse con Andy, el niño que fue, y con todo aquello que no pudo nombrar cuando todavía no tenía herramientas emocionales para entender lo que le estaba ocurriendo.

Un thriller psicológico para mirar de frente lo innombrable

Uno de los grandes aciertos de la novela está en la forma elegida por Vierci para contar una historia tan dura. El niño que heredó el silencio se construye como un thriller psicológico, una decisión narrativa que no rebaja la gravedad del tema, pero sí permite que el lector avance dentro de una tensión sostenida, con la necesidad de entender qué ocurrió, cómo se encadenaron las complicidades y hasta qué punto el pasado sigue gobernando la vida del protagonista.

Lejos de buscar el impacto fácil, Vierci pone el foco en las huellas del abuso: la disociación, la culpa, la pérdida de identidad, la dificultad para verbalizar lo vivido y la permanencia del trauma cuando nadie lo escucha a tiempo. La novela no solo habla del daño causado por el agresor, sino también del que dejan la incredulidad, la negación y la comodidad de los adultos que deciden no intervenir.

El regreso de un autor marcado por las historias límite

La publicación de este libro llega después de un periodo de enorme exposición para Pablo Vierci, impulsado por la repercusión internacional de La sociedad de la nieve, adaptada al cine por J. A. Bayona. La película, en la que el escritor participó como productor asociado, logró dos nominaciones al Oscar y fue la gran triunfadora en los Goya de 2024 con doce premios. Ese contexto ha reforzado todavía más la visibilidad de un autor que lleva años interesado por las zonas más complejas de la condición humana, la memoria y los dilemas éticos.

Con El niño que heredó el silencio, Vierci vuelve a demostrar que no le interesan los relatos cómodos. Su nueva novela entra en una herida social y emocional profunda, pero lo hace con pulso narrativo, con ambición literaria y con una voluntad clara de remover conciencias. Es una obra incómoda, sí, pero también necesaria, porque obliga a mirar allí donde durante demasiado tiempo muchos prefirieron apartar la vista.

Sobre el autor

Pablo Vierci (Montevideo, 1950) es escritor, periodista y guionista. Ha publicado una docena de libros, ha firmado guiones para documentales y largometrajes y ha sido reconocido, entre otros, con el Segundo Premio Nacional de Literatura de Uruguay en 1987 y 2004, además del Premio Libro de Oro de la Cámara Uruguaya del Libro en 2009 y 2024.

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Con pulso de thriller histórico y ambición de gran fresco de época, Zueco construye una trama que arranca con una pregunta tan simple como incómoda: ¿puede un artista juzgar al mundo… y puede el mundo juzgar a un genio? A partir de ahí, todo se pone en marcha: el miedo, el poder, la censura y un expediente inquisitorial que, por razones nunca del todo aclaradas, aparece incompleto.

Escucha aquí la entrevista de Julián Garvín con Luis Zueco:

Un Madrid en tensión: cuando el arte se convierte en delito

El Madrid que retrata El juicio es el de los palacios y los despachos, pero también el de los pasillos oscuros donde se negocia la supervivencia. La Inquisición ya no es el monstruo invencible de siglos anteriores, pero sigue siendo un engranaje temible: a veces lo que declina se vuelve más imprevisible, más urgente por conservar su influencia.

En ese clima, la publicación de Los Caprichos cae como una piedra en el agua. No es solo una serie de estampas: es un mensaje. Un “libro” que se mira en privado, que se lee casi a escondidas, y que señala a demasiados. En la novela, ese gesto artístico activa una cuenta atrás.

Goya, Godoy y un expediente que no encaja

Zueco sitúa a Goya en el centro de una red de intereses donde el arte y la política se mezclan sin remedio. Aparecen las figuras de la corte, el juego de alianzas y la sombra del poder, con un eje narrativo muy potente: el expediente inquisitorial sobre Los Caprichos, del que faltan piezas.

¿Quién las retiró? ¿Quién quiso proteger a Goya… o protegerse de Goya? La novela se alimenta de esa zona gris para convertir la historia en suspense, y el suspense en un retrato de época: un país que teme lo que revela el artista, pero también lo necesita.

Angélica Diez: la mujer que irrumpe en la historia

Junto a Goya irrumpe un personaje decisivo: Angélica Diez, una joven que llega a Madrid huyendo de un pasado oscuro y que, empujada por la necesidad y el azar, queda vinculada al entorno del pintor y a un encargo cargado de leyenda: La maja desnuda.

Angélica no es un simple satélite del genio: funciona como motor dramático y como punto de vista para atravesar la ciudad y la corte. A través de ella, El juicio suma capas de misterio, tensión y emoción, y convierte el relato en algo más que una “novela sobre Goya”: es una historia sobre cómo se vive cuando todos te miran y cuando cualquier paso puede ser el último.

Un thriller histórico sobre libertad, miedo y supervivencia

En El juicio hay persecución, secretos, decisiones al límite y una pregunta que flota sobre cada escena: ¿cuánto cuesta decir la verdad? Zueco plantea al artista como pionero del espíritu moderno —libre, independiente, incómodo—, pero también como alguien obligado a moverse con inteligencia en un mundo donde la genialidad no te salva del miedo.

Y ahí está una de las claves: no solo asistimos al “juicio” de una institución contra un pintor, sino al juicio de una época entera contra la libertad de pensar. Por eso la historia no se queda en 1799: resuena hoy.

Por qué El juicio puede ser tu próxima novela

Si te atraen las novelas históricas con ritmo, los personajes que caminan al borde del abismo y las tramas donde el poder opera en silencio, El juicio es una apuesta segura. Es un viaje a una España en plena transición moral, donde la modernidad asoma la cabeza… y alguien intenta cortársela.

Sobre el autor: Luis Zueco

Luis Zueco es uno de los nombres más reconocibles de la novela histórica española contemporánea. Con una trayectoria marcada por el rigor documental, el gusto por los grandes escenarios y una narrativa pensada para atrapar al lector desde la primera página, ha consolidado un estilo propio: tramas de ritmo ágil, ambientaciones muy visuales y personajes enfrentados a dilemas morales en contextos históricos decisivos. En El juicio combina esa experiencia con un enfoque de thriller para acercarse a una figura universal como Goya y a un momento especialmente convulso de la España de finales del siglo XVIII.

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La novela arranca en la Palermo de 1957, donde Hueso, un huérfano criado en un hospicio durante los años más duros de la guerra, sobrevive en las calles gracias al ingenio, los pequeños timos y una intuición afinada por la necesidad. Siempre lleva consigo un misterioso camafeo, el mismo objeto con el que fue hallado cuando apenas era un bebé. Ese medallón, convertido en amuleto y en enigma, será la llave que abra la puerta de sus verdaderos orígenes.

Pero Las tres familias no se conforma con contar una historia de supervivencia personal. Miguel Ángel González amplía el foco y lleva al lector hasta el siglo XV, cuando tres hermanos escapan del reino de Castilla tras vengar la violación y asesinato de su hermana a manos de un señor feudal. En su huida, y para evitar ser capturados, se separan. Uno de ellos llega a Sicilia con el medallón de la joven, sembrando así la semilla de una leyenda que, con el paso de los siglos, apuntará al nacimiento de tres grandes estirpes criminales.

Con esa doble línea narrativa, la novela construye una saga marcada por la sangre, la herencia y la imposibilidad de escapar del pasado. Cuando Hueso descubra que puede ser el último descendiente de esa estirpe, quedará arrastrado a una trama de poder, honor y traición en la que no solo tendrá que enfrentarse a sus enemigos, sino también a su propia identidad.

Una novela de ambición clásica y pulso contemporáneo

Uno de los grandes aciertos de Las tres familias está en su capacidad para reunir varios registros en un mismo relato. Hay novela histórica, hay thriller, hay saga familiar y hay también una reflexión de fondo sobre el peso del apellido, la lealtad y las deudas que atraviesan generaciones. Miguel Ángel González convierte esa mezcla en una narración de fuerte impulso dramático, con personajes marcados por las heridas del pasado y por un destino que parece escrito mucho antes de que ellos puedan entenderlo.

El resultado es una historia envolvente, visual y de ritmo sostenido, pensada para atrapar al lector desde las primeras páginas y mantener la tensión mientras despliega un universo de secretos, códigos de honor y vínculos de sangre.

Una historia sobre la familia, el poder y la herencia

Más allá de su dimensión criminal y legendaria, Las tres familias funciona también como una novela sobre la pertenencia. Sobre aquello que heredamos, incluso cuando no lo conocemos. Sobre la identidad como carga, como refugio y como condena. Y sobre la familia entendida no solo como sangre, sino también como estructura de poder, lealtad y conflicto.

Miguel Ángel González explora aquí cómo los actos del pasado pueden marcar durante siglos a quienes llegan después. Esa idea convierte la novela en algo más que un relato de intriga: la transforma en una reflexión narrativa sobre el destino, la memoria y la imposibilidad de romper del todo con el origen.

Miguel Ángel González consolida una trayectoria literaria sólida

Miguel Ángel González, novelista y dramaturgo, llega a esta nueva publicación con una trayectoria ya reconocida en el panorama literario español. A lo largo de su carrera ha firmado títulos como Todos los miedos, Cariño, Prolepsis o Perder el equilibrio, construyendo una voz propia marcada por la intensidad narrativa, el pulso dramático y una clara ambición literaria.

Con Las tres familias, el autor se reafirma como una de las firmas más personales y sugerentes de su generación, capaz de levantar historias de gran envergadura sin renunciar ni a la emoción ni a la tensión.

Sobre el autor

Miguel Ángel González es escritor y dramaturgo y ha desarrollado una trayectoria sólida tanto en la novela como en el teatro. Su obra destaca por la fuerza de sus personajes, la ambición de sus tramas y una escritura que combina tensión, profundidad emocional y un notable sentido del ritmo. Con Las tres familias, firma una novela de amplio recorrido narrativo que refuerza su posición dentro de la narrativa española contemporánea.

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El título no busca provocar por deporte: funciona como una invitación. Arango propone un gesto sencillo y, a la vez, enorme: hablar —sin formalidades— con aquello que cada uno llame Dios, destino, energía o esperanza. En el libro, a ese interlocutor lo bautiza como ‘el Míster’, un apodo doméstico que rebaja solemnidades y convierte la espiritualidad en conversación cotidiana.

A lo largo de sus páginas, el autor reúne historias vividas en hospitales, pequeñas señales y momentos de luz que, según cuenta, han marcado su manera de mirar el dolor. No es un manual de autoayuda ni una crónica de la fundación: es un relato personal que se mueve entre la ternura y el vértigo, entre la risa inesperada y el silencio que queda después.

Ese pulso entre emoción y realidad conecta con la Fundación Aladina, la entidad que Arango creó para acompañar a niños y adolescentes con cáncer y a sus familias. Su trabajo va mucho más allá de ‘animar’ a los pequeños: implica apoyo psicológico, emocional y material, además de proyectos de humanización y mejora de espacios hospitalarios que cambian la experiencia de ingreso.

El libro llega, además, en un momento clave para Aladina: el impulso de la Casa Aladina, un futuro centro de día integral en Madrid pensado como un lugar de respiro y terapia fuera del hospital. La idea es tan simple como revolucionaria: que la vida —con actividades, apoyo y comunidad— también tenga un espacio propio durante el tratamiento y después.

Con Si no crees en Dios, te doy su teléfono, Arango abre una puerta a lectores creyentes, agnósticos y escépticos: no para convencer, sino para acompañar. Porque, al final, el gran tema del libro no es la fe como etiqueta, sino la esperanza como herramienta: esa forma de seguir, incluso cuando no hay respuestas.

Sobre el autor

Paco Arango (Ciudad de México, 1966) es director de cine, guionista y filántropo. Fundó la Fundación Aladina, referente en España en el apoyo integral a niños y adolescentes con cáncer y a sus familias, y ha impulsado proyectos sociales vinculados a la cultura y la recaudación solidaria. Su trabajo combina comunicación, creatividad y acompañamiento directo en el ámbito hospitalario.

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Lejos de presentarse como un relato de caída, el libro se construye como un mapa de “pequeñas conquistas”: esas decisiones mínimas y decisivas que, sin hacer ruido, cambian una vida. La escritura aquí no promete fórmulas ni finales perfectos; propone algo más difícil y más honesto: una verdad contada con amor, una voz que se atreve a nombrar lo que duele antes incluso de entenderlo.

A lo largo de sus páginas, Del barro al poema reúne una década de procesos internos, rupturas, reconciliaciones, viajes, amistades, pérdidas y hallazgos. La vulnerabilidad no se coloca como pose, sino como método: mirar de frente, escribir sin máscaras y descubrir que, a veces, la palabra no salva… pero acompaña. Del caos nace el verso. Del barro, el poema.

El volumen se completa con imágenes, caligrafías y apuntes inéditos extraídos de las libretas personales de la autora, como si el lector entrara no solo en el texto, sino en el taller íntimo donde el texto nació. Además, algunos poemas incluyen códigos QR que conectan esa escritura con la música: versos que salen del papel para convertirse en voz y resonar fuera del libro.

Sobre la autora

Sandra Delaporte (Madrid, 1994) es compositora, productora, letrista y vocalista, y una de las dos mitades del dúo DELAPORTE junto a Sergio Salvi. Graduada en Psicología, ha convertido la música y la creación en un espacio de terapia e introspección, y escribe diarios y poemas desde la infancia. Tras años de giras y exigencia, atravesó un punto de ruptura que la llevó a buscar silencio y reconexión, un cambio vital del que nace este libro: un debut literario con voz propia, intensa y luminosa.

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Lejos de la idea de la “pastilla milagro”, el libro parte de una premisa sencilla: cuando existe un déficit o una necesidad concreta, los suplementos pueden ser aliados; pero si se usan sin control, pueden resultar ineficaces… e incluso perjudiciales. Con ese punto de partida, Fernández propone un recorrido práctico para entender qué compuestos tienen sentido en distintas situaciones y cómo escoger productos de calidad en un entorno saturado de opciones.

La autora aborda, además, algunos de los motivos más habituales por los que muchas personas se acercan a la suplementación: más vitalidad, apoyo a la microbiota, mejora del descanso y del estrés, o el acompañamiento en etapas como la menopausia y el envejecimiento. También dedica espacio a un aspecto clave: las precauciones, especialmente en personas que toman medicación o conviven con patologías crónicas, donde las interacciones y las dosis importan tanto como el “qué”.

Con un lenguaje directo, el libro invita a hacerse las preguntas correctas antes de llenar el armario de botes: ¿lo necesito de verdad?, ¿tengo una base sólida de hábitos?, ¿sé identificar un producto fiable?, ¿y estoy priorizando lo que realmente cambia la salud a largo plazo? El resultado es una lectura que busca empoderar al lector, no engancharlo a una lista infinita de compras.

Sobre la autora:

Odile Fernández (Granada, 1978) es médico de familia y divulgadora. En 2010 fue diagnosticada de cáncer de ovario con metástasis y, a partir de esa experiencia, orientó su trabajo a estudiar y comunicar la relación entre alimentación, estilo de vida y prevención. Ha publicado títulos de gran éxito como Mis recetas anticáncer, Mi revolución anticáncer, Recetas para vivir con salud o Hábitos que te salvarán la vida, y desarrolla proyectos de divulgación y formación vinculados a la salud integrativa.

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Hemos charlado con Espido Freire sobre este libro y su trayectoria como escritora multiformato: poesía, novela, artículos y columnas en prensa… ensayo.

El libro funciona como una “guía” solo en apariencia. Aquí no hay listas de imprescindibles ni consejos prácticos: lo que Freire levanta es un mapa emocional donde cada lugar actúa como espejo. La autora enlaza historia, literatura y experiencia personal para mirar de frente esa verdad incómoda de cualquier viajero: lo que vemos hoy puede no existir mañana… y, aun así, deja huella.

Entre los escenarios que atraviesa el volumen aparecen el Damasco anterior a la guerra, los páramos de Yorkshire, el Madrid galdosiano o Bath, con sus ecos de Jane Austen. Lugares reales y, al mismo tiempo, ya “otros”: transformados por conflictos, por el turismo, por la especulación, por la erosión del recuerdo o, simplemente, por el paso del tiempo. El resultado es una lectura que captura muy bien el espíritu de época: el deseo de viajar convive con la conciencia de que el mundo se acelera y se desdibuja.

Más que un libro de viajes al uso, Guía de lugares que ya no existen se lee como un cuaderno de bitácora escrito con lucidez: una invitación a viajar con los ojos abiertos, a mirar dos veces, a entender que el auténtico destino a veces no es el lugar, sino lo que ese lugar revela de nosotros. De ahí su potencial para conectar con públicos distintos: amantes de la literatura, lectores de no ficción narrativa, viajeros, y también quienes buscan historias inspiradoras sobre identidad, pérdida y belleza.

Sobre la autora

Espido Freire (Bilbao, 1974) es una de las voces más reconocibles de la narrativa española contemporánea. Novelista, ensayista y articulista, ha construido una trayectoria marcada por la curiosidad intelectual y una mirada muy personal sobre la memoria, la identidad y la cultura. Su escritura combina pulso literario y vocación divulgativa, y en el territorio del viaje ha desarrollado una sensibilidad especial: la del lugar entendido como relato, como capa de tiempo y como emoción.

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Ambientada en el otoño de 1936, la historia sitúa al lector en una Salamanca ocupada por el ejército sublevado, con Franco recién proclamado jefe de Estado y una ciudad sometida al miedo y la vigilancia. En ese escenario, Unamuno se ve envuelto en la investigación del extraño suicidio de un catedrático de Derecho, un caso que pronto adquiere una dimensión mucho más compleja de lo que parecía en un principio.

La trama avanza entre sombras políticas y personales hasta desembocar en la muerte repentina del propio escritor pocos meses después. A partir de ahí, el foco se desplaza hacia Teresa Maragall, anarquista y amor imposible de Unamuno, y el abogado Manuel Rivera, que deciden continuar las pesquisas para descubrir qué ocurrió realmente. Ambos sospechan que la versión oficial no cuenta toda la verdad y se adentran en una investigación que pone en cuestión el relato dominante de aquellos días.

Con este planteamiento, la novela juega con los límites entre realidad histórica y ficción, reconstruyendo el ambiente opresivo de la Salamanca de 1936 y explorando los últimos meses de vida de una de las figuras intelectuales más relevantes del siglo XX español. El misterio se convierte así en una herramienta narrativa para reflexionar sobre el poder, la memoria y las versiones oficiales de la historia, en un relato que combina ritmo, documentación y tensión dramática.

El último caso de Unamuno es la continuación de la serie iniciada por el autor en 2024 y consolida una propuesta literaria que transforma al pensador en un personaje de novela policiaca, atrapado entre su conciencia crítica y el clima de violencia que lo rodea. El resultado es una obra que funciona como thriller histórico, pero también como homenaje a una figura clave de la cultura española.

Sobre el autor

Luis García Jambrina (Zamora, 1960) es doctor en Filología Hispánica y profesor de Literatura Española en la Universidad de Salamanca. Se dio a conocer como novelista con El manuscrito de piedra, una obra de gran éxito y múltiples ediciones, a la que siguieron títulos como En tierra de lobos, La sombra de otro o Así en la guerra como en la paz. Especialista en narrativa histórica y en la figura de Unamuno, el escritor ha construido una sólida trayectoria en la que combina investigación académica y ficción literaria con un marcado pulso narrativo.

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La novela sigue a Elena, una mujer cuya vida da un giro radical tras verse envuelta en un escándalo que afecta profundamente a su autoestima. Decide apartarse de su rutina y empezar de nuevo, refugiándose en su familia mientras intenta recomponer su identidad. Años después, durante un viaje, conoce a Guillermo, y entre ambos surge una conexión intensa y difícil de clasificar. A partir de ahí, la historia se adentra en el terreno difuso que separa la amistad del amor, cuestionando la necesidad de poner nombre a los sentimientos.

Con una mirada íntima y sin dramatismos, Arias aborda cuestiones como la autoimagen, la soledad, los prejuicios sociales o el miedo a mostrarse vulnerable. Lo hace desde un enfoque cálido, cercano al llamado “cozy romance”, en el que el humor y la ternura ayudan a afrontar situaciones complejas sin perder la esperanza. La novela invita al lector a reflexionar sobre la importancia de los vínculos emocionales, recordando que no todas las relaciones tienen que seguir los caminos tradicionales para ser auténticas o profundas.

Ambientada en escenarios que van desde Madrid a distintas ciudades internacionales, la obra dibuja un viaje físico y emocional en el que los personajes intentan comprenderse a sí mismos mientras aprenden a convivir con sus heridas. El resultado es una historia sobre el crecimiento personal y la fuerza de la amistad como refugio, motor y sostén en los momentos difíciles.

Sobre la autora
Isabel Arias (1980) es escritora y profesional del ámbito jurídico. Amante de los libros y los viajes, comenzó a publicar con Editorial Planeta tras cumplir su sueño de dedicarse a la literatura. Antes de Amigos, nada más firmó otras novelas y proyectos vinculados a la escritura, consolidando un estilo cercano y emocional centrado en las relaciones humanas, las emociones cotidianas y las historias que reconfortan al lector.

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Firmada por la periodista Tania Martín Carrillo, la novela se centra en Mariana, una joven que se ve empujada a tomar decisiones límite mientras cruza fronteras y atraviesa territorios donde el peligro no es una amenaza abstracta, sino una presencia constante. El tramo final —el desierto de Arizona— funciona como escenario definitivo: el espacio donde el cuerpo se agota, el tiempo se deforma y la esperanza se vuelve una prueba de resistencia.

Más allá del suspense inherente a cualquier travesía de este tipo, el libro pone el foco en lo que suele quedar fuera del titular: la soledad, la culpa, la fragilidad y las cicatrices que deja el camino. También en el “sueño americano” cuando deja de ser promesa y se convierte en espejismo: la presión por “triunfar”, la vergüenza de reconocer la precariedad y el silencio que muchas veces acompaña a quienes logran llegar.

Sobre la autora

Tania Martín Carrillo es periodista española afincada en Los Ángeles. Su trayectoria profesional está vinculada al periodismo audiovisual, con experiencia en coberturas de actualidad en Estados Unidos, y una etapa previa en España ligada a la radio y la información deportiva. Con Mis dieciséis en el desierto da el salto a la narrativa con un debut marcado por el pulso periodístico y la voluntad de contar, desde dentro, una historia de identidad, coraje y transformación. Un ejemplo de cómo el talento cristaliza en textos que nacen del corazón.

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Con esa premisa —tan cotidiana y tan brutal— Huerta firma una novela de las que se leen con el corazón en la mano: sobre la memoria que se pierde, sí, pero también sobre la que se protege; sobre el amor incondicional, pero también sobre los silencios familiares que se heredan como una segunda piel.

En la conversación con Marta Ferrer en nuestros estudios, Máximo Huerta explica el origen de la historia, el modo en que construye la voz de Aurora y la importancia de mirar de frente —sin morbo, sin sentimentalismo fácil— la realidad del cuidado, la vejez y la memoria.

«La escritura de Máximo Huerta logra transformar el dolor en una belleza profundamente humana», Luis Landero.

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Entrevista en vídeo con el autor

Esta entrada se completa con una entrevista en vídeo exclusiva con William González Guevara, en la que el autor profundiza en el origen del libro, su proceso de escritura y los temas que atraviesan Cara de crimen. Una conversación íntima que aporta claves fundamentales para entender la potencia y el contexto de este poemario.

El libro transita por escenarios cotidianos y emocionales donde el yo poético se enfrenta a la mirada ajena, al prejuicio, al peso del origen y a las marcas que deja la supervivencia. Cara de crimen es, en ese sentido, una obra política en el sentido más esencial del término: la que convierte lo personal en materia colectiva. González Guevara escribe con una lengua precisa, sin ornamentos innecesarios, consciente de que cada palabra tiene un peso específico y una consecuencia.

Lejos de cualquier artificio, el poemario se sostiene sobre una honestidad radical. Hay rabia, ironía, cansancio y también ternura, pero siempre atravesados por una lucidez que interpela al lector. La poesía aquí no es refugio, sino confrontación: una forma de mirar de frente aquello que incomoda y que suele quedar fuera del relato oficial.

La publicación de Cara de crimen confirma a William González Guevara como una de las voces más singulares y necesarias de la poesía contemporánea en español. Un libro que dialoga con el presente, que incomoda y que permanece, invitando a una relectura constante desde nuevas capas de sentido.

Sobre el autor

William González Guevara es poeta y escritor. Su obra se caracteriza por una mirada crítica y comprometida con la realidad social, explorando cuestiones como la identidad, la migración, la memoria y los márgenes. Con una voz reconocible y un estilo directo, su poesía ha encontrado un espacio propio dentro del panorama literario actual, destacando por su capacidad para convertir la experiencia personal en un discurso universal y profundamente contemporáneo.

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Sobre el autor

Dani García (Marbella, 1975) es uno de los cocineros españoles más reconocidos a nivel internacional. A lo largo de su carrera ha sido distinguido con el máximo reconocimiento gastronómico y ha desarrollado un sólido proyecto empresarial ligado a la restauración y la divulgación culinaria. Tras alcanzar la cima de la alta cocina, decidió reorientar su trayectoria hacia una gastronomía más abierta y accesible, acercando su experiencia profesional al gran público. Cocina en casa como Dani refleja esa etapa vital y profesional, en la que el disfrute y la cercanía se convierten en los ingredientes principales.

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Ambientada en distintos momentos de la España de posguerra y en escenarios que se expanden hasta el frente ruso de la Segunda Guerra Mundial, la novela arranca en el Madrid de 1942, donde Antonio y Carmen sobreviven a base de engaños y pequeñas estafas. La huida del protagonista, forzada por el infortunio y la traición, lo conduce a alistarse en la División Azul, un movimiento que marcará su destino y lo empujará hacia una experiencia extrema de violencia, desarraigo y pérdida.

A partir de ahí, Me hallará la muerte despliega una narración de gran aliento, que transita por la picaresca, la novela de aventuras, el relato bélico y el retrato moral. De Prada no busca una reconstrucción histórica complaciente, sino una exploración profunda de personajes sometidos a circunstancias límite, obligados a reinventarse constantemente para sobrevivir. La identidad, uno de los grandes ejes de la novela, se presenta como un territorio inestable: los nombres cambian, las lealtades se quiebran y las máscaras se convierten en una forma de resistencia.

La segunda parte de la obra, situada ya en los años cincuenta, devuelve al protagonista a un Madrid sombrío y contradictorio, donde el pasado no termina de cerrarse y la culpa se filtra en cada decisión. En este tramo, la novela adquiere un tono más introspectivo y moral, sin renunciar a la intriga ni a la tensión narrativa. De Prada construye así un fresco complejo sobre una época marcada por la ambigüedad, el silencio y la necesidad de olvidar.

El autor, en conversación

El artículo se acompaña de una entrevista en audio con Juan Manuel de Prada, en la que el escritor reflexiona sobre el origen de la novela y las razones que lo han llevado a recuperarla ahora. En la conversación, el autor subraya que Me hallará la muerte es, ante todo, una novela sobre el precio de las decisiones y sobre cómo la historia —personal y colectiva— acaba alcanzando siempre a quienes creen haber escapado de ella.

De Prada también aborda el peso de la documentación histórica, especialmente en los episodios ambientados en la guerra y el cautiverio, y defiende la necesidad de una literatura que no simplifique el pasado ni convierta a sus personajes en símbolos planos. Para el escritor, la novela sigue siendo el espacio privilegiado para explorar la complejidad moral del ser humano, incluso —o especialmente— en los contextos más incómodos.

Una obra que dialoga con el presente

Leída hoy, Me hallará la muerte se revela como una novela plenamente vigente. No solo por su ambición formal o su potencia estilística, sino por su voluntad de incomodar al lector y obligarlo a mirar de frente a personajes que no buscan redención fácil. Juan Manuel de Prada firma aquí una obra exigente, densa y profundamente literaria, que reafirma su lugar como uno de los narradores más singulares del panorama español contemporáneo.

Entrevista: Julián Garvín:

Juan Manuel de Prada, una voz imprescindible en castellano

Juan Manuel de Prada (Baracaldo, 1970) es escritor, articulista y ensayista. Autor de una extensa obra narrativa, ha sido reconocido por su estilo barroco y su atención constante a los conflictos morales y las contradicciones del ser humano. A lo largo de su trayectoria ha alternado la novela, el ensayo y el periodismo cultural, consolidándose como una de las voces más personales de la literatura española actual.

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El volumen recorre casi cinco décadas de carrera, desde los primeros pasos de Bosé en el cine y la música hasta su consolidación como icono internacional, atendiendo tanto a los grandes hitos públicos como a los procesos creativos que los hicieron posibles. El relato se construye a partir de una exhaustiva labor de documentación y de una amplia recopilación de testimonios directos, que permiten contextualizar cada etapa y entender la evolución estética, personal y profesional del cantante.

Uno de los grandes valores del libro es su estructura coral. A través de entrevistas originales a músicos, productores y colaboradores cercanos, el lector accede a versiones complementarias —a veces coincidentes, a veces divergentes— que enriquecen la narración y evitan el discurso único. A estas voces se suman las propias palabras de Bosé, integradas de forma orgánica en el conjunto, y un prólogo que aporta una perspectiva íntima desde dentro del proceso creativo.

Pensado tanto para seguidores fieles como para lectores interesados en la historia reciente de la música popular, Laberinto Bosé se presenta como una obra de referencia: rigurosa, detallada y abierta a la interpretación. Un libro que no pretende cerrar el relato, sino abrirlo, invitando a recorrer ese laberinto desde distintos ángulos.

A continuación, esta entrada se completa con una entrevista en vídeo con el autor, en la que profundiza en el origen del proyecto, el método de trabajo y las claves que le llevaron a construir este retrato múltiple de Miguel Bosé.

Sobre el autor

Giovanni Verini Supplizi es, sobre todo, un melómano. Tiene una tienda de discos en Italia y descubrió a Bosè con 5 años. A lo largo de su trayectoria ha especializado su trabajo en el análisis de la música popular y sus protagonistas, combinando investigación, entrevistas en profundidad y una mirada crítica sobre los procesos creativos y la industria cultural. Laberinto Bosé es fruto de años de trabajo y de una relación profesional prolongada con el universo artístico que retrata.

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Dividido en tres movimientos —la llegada, la permanencia y la huida—, el libro propone un retrato coral de personajes en tránsito. Desde las arenas del desierto hasta las sombras de los esclavos en los arrozales, las historias avanzan como destellos que sobreviven en la oscuridad de un territorio donde lo mítico y lo humano se confunden.

Con una prosa hipnótica, precisa y profundamente sensorial, Rubio levanta un mapa de América desde sus grietas: un lugar atravesado por cicatrices, silencios y voces quebradas que buscan pertenecer. Cada relato funciona como una amenaza suave y persistente, una verdad que se queda dentro, áspera como el polvo y, al mismo tiempo, luminosa.

La crítica ha subrayado la potencia de una escritura que no necesita artificios para golpear. Se ha hablado de una autora capaz de mirar el mundo con una mezcla de crudeza y compasión, de una fabuladora que dialoga con la vieja América de forajidos y fantasmas, y de una nueva voz llamada a ocupar un lugar propio en la literatura española contemporánea.

En esta entrevista en vídeo, Ayesha L. Rubio habla sobre su salto a la narrativa para adultos, el origen de Volverán como fuego, la presencia de lo mítico en su escritura y la manera en que la experiencia del viaje y el desarraigo han marcado su mirada literaria.

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La historia nos presenta a Iris, una mujer que vive en Londres atrapada en una vida gris, marcada por la muerte de su hermana Lily y por una rutina sin sentido. Tras romper con su pareja y abandonar su trabajo en un banco, un anuncio tan extraño como revelador irrumpe en su vida: se busca a alguien sensible para “despertar un jardín” en una finca del Ampurdán. Lo que comienza como una huida se convierte pronto en una oportunidad real de renacer.

Entrevista: Julián M. Garvín.

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Contenido exclusivo: entrevista al editor y al traductor del libro

Charlamos con Julio Jiménez (editor) y Javier Peleteiro (traductor) sobre este libro:

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En la entrevista —que puedes ver íntegra en el vídeo que acompaña esta entrada— Obregón profundiza en el origen de la historia, su interés por los crímenes no resueltos y la construcción de una narrativa pausada e introspectiva, marca distintiva de esta novela publicada dentro de la colección Serie Negra.

El susurro de la nieve sitúa su acción en Nectar, un remoto pueblo de Pensilvania sacudido por la desaparición de una niña. En el lugar donde fue vista por última vez aparece un inquietante mensaje: un montículo de azúcar que anuncia el regreso de “The Sugar Man”, un asesino que ha conseguido esquivar a la justicia durante años. La agente del FBI Dakota Finch se ve obligada a regresar a su pueblo natal para enfrentarse a una investigación plagada de rumores, prejuicios y pistas falsas.

Uno de los ejes centrales de la novela es la Versammlung, una comunidad cercana de corte casi sectario, fundada hace más de dos siglos por un grupo religioso que huía de la persecución en Europa. Acceder a su interior será clave para resolver el caso, pero también supondrá para la protagonista un viaje personal hacia sus propios miedos y contradicciones.

Durante la conversación, Nicolás Obregón reflexiona también sobre su trayectoria literaria, marcada por su anterior novela La luz azul de Yokohama, nominada al Premio T. Jefferson Parker, y por su interés constante en el true crime, que desarrolla además en el pódcast FACELESS para Universal Audio. El autor, que creció entre Londres y Madrid y reside actualmente en la capital, se muestra especialmente implicado en la promoción de esta nueva obra.

Una entrevista que aporta claves de lectura, contexto creativo y mirada de autor a una novela que promete atrapar a los lectores amantes del suspense psicológico y de las historias ambientadas en comunidades cerradas, donde nada es exactamente lo que parece.

Entrevista: Julián M. Garvín.
Montaje: Quiero Producciones

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En esta conversación hablamos sobre sus novelas, su proceso creativo, la construcción de personajes femeninos complejos, la memoria, la libertad, el peso del pasado y lo que significa entrar en la histórica nómina del Premio Planeta.

 SOBRE LOS AUTORES Y SUS OBRAS

• Vera, una historia de amor — una exploración valiente sobre la libertad femenina, el deseo y la ruptura con una vida diseñada por otros.

• Cuando el viento hable — una novela sobre la Galicia de posguerra, la imaginación como refugio y el poder de la memoria y la amistad frente al horror.

Entrevista: Julián M. Garvín
Montaje: Quiero Producciones.

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ENTREVISTA BIBLIOKISS

Julia Navarro ha charlado con nuestro compañero Julián Garvín sobre este libro tan especial. 

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En esta conversación hablamos de cómo se gestó el proyecto, de la colaboración con los doce ilustradores que han dado vida a las páginas del cómic, y de las anécdotas, canciones y vivencias que inspiraron a uno de los grandes iconos de la música en español. “Sabina. Pasión y vida” es una biografía gráfica autorizada que combina rigor periodístico, emoción y arte visual. Una obra imprescindible para sabineros, amantes del cómic y del rock poético.

Más info o compra del libro: https://editorial.baobilbao.com/produ...

Autores: Kike Babas y Kike Turrón

Ilustradores: Aneke, Sergio Silván, Ramone, Marina Cochet, Judit Crehuet, Rubén Uceda, Alberto Peral, Toni Solanes, Kepa de Orbe, Alejandro Merino, Alberto Muriel e Iosu Berriobeña.

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Entrevista: Ismael Arranz
Realización: Alfredo Hidalgo
Sonido: Gustavo Luna

Si quieres ver la entrevista, no tienes más que acceder a través de este enlace, visitar nuestra web kissfm.es o el canal del Kiss FM en YouTube.

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Entrevista: Ismael Arranz
Realización: Gustavo Luna

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